1900 Willie Brown*
1922 Willie Nix*
1949 Lillian Boutté*
1954 Corey Stevens*
1960 Lutz Kowalewski*
1973 Memphis Minnie+
2001 Larry Adler+
Anthony Geraci*
1922 Willie Nix*
1949 Lillian Boutté*
1954 Corey Stevens*
1960 Lutz Kowalewski*
1973 Memphis Minnie+
2001 Larry Adler+
Anthony Geraci*
Internationaler Tag des Blues
http://www.internationalbluesmusicday.com/about.html
Happy Birthday
Corey Stevens *06.08.1954
In einem Dorf namens Centralia, Illinois, wo er schon als Kind fleißig Gitarre übte, saugte Corey Stevens die besondere Atmosphäre des amerikanischen Mittelwestens in sich auf. „Auch, wenn die meisten Freunde sich darüber beklagten, wie langweilig es dort war, dachte ich – hey, das ist meine Heimat und ich will das Beste daraus machen.“ An ein Ereignis von damals, das sein Leben für immer verändert hat, erinnert er sich bis heute. „Es war Anfang der 70er bei einem Musikfestival. Ich stand im Publikum und hörte, wie Ike and Tina Turner angekündigt wurden. Zunächst spielten Ike und die Band ohne Tina und sie haben die Bude gerockt. Die Bühne war komplett mit Nebel bedeckt. Auf einmal erschienen Tina mit ihren Backing-Sängerinnen aus diesem Nebel! Ich sagte mir innerlich, ’Genau das möchte ich zu meinem Beruf machen.’ Es war eine wahre Offenbarung!“
Seit dem Tag ist Stevens seinem Traum konsequent nachgegangen – egal, wie lang und steinig der Weg war. Er glaubte fest an eine persönliche Umwandlung, die sich nur mit der Zeit vollenden konnte. Nach dem Schulabschluss studierte er Musik mit Schwerpunkt klassischer Gitarre. „So habe ich Disziplin gelernt. Ich übte jeden Tag mehrere Stunden“, erinnert er sich.
Corey Stevens is an American blues guitarist from Centralia, Illinois.
Stevens began playing guitar at age 11 and moved to Los Angeles after graduating from Southern Illinois University at Carbondale to pursue a career in the music business. Stevens worked as a school teacher for the Los Angeles Unified School District for ten years before signing a recording contract with the independent label, Eureka Records. He released his debut album in 1995, garnering comparisons to Stevie Ray Vaughan, and scored a rock radio hit with the single, "Blue Drops of Rain." "One More Time" from his 1997 follow up, Road To Zen, was his highest charting single. It reached the top ten in Radio & Records and #22 on the Billboard Mainstream Rock chart.
http://en.wikipedia.org/wiki/Corey_Stevens
Born in the small town of Centralia, Illinois, Corey Stevens never just says he is from Illinois. After hearing, "Oh, from Chicago?" a few too many times, he has learned the succinct way to put it: "I'm from Southern Illinois - an hour east of St. Louis." St. Louis is where he saw his first baseball game and where he saw the Rolling Stones twice on the same day. He says, "St. Louis is where I went to and saw the huge crowds and came home with big dreams."
But, Centralia was where he grew up, diligently honing his guitar playing and soaking up middle America. "My grandfather put my first guitar in my hands and the story has become well known," says Stevens, referring to the liner notes of his second album, "Road To Zen." He continues, "But, the rest of the story is just growing up in a small town. I really liked it. All my friends complained of how boring it was, but, hey, it was where I was, and I made the most of it."
Corey Stevens is a guy who likes to consider all the angles. Although his earliest influences were early rock and rollers like Chuck Berry, comics who played with words to make people laugh had a huge impact on him. When the British Invasion swept Stevens away like millions of others, the words moved him as much as the music. It may be for this reason that Stevens aspired to be a songwriter and not just another guitar player.
Stevens grew up in a tight knit family with two older sisters. He was the youngest child and only son of parents a high school girlfriend once labeled "Leave It To Beaver parents." He says, "No matter how much I rebelled, and I raised a lot of hell, I always felt a connection with my family." Thanks to his sisters who were listening to Rock and Roll, Stevens grew up presuming music was one of life's necessities. He would soon find that simple insight to be his calling.
Stevens coasted through grade school and high school, making passing grades and not really showing any exceptional talent. "I was no prodigy by any means," he says of his childhood days. "I just drifted from one fantasy to the next. One minute I wanted to be a professional baseball player then I guess I got the music bug. The Beatles came along followed by the Rolling Stones and that was it! The dream or goal just got redefined, but it hasn't changed since I was a teenager."
Stevens still remembers the moment when his life changed forever. In the early seventies, he jumped in his friend's car with three buddies and headed to Evansville, Indiana for a music weekend at a minor league ballpark. He remembers, "It was late in the afternoon and bands had been playing all day. The set change came and the announcer brought on Ike and Tina Turner. Ike and the band started playing some cookin' music without Tina, then the stage was completely covered in smoke. Suddenly, Tina and her back up singers appeared dancing out of the smoke! I said to myself this is what I want to do for a living. It was truly an epiphany! " From that day on, Stevens ignored the odds and pursued the dream. He knew he had a long road, but he believed in a transformation that only time could unveil.
After graduating from Centralia High School, Stevens enrolled in college and decided on music as his major. In 1974, Stevens left home and moved to Carbondale, Illinois to attend Southern Illinois University. Stevens studied classical music and began an intense four year study of classical guitar. Stevens remembers, "I learned discipline and practiced two, three, four hours a day. I was a serious music student, but I still partied on the weekends and heard bands on the strip. Shawn Colvin was a local and played a lot. She was great! I also spent many nights listening to Big Twist and the Mellow Fellows. That band was great, too! I use to think all I got out of college was the beer and the blues in the bars. But, over the last few years I have begun to realize that the discipline and the music theory helped shape who I am now." Stevens left Carbondale with a B.A. in Music, but had little faith that classical music loomed in his future.
Daytona Beach, Florida was Stevens' next pit stop. He went on a vacation and decided to stay. Stevens recalls, "Coming from the Midwest, Daytona was a paradise, but staying there would have meant giving up on my dream. There was never really a choice. I had to move to Los Angeles even though I knew it would be a dogfight and no one thought I would make a dent."
In 1980, Stevens drove cross-country from Florida to California. He reached Hollywood with a mission and started meeting other musicians. He sums up his first days in Tinsel Town, "One afternoon, I was having a few drinks with my girlfriend and two musicians that I met in a bar called Filthy McNasty's. They were telling me all the ins and outs, where to find auditions, the clubs, the behind-the-scenes, and I thought I was really getting my orientation into the Music Business. Suddenly, one of the guys got up and said he had to go to his day job at the 7-11. I had never heard the expression day job, but I got the gist of it... before you make it you still have to pay the bills."
Stevens played in original bands and grew restless being a sideman. He worked on songwriting and played in a few cover bands for fun. He had developed a bad taste for the Hollywood club scene that he viewed as a misguided preoccupation with impressing the record companies and management firms. He says, "It was just such an uptight scene. I didn't last long. I didn't give up on my dream or the music industry, I just thought I had all the time in the world and regrouped."
Eventually, Stevens would have two day jobs that not only paid the bills, but also put him on the path to success. First, he worked as a messenger and learned the lay of the land. The messenger job showed him enough of the industry to see how difficult it is to break in and how tight a click Hollywood can be. Stevens, not one to give up, made a plan. He realized that the messenger job had to go. He needed money to build a small four-track studio, buy equipment, and when he was ready, make 24 track demos.
In the midst of hatching his musical career, an LA Times headline cried out to him. There was a teacher shortage and Stevens was looking for a job to back his career. Soon, he quit the messenger job and became a third grade school teacher for the Los Angeles Unified School District. He says, "I don't want anyone to think I gave up on music and became a school teacher. I taught school, but I also practiced guitar, I wrote songs, and played gigs on the weekends. I was still a musician at heart, but I learned a lot being a teacher. The kids were a good influence on me. They are so honest and full of hope."
The plan began to materialize in the late 1980's when Stevens' songwriting started to flourish. Living in a one bedroom apartment, he set up a four-track studio in a walk-in closet and began to sharpen his craft. He wrote "Blue Drops of Rain" and "Lessons of Love" and started getting interest from record companies. He dedicated himself to becoming the best songwriter he could be while juggling the teaching career and raising his daughter born in 1988. He started his own original band and used his teaching salary to pay for rehearsal halls and demos.
Eventually the band showcased Stevens' original material in Hollywood and just as before, Stevens quickly grew frustrated. He sums it up, "We did a show at what is now the infamous Viper Room which was the Central then. We called our friends, had about forty or fifty show up. But, when I called the club booker a few days later, I was Corey who? I read the writing on the wall AGAIN... the Hollywood scene was just not for me."
Stevens amended his master plan. He dove into guitar playing with the same passion he had approached songwriting. He turned his songwriting studio into a guitar workshop and threw himself into learning blues guitar. He remembers, "When I regrouped and got into guitar, I turned my back on the music business and songwriting. I had written a batch of songs that I thought were valid and compelling, but the record companies passed. I had written "Take It Back," "My Neighborhood," and "Blue Drops of Rain." Those three songs ended up on the radio in the nineties. At the time, I just thought I could keep writing songs, but for who?"
As Stevens focused on guitar playing, the spirit of Robert Johnson invaded his thoughts. He wondered if he could disappear and reappear a "player," a master of the blues guitar. He woodshedded the guitar with a renewed passion for making music, forgetting the superficial music industry and even his own songs for a moment in time. After months of hibernation from the stage, he got the urge to play out and began sitting in with bands. Using the E flat tuning of Stevie Ray Vaughan, Jimi Hendrix and others before him, Stevens found himself in awkward keys, but used the challenge to sharpen his skills even further.
Soon, Stevens was ready to start another band and another journey. He did not know it, but his plan was coming together, even if he thought he had stopped trying. He started a band called Texas Flood and limited the playlist to Vaughan, Hendrix, Albert King, Freddie King, Buddy Guy and Muddy Waters.
By 1994, the band evolved into Stevens on guitars and vocals, Will MacGregor on bass and Dave Salinas on drums. Early in the year, Stevens, using his own money, placed a bet on the band and bankrolled an album that would become a classic, "Blue Drops of Rain." The album captured a fleeting moment in time when Stevens, MacGregor, and Salinas would walk on stage in a small, smoky bar and entertain a riveted crowd with songs like "Lenny," "Crosscut Saw," or "Back In Time."
Ed Tree's producing and Stevens' originals would be the wild cards that proved to be aces. Stevens brought a number of songs to the sessions that the band had not been performing live that were perfect for the project. "The Brothers," written about Gregg and Duane Allman was an instant fan favorite. But, the title track proved to be the compelling moment in the album showcasing Stevens' bourbon drenched vocals, songwriting prowess and guitar hero chops. The years of hard work had finally yielded a complex exhibition of influences, in sound and lyrical use. Even a sense of humor popped up in Stevens' choice of the Gary Tanner song, "Headshrinker." To Stevens who had lived through the trials and tribulations of trying to make his mark in Hollywood, it sounded like he was rejoicing that he had kept it all together and had not lost his mind.
Eureka Records, an independent label, signed Stevens in 1995 and released "Blue Drop of Rain." Although the year was not a huge success, Stevens saw the writing on the wall and in December quit teaching and said goodbye to his day job.
In 1996, he toured seven months and made a video for the song, "Blue Drop of Rain," which climbed the radio charts. The album was re-released on the independent label and Discovery Records and made the debut Billboard Blues chart.
In 1997, Stevens recorded his second album that yielded a top ten radio hit and video, "One More Time." Other songs made it on the radio and Stevens hit the road in support. By the end of the year, Stevens had toured nine months, including a summer tour with Paul Rodgers and Lynyrd Skynyrd, and shared the stage with ZZ Top. The title track, "Road To Zen," a heartfelt behind the scenes account of life on the road seemed to sum up Stevens' new life.
In 1998, Stevens intended to take some time off to write, but ended up back on tour. Hitting the road in style, Stevens and his band finally got their dream ride, a Prevost tour bus. They played dates in the South and Midwest, setting the stage on fire just like the days in the small bars. While on tour, Stevens bought a house in Los Angeles. Returning home to California, Stevens experienced a brief interim of normality and reconnected with his family after nearly two and a half years of vans, airports, tour buses, green rooms and hotel rooms. The bus that picked him up early in the year now let him off at a new home in the Hollywood Hills. The four-track studio was no longer in the walk-in closet.
In 1999, Stevens continued to write songs at home in Los Angeles. But, his radio success had left a wave of curious fans eager to hear if he was the real deal. His loyal fans had experienced his shows and word of mouth spread. He developed a reputation for captivating an audience and performing his songs better than the records. Unable to stay home too long, Stevens maintained a busy touring schedule, but still managed to release his third album, "Getaway." Stevens included a treasure in the song, "This Train," which never made it to radio, but should have.
Stevens continues to tour, but says, "The last two years have been about getting back to being home for a change and being a normal guy. I spent so many years inside writing songs, inside on the phone, inside classrooms, inside hotel rooms, inside a van or a bus that I just needed a change. I escaped into golf, gardening, and my Tiki bar on my roof overlooking Hollywood. I just needed to be outside. I even bought a convertible.
In 2002, Stevens reacquired ownership of his first 3 albums and his publishing in a settlement. Stevens then released a DVD of a live concert shot in 1997 entitled "Road To Zen Tour."
In 2003, Stevens released his fourth studio album, "Bring On The Blues," on Fuel 2000 distributed by Universal. Stevens started the album at Sonora Recorders and completed it at Gary Hoey's studios where he worked closely with Hoey to craft his best record to date. The album combined the contemporary blues concept of his first album, "Blue Drops of Rain," with the classic rock of his second album, "Road to Zen," that showcased an affirmation of Stevens' original style and strong songwriting skills. The song, "Getaway," was reworked with Canned Heat backing Stevens in the studio.
In September 2003, Stevens sat in with rock icon, Ian Anderson, from Jethro Tull, at the Anson Ford Theater in Hollywood during Anderson's solo tour. During the show, Jim Ladd, the infamous "Last DJ" from KLOS interviewed the two. Stevens was thrilled to be on the stage. Jethro Tull was his entry into the concert world. Stevens tells the story, " When I was sixteen, I drove to St. Louis, to my first big concert which was Jethro Tull at the Kiel Auditorium. They went on late like 11:20. I had to leave at midnight because I was already past my curfew. I asked Ian about it. I told him that fans ask me all the time about concerts that I can't remember as the set up, and then told him about my first concert. It was funny. When I asked him why they went on so late - he couldn't remember!"
Stevens continued touring to pay the bills throughout the year and into 2004. Radio changed and new music was overshadowed by music from the 60's and 70's making it more difficult for an artist like Stevens to reach a new audience. But, he had laid enough groundwork that he could tour and his agent says he never turned down a legitimate offer to perform.
In early 2005, Stevens returned to the studio for an album that was a departure from the electric blues-rock template he had followed for ten years. " Alone At Last" was released in July 2005 and demonstrated a different side of Stevens.
Stevens says, "Alone At Last was the first album I made that I played all the instruments and did exactly as I wanted. Left to my own devices I did pretty well. I learned a lot about the studio because I made all the decisions and had time to think things through and explore new boundaries. I set my own deadline and stuck to it. It was great to make a record like that and stand behind it. It was as if the limitations were the core theme of the album. Every musician wants to make this masterpiece record like Layla, for example, with a lot of tracks, but going in the opposite direction was very fulfilling. In fact, the sparsest song, "Last Temptation," just a vocal and an acoustic guitar is probably the defining moment on the record. Having a lot going on is great, but sometimes less is better and more honest. Not many songs can hold up to one vocal and one guitar."
Stevens got good feedback from fans about the acoustic album and says, "If my fans can follow me on my path and let me try new things, I am a happy man. I can't make the same album over and over. If I change too much and fans don't like it, I can understand. I try to write quality songs and the rest takes care of itself."
In 2006, the change came from something other than songwriting. The idea to make an album of Albert King covers had sat on the back burner for a few years and moved to the front burner thanks to a new record deal with Ruf Records. President Thomas Ruf approached Stevens about a new record saying he really liked the songs, "Crosscut Saw" and "I'll Play the Blues For You" from Stevens' first record, "Blue Drops of Rain". Stevens had already decided to make his next record a collection of Albert King covers and had a name, "Albertville."
Stevens sums it up, "It was too good to be true. Ruf Records came knocking and said they liked the Albert King covers. I was already in pre-production to make an album of King covers. It was a great coincidence. Great when it works, isn't it?"
Although the album wasn't released in 2006, the recording process consumed Stevens. He got the contract in July, but had to leave for a brief tour. He started the album on August 1st and finished it November 30th. He had obligations to perform a few shows every month, so he worked every day he wasn't on the road, recording horns and organ in Minneapolis on a day off. Stevens says, "I had a feeling if I worked 5 days a week I would regret it when the end of November deadline rolled around, so I worked 7 days a week most weeks. Stevens says he once dreamed about Albert King and the work ethic. Stevens recalls, "I had a dream back in the early nineties when Albert was still alive. I dreamed that I asked him for advice. I told him I was working really hard and my guitar playing wasn't progressing to my satisfaction. Albert said I was over doing it. He held out his hand and made a 5. He said 5 days a week was the most he ever played.
Stevens got to meet King at a show in Santa Monica, CA. Stevens remembers, "I shook Albert King's hand. It was a big moment in my life. That night he played a 4 song encore that has never been topped!"
Stevens had the prospect of a new record label to push his new album, " Albertville," that hit the stores in February 2007. Stevens muses optimistically, "Being a musician is up and down. There are a lot of good and bad breaks out there for all musicians. I prefer to think I'm lucky and always have. Hey, Steve Ferrone played drums on my new album. I know the music business is constantly changing. Radio ignores new artists for the most part. Copying a CD is a no-brainer. But, there really are a lot of positive things going on. I have a band that inspires me every night I walk on stage. I still meet music fanatics who have the same passion I have for music. I continue to meet new fans at my shows who are there for the first time. A lot of musicians are frustrated and bitter, but I think they have more to be grateful for than they realize." That sums up Stevens, the guy who moves forward primarily by self-motivation. He does what he does because he has something to say and doesn't question why - just how and when.
"Albertville" became available on February 16, 2007, the same day that Stevens performed at the Myth, a new state of the art venue in Maplewood, MN, a few miles north of St. Paul. The show was recorded and filmed for a DVD, but unhappy with the video, Stevens chose to release it as a live two-CD package. "Myth Live" debuted on January 18, 2008. The double album showcased Stevens band and his catalog of well written contemporary blues songs.
Stevens reflects on "Myth Live," "I toured a lot in 2007 and didn't really start working on mixing the Myth show until September. I was busy traveling and playing music until the third week of September and that's when I started my full blown obsessive compulsive work ethic of tackling the Myth mixes. It was recorded in Pro Tools as one long session, almost two hours long. It was quite unusual. For example, unlike mixing one song at a time, anything I did to EQ a track effected that instrument for all the songs. I also had two crowd mikes that I could blend in to the mix at times. The end of "It's Over" includes the crowd mikes and is probably my favorite because it sounds so live. I learned a lot just from an analytical perspective. Anyone who wants to be a musician should spend a lot of time listening to their live shows. Good and bad things are revealed. I learned that the moments that I really "felt it," were the best moments. And it surprised me because I work on technique so much and it turns out that emotion really does matter, maybe more."
Sun Country Airlines approached Stevens in 2008 to use his music on in flight programming and a limited edition CD featuring Twin Cities bands. Stevens lived in Los Angeles, but his band was based in St. Paul, so he gave them "Myth Live" to play on flights and appeared in concert at selective Sun Country events.
In August 2010, Stevens released his 8th album, "The Dreaming Man." He wrote the title track for his friend, Boon Miller, an artist and musician, who co-wrote "Triple Jack," from the "Bring On The Blues" CD, with Stevens. The actual disc features Miller's art. Stevens remembers, "I wrote The Dreaming Man the day Boon died. It was a weird situation. He died of complications from diabetes. He knew he was going to die. We all knew. I talked to him on the phone the day before he died and we had a great conversation. We talked about the music he loved like Hendrix. But, it was eerie even though he was upbeat. The next day he was gone and the song wrote itself."
Steve Ferrone returned on drums. Stevens' daughter, Kori Lynn, played keyboards, sang vocal harmonies and did the artwork including the photography. Paul Testa returned at the Hammond organ. Stevens played bass, guitar, as well as producing the project. "The Dreaming Man" features twelve new songs written by Stevens.
Stevens continues to tour with his band and as a solo acoustic performer. His music is played on XM Radio and some FM stations, and is available on iTunes, CD Baby, and in selected stores.
But, Centralia was where he grew up, diligently honing his guitar playing and soaking up middle America. "My grandfather put my first guitar in my hands and the story has become well known," says Stevens, referring to the liner notes of his second album, "Road To Zen." He continues, "But, the rest of the story is just growing up in a small town. I really liked it. All my friends complained of how boring it was, but, hey, it was where I was, and I made the most of it."
Corey Stevens is a guy who likes to consider all the angles. Although his earliest influences were early rock and rollers like Chuck Berry, comics who played with words to make people laugh had a huge impact on him. When the British Invasion swept Stevens away like millions of others, the words moved him as much as the music. It may be for this reason that Stevens aspired to be a songwriter and not just another guitar player.
Stevens grew up in a tight knit family with two older sisters. He was the youngest child and only son of parents a high school girlfriend once labeled "Leave It To Beaver parents." He says, "No matter how much I rebelled, and I raised a lot of hell, I always felt a connection with my family." Thanks to his sisters who were listening to Rock and Roll, Stevens grew up presuming music was one of life's necessities. He would soon find that simple insight to be his calling.
Stevens coasted through grade school and high school, making passing grades and not really showing any exceptional talent. "I was no prodigy by any means," he says of his childhood days. "I just drifted from one fantasy to the next. One minute I wanted to be a professional baseball player then I guess I got the music bug. The Beatles came along followed by the Rolling Stones and that was it! The dream or goal just got redefined, but it hasn't changed since I was a teenager."
Stevens still remembers the moment when his life changed forever. In the early seventies, he jumped in his friend's car with three buddies and headed to Evansville, Indiana for a music weekend at a minor league ballpark. He remembers, "It was late in the afternoon and bands had been playing all day. The set change came and the announcer brought on Ike and Tina Turner. Ike and the band started playing some cookin' music without Tina, then the stage was completely covered in smoke. Suddenly, Tina and her back up singers appeared dancing out of the smoke! I said to myself this is what I want to do for a living. It was truly an epiphany! " From that day on, Stevens ignored the odds and pursued the dream. He knew he had a long road, but he believed in a transformation that only time could unveil.
After graduating from Centralia High School, Stevens enrolled in college and decided on music as his major. In 1974, Stevens left home and moved to Carbondale, Illinois to attend Southern Illinois University. Stevens studied classical music and began an intense four year study of classical guitar. Stevens remembers, "I learned discipline and practiced two, three, four hours a day. I was a serious music student, but I still partied on the weekends and heard bands on the strip. Shawn Colvin was a local and played a lot. She was great! I also spent many nights listening to Big Twist and the Mellow Fellows. That band was great, too! I use to think all I got out of college was the beer and the blues in the bars. But, over the last few years I have begun to realize that the discipline and the music theory helped shape who I am now." Stevens left Carbondale with a B.A. in Music, but had little faith that classical music loomed in his future.
Daytona Beach, Florida was Stevens' next pit stop. He went on a vacation and decided to stay. Stevens recalls, "Coming from the Midwest, Daytona was a paradise, but staying there would have meant giving up on my dream. There was never really a choice. I had to move to Los Angeles even though I knew it would be a dogfight and no one thought I would make a dent."
In 1980, Stevens drove cross-country from Florida to California. He reached Hollywood with a mission and started meeting other musicians. He sums up his first days in Tinsel Town, "One afternoon, I was having a few drinks with my girlfriend and two musicians that I met in a bar called Filthy McNasty's. They were telling me all the ins and outs, where to find auditions, the clubs, the behind-the-scenes, and I thought I was really getting my orientation into the Music Business. Suddenly, one of the guys got up and said he had to go to his day job at the 7-11. I had never heard the expression day job, but I got the gist of it... before you make it you still have to pay the bills."
Stevens played in original bands and grew restless being a sideman. He worked on songwriting and played in a few cover bands for fun. He had developed a bad taste for the Hollywood club scene that he viewed as a misguided preoccupation with impressing the record companies and management firms. He says, "It was just such an uptight scene. I didn't last long. I didn't give up on my dream or the music industry, I just thought I had all the time in the world and regrouped."
Eventually, Stevens would have two day jobs that not only paid the bills, but also put him on the path to success. First, he worked as a messenger and learned the lay of the land. The messenger job showed him enough of the industry to see how difficult it is to break in and how tight a click Hollywood can be. Stevens, not one to give up, made a plan. He realized that the messenger job had to go. He needed money to build a small four-track studio, buy equipment, and when he was ready, make 24 track demos.
In the midst of hatching his musical career, an LA Times headline cried out to him. There was a teacher shortage and Stevens was looking for a job to back his career. Soon, he quit the messenger job and became a third grade school teacher for the Los Angeles Unified School District. He says, "I don't want anyone to think I gave up on music and became a school teacher. I taught school, but I also practiced guitar, I wrote songs, and played gigs on the weekends. I was still a musician at heart, but I learned a lot being a teacher. The kids were a good influence on me. They are so honest and full of hope."
The plan began to materialize in the late 1980's when Stevens' songwriting started to flourish. Living in a one bedroom apartment, he set up a four-track studio in a walk-in closet and began to sharpen his craft. He wrote "Blue Drops of Rain" and "Lessons of Love" and started getting interest from record companies. He dedicated himself to becoming the best songwriter he could be while juggling the teaching career and raising his daughter born in 1988. He started his own original band and used his teaching salary to pay for rehearsal halls and demos.
Eventually the band showcased Stevens' original material in Hollywood and just as before, Stevens quickly grew frustrated. He sums it up, "We did a show at what is now the infamous Viper Room which was the Central then. We called our friends, had about forty or fifty show up. But, when I called the club booker a few days later, I was Corey who? I read the writing on the wall AGAIN... the Hollywood scene was just not for me."
Stevens amended his master plan. He dove into guitar playing with the same passion he had approached songwriting. He turned his songwriting studio into a guitar workshop and threw himself into learning blues guitar. He remembers, "When I regrouped and got into guitar, I turned my back on the music business and songwriting. I had written a batch of songs that I thought were valid and compelling, but the record companies passed. I had written "Take It Back," "My Neighborhood," and "Blue Drops of Rain." Those three songs ended up on the radio in the nineties. At the time, I just thought I could keep writing songs, but for who?"
As Stevens focused on guitar playing, the spirit of Robert Johnson invaded his thoughts. He wondered if he could disappear and reappear a "player," a master of the blues guitar. He woodshedded the guitar with a renewed passion for making music, forgetting the superficial music industry and even his own songs for a moment in time. After months of hibernation from the stage, he got the urge to play out and began sitting in with bands. Using the E flat tuning of Stevie Ray Vaughan, Jimi Hendrix and others before him, Stevens found himself in awkward keys, but used the challenge to sharpen his skills even further.
Soon, Stevens was ready to start another band and another journey. He did not know it, but his plan was coming together, even if he thought he had stopped trying. He started a band called Texas Flood and limited the playlist to Vaughan, Hendrix, Albert King, Freddie King, Buddy Guy and Muddy Waters.
By 1994, the band evolved into Stevens on guitars and vocals, Will MacGregor on bass and Dave Salinas on drums. Early in the year, Stevens, using his own money, placed a bet on the band and bankrolled an album that would become a classic, "Blue Drops of Rain." The album captured a fleeting moment in time when Stevens, MacGregor, and Salinas would walk on stage in a small, smoky bar and entertain a riveted crowd with songs like "Lenny," "Crosscut Saw," or "Back In Time."
Ed Tree's producing and Stevens' originals would be the wild cards that proved to be aces. Stevens brought a number of songs to the sessions that the band had not been performing live that were perfect for the project. "The Brothers," written about Gregg and Duane Allman was an instant fan favorite. But, the title track proved to be the compelling moment in the album showcasing Stevens' bourbon drenched vocals, songwriting prowess and guitar hero chops. The years of hard work had finally yielded a complex exhibition of influences, in sound and lyrical use. Even a sense of humor popped up in Stevens' choice of the Gary Tanner song, "Headshrinker." To Stevens who had lived through the trials and tribulations of trying to make his mark in Hollywood, it sounded like he was rejoicing that he had kept it all together and had not lost his mind.
Eureka Records, an independent label, signed Stevens in 1995 and released "Blue Drop of Rain." Although the year was not a huge success, Stevens saw the writing on the wall and in December quit teaching and said goodbye to his day job.
In 1996, he toured seven months and made a video for the song, "Blue Drop of Rain," which climbed the radio charts. The album was re-released on the independent label and Discovery Records and made the debut Billboard Blues chart.
In 1997, Stevens recorded his second album that yielded a top ten radio hit and video, "One More Time." Other songs made it on the radio and Stevens hit the road in support. By the end of the year, Stevens had toured nine months, including a summer tour with Paul Rodgers and Lynyrd Skynyrd, and shared the stage with ZZ Top. The title track, "Road To Zen," a heartfelt behind the scenes account of life on the road seemed to sum up Stevens' new life.
In 1998, Stevens intended to take some time off to write, but ended up back on tour. Hitting the road in style, Stevens and his band finally got their dream ride, a Prevost tour bus. They played dates in the South and Midwest, setting the stage on fire just like the days in the small bars. While on tour, Stevens bought a house in Los Angeles. Returning home to California, Stevens experienced a brief interim of normality and reconnected with his family after nearly two and a half years of vans, airports, tour buses, green rooms and hotel rooms. The bus that picked him up early in the year now let him off at a new home in the Hollywood Hills. The four-track studio was no longer in the walk-in closet.
In 1999, Stevens continued to write songs at home in Los Angeles. But, his radio success had left a wave of curious fans eager to hear if he was the real deal. His loyal fans had experienced his shows and word of mouth spread. He developed a reputation for captivating an audience and performing his songs better than the records. Unable to stay home too long, Stevens maintained a busy touring schedule, but still managed to release his third album, "Getaway." Stevens included a treasure in the song, "This Train," which never made it to radio, but should have.
Stevens continues to tour, but says, "The last two years have been about getting back to being home for a change and being a normal guy. I spent so many years inside writing songs, inside on the phone, inside classrooms, inside hotel rooms, inside a van or a bus that I just needed a change. I escaped into golf, gardening, and my Tiki bar on my roof overlooking Hollywood. I just needed to be outside. I even bought a convertible.
In 2002, Stevens reacquired ownership of his first 3 albums and his publishing in a settlement. Stevens then released a DVD of a live concert shot in 1997 entitled "Road To Zen Tour."
In 2003, Stevens released his fourth studio album, "Bring On The Blues," on Fuel 2000 distributed by Universal. Stevens started the album at Sonora Recorders and completed it at Gary Hoey's studios where he worked closely with Hoey to craft his best record to date. The album combined the contemporary blues concept of his first album, "Blue Drops of Rain," with the classic rock of his second album, "Road to Zen," that showcased an affirmation of Stevens' original style and strong songwriting skills. The song, "Getaway," was reworked with Canned Heat backing Stevens in the studio.
In September 2003, Stevens sat in with rock icon, Ian Anderson, from Jethro Tull, at the Anson Ford Theater in Hollywood during Anderson's solo tour. During the show, Jim Ladd, the infamous "Last DJ" from KLOS interviewed the two. Stevens was thrilled to be on the stage. Jethro Tull was his entry into the concert world. Stevens tells the story, " When I was sixteen, I drove to St. Louis, to my first big concert which was Jethro Tull at the Kiel Auditorium. They went on late like 11:20. I had to leave at midnight because I was already past my curfew. I asked Ian about it. I told him that fans ask me all the time about concerts that I can't remember as the set up, and then told him about my first concert. It was funny. When I asked him why they went on so late - he couldn't remember!"
Stevens continued touring to pay the bills throughout the year and into 2004. Radio changed and new music was overshadowed by music from the 60's and 70's making it more difficult for an artist like Stevens to reach a new audience. But, he had laid enough groundwork that he could tour and his agent says he never turned down a legitimate offer to perform.
In early 2005, Stevens returned to the studio for an album that was a departure from the electric blues-rock template he had followed for ten years. " Alone At Last" was released in July 2005 and demonstrated a different side of Stevens.
Stevens says, "Alone At Last was the first album I made that I played all the instruments and did exactly as I wanted. Left to my own devices I did pretty well. I learned a lot about the studio because I made all the decisions and had time to think things through and explore new boundaries. I set my own deadline and stuck to it. It was great to make a record like that and stand behind it. It was as if the limitations were the core theme of the album. Every musician wants to make this masterpiece record like Layla, for example, with a lot of tracks, but going in the opposite direction was very fulfilling. In fact, the sparsest song, "Last Temptation," just a vocal and an acoustic guitar is probably the defining moment on the record. Having a lot going on is great, but sometimes less is better and more honest. Not many songs can hold up to one vocal and one guitar."
Stevens got good feedback from fans about the acoustic album and says, "If my fans can follow me on my path and let me try new things, I am a happy man. I can't make the same album over and over. If I change too much and fans don't like it, I can understand. I try to write quality songs and the rest takes care of itself."
In 2006, the change came from something other than songwriting. The idea to make an album of Albert King covers had sat on the back burner for a few years and moved to the front burner thanks to a new record deal with Ruf Records. President Thomas Ruf approached Stevens about a new record saying he really liked the songs, "Crosscut Saw" and "I'll Play the Blues For You" from Stevens' first record, "Blue Drops of Rain". Stevens had already decided to make his next record a collection of Albert King covers and had a name, "Albertville."
Stevens sums it up, "It was too good to be true. Ruf Records came knocking and said they liked the Albert King covers. I was already in pre-production to make an album of King covers. It was a great coincidence. Great when it works, isn't it?"
Although the album wasn't released in 2006, the recording process consumed Stevens. He got the contract in July, but had to leave for a brief tour. He started the album on August 1st and finished it November 30th. He had obligations to perform a few shows every month, so he worked every day he wasn't on the road, recording horns and organ in Minneapolis on a day off. Stevens says, "I had a feeling if I worked 5 days a week I would regret it when the end of November deadline rolled around, so I worked 7 days a week most weeks. Stevens says he once dreamed about Albert King and the work ethic. Stevens recalls, "I had a dream back in the early nineties when Albert was still alive. I dreamed that I asked him for advice. I told him I was working really hard and my guitar playing wasn't progressing to my satisfaction. Albert said I was over doing it. He held out his hand and made a 5. He said 5 days a week was the most he ever played.
Stevens got to meet King at a show in Santa Monica, CA. Stevens remembers, "I shook Albert King's hand. It was a big moment in my life. That night he played a 4 song encore that has never been topped!"
Stevens had the prospect of a new record label to push his new album, " Albertville," that hit the stores in February 2007. Stevens muses optimistically, "Being a musician is up and down. There are a lot of good and bad breaks out there for all musicians. I prefer to think I'm lucky and always have. Hey, Steve Ferrone played drums on my new album. I know the music business is constantly changing. Radio ignores new artists for the most part. Copying a CD is a no-brainer. But, there really are a lot of positive things going on. I have a band that inspires me every night I walk on stage. I still meet music fanatics who have the same passion I have for music. I continue to meet new fans at my shows who are there for the first time. A lot of musicians are frustrated and bitter, but I think they have more to be grateful for than they realize." That sums up Stevens, the guy who moves forward primarily by self-motivation. He does what he does because he has something to say and doesn't question why - just how and when.
"Albertville" became available on February 16, 2007, the same day that Stevens performed at the Myth, a new state of the art venue in Maplewood, MN, a few miles north of St. Paul. The show was recorded and filmed for a DVD, but unhappy with the video, Stevens chose to release it as a live two-CD package. "Myth Live" debuted on January 18, 2008. The double album showcased Stevens band and his catalog of well written contemporary blues songs.
Stevens reflects on "Myth Live," "I toured a lot in 2007 and didn't really start working on mixing the Myth show until September. I was busy traveling and playing music until the third week of September and that's when I started my full blown obsessive compulsive work ethic of tackling the Myth mixes. It was recorded in Pro Tools as one long session, almost two hours long. It was quite unusual. For example, unlike mixing one song at a time, anything I did to EQ a track effected that instrument for all the songs. I also had two crowd mikes that I could blend in to the mix at times. The end of "It's Over" includes the crowd mikes and is probably my favorite because it sounds so live. I learned a lot just from an analytical perspective. Anyone who wants to be a musician should spend a lot of time listening to their live shows. Good and bad things are revealed. I learned that the moments that I really "felt it," were the best moments. And it surprised me because I work on technique so much and it turns out that emotion really does matter, maybe more."
Sun Country Airlines approached Stevens in 2008 to use his music on in flight programming and a limited edition CD featuring Twin Cities bands. Stevens lived in Los Angeles, but his band was based in St. Paul, so he gave them "Myth Live" to play on flights and appeared in concert at selective Sun Country events.
In August 2010, Stevens released his 8th album, "The Dreaming Man." He wrote the title track for his friend, Boon Miller, an artist and musician, who co-wrote "Triple Jack," from the "Bring On The Blues" CD, with Stevens. The actual disc features Miller's art. Stevens remembers, "I wrote The Dreaming Man the day Boon died. It was a weird situation. He died of complications from diabetes. He knew he was going to die. We all knew. I talked to him on the phone the day before he died and we had a great conversation. We talked about the music he loved like Hendrix. But, it was eerie even though he was upbeat. The next day he was gone and the song wrote itself."
Steve Ferrone returned on drums. Stevens' daughter, Kori Lynn, played keyboards, sang vocal harmonies and did the artwork including the photography. Paul Testa returned at the Hammond organ. Stevens played bass, guitar, as well as producing the project. "The Dreaming Man" features twelve new songs written by Stevens.
Stevens continues to tour with his band and as a solo acoustic performer. His music is played on XM Radio and some FM stations, and is available on iTunes, CD Baby, and in selected stores.
Willie Brown *06.08.1900
Willie Brown (* 6. August 1900 in Clarksdale, Mississippi; † 30. Dezember 1952 in Tunica, Mississippi) war ein US-amerikanischer Blues-Gitarrist und Sänger.
Brown wurde als Sohn eines Sharecroppers geboren und wuchs auf einer Plantage nahe Drew in Mississippi auf. Ab Mitte der 1920er Jahre bis ungefähr 1930 war er der Begleitgitarrist von Charley Patton, danach wechselte er in gleicher Funktion zu Son House, mit dem er während der 1930er und teilweise der 1940er Jahre zusammenarbeitete. Anfang der 1930er Jahre war er Mentor und Lehrer von Robert Johnson, der ihn später in seinem Song Crossroad Blues erwähnte: You can run, you can run… tell my friend Willie Brown.
Bei einer Aufnahmesession mit Patton und House für Paramount 1930 in Grafton, Wisconsin, nahm er vier Stücke auf, von denen nur die Songs M & O Blues und Future Blues erhalten sind, (von Paramount 13099, "Kicking In My Sleep" ist kein erhaltenes Exemplar bekannt). 1941 machte Alan Lomax Feldaufnahmen mit Willie Brown und Son House, darunter das Brown-Solo Make Me a Pallet on the Floor. Kurze Zeit später ging er mit House nach Rochester, New York, kehrte aber später wieder ins Mississippi-Delta zurück. Dort geriet Brown allmählich in Vergessenheit, von seinen letzten Jahren ist sehr wenig bekannt. Er starb 1952 und konnte so nicht mehr vom Blues-Revival der 1960er profitieren.
Trotz seiner hauptsächlichen Funktion als Begleitmusiker und seinem äußerst schmalen erhaltenen Werk war Brown eine bedeutende Gestalt des Blues, der zusammen mit Musikern wie Charley Patton und Son House den Delta Blues entscheidend prägte.
http://de.wikipedia.org/wiki/Willie_Brown_%28Musiker%29
Willie Lee Brown (August 6, 1900 – December 30, 1952)[2] was an influential blues guitar player and vocalist. He partnered with other notable blues musicians such as Son House and Charlie Patton, and had a great influence on Robert Johnson and Muddy Waters.[3][4] Brown is considered one of the main pioneering musicians of the Delta blues genre.[2]
Born in Clarksdale, Mississippi, he learned the guitar as a teenager. During his music career he was best known as a side player performing mostly with bluesmen Son House, Charlie Patton, and Robert Johnson. He had recorded four sides for Paramount Records in Grafton, Wisconsin in the 1930s, which were subsequently released on 78rpm discs. The second time he recorded was with Son House accompanying him in three 1941 Library of Congress recordings. Brown briefly joined House in 1952 in Rochester, New York, but soon returned to Tunica, Mississippi where he died the same year.
He was mostly known as an accompanist rather than a soloist, although he did record three high rated solo performances. His recorded songs were "M & O Blues," "Make Me a Pallet on the Floor," and "Future Blues". He disappeared from the music scene during the 1940s together with Son House, and died before the first blues revival started.
Life and career
Born Willie Lee Brown[1] in Clarksdale, Mississippi,[5] Brown played with such notables as Charley Patton and Robert Johnson. He was not known to be a self-promoting frontman, preferring to "second" other musicians. Little is known for certain of the man whom Robert Johnson called "You can run, you can run, tell my friend Willie Brown" (in his "Cross Road Blues") and whom Johnson once indicated should be notified in event of his death. In an alternate take of the song, Johnson introduced a Neologism with "tell my friend boy Willie Brown." Brown is heard with Patton on the Paramount sessions of 1930, playing "M & O Blues," and "Future Blues."[6] Apart from playing with Son House and Charlie Patton it has also been said that he played with artists such as Luke Thomson and Thomas "Clubfoot" Coles. At least four other songs he recorded for Paramount have never been found.
"Rowdy Blues", a 1929 song credited to Kid Bailey, is disputed to have Brown on backup, or Brown himself using the name of Kid Bailey. Both "M & O Blues" and "Future Blues" appear on the album Son House & The Great Delta Blues Singers (1994), recorded between 1928 and 1930, on the Document Records label. They also appear on JSP's Charlie Patton box set.
David Evans has reconstructed the early biography of a Willie Brown living in Drew, Mississippi, until 1929. He was married by 1911, meaning he was 10 or 11, to a proficient guitarist named Josie Mills. He is recalled as singing and playing guitar with Charley Patton and others in the neighbourhood of Drew.[7] Informants with conflicting memories led Gayle Dean Wardlow and Steve Calt to conclude that this was a different Willie Brown.[8] Evans rejects this, believing that the singing and guitar style of the 1931 recordings is clearly in the tradition of other performers from Drew such as Charley Patton, Tommy Johnson, Kid Bailey, Howling Wolf and artists recorded non-commercially.
Alan Lomax added further confusion in 1993, suggesting that the William Brown he recorded in Arkansas in 1942 was the same man as the Paramount artist.[9] The recording was for a joint project between Fisk University and the Library of Congress documenting the music of Coahoma County, Mississippi in 1941 and 1942. Writing over fifty years later, Lomax forgot that he had actually recorded Willie the previous summer with Son House, Fiddlin' Joe Martin and Leroy Williams. Brown played second guitar on three performances by the whole band, and recorded one solo, "Make Me a Pallet on the Floor".
The later biography is clear. Willie Brown, the Paramount artist, lived in Robinsonville, Mississippi from 1929 and moved to Lake Cormorant, Mississippi by 1935. He performed occasionally with Charley Patton, and continually with Son House until his death.
Brown died of heart disease in Tunica, Mississippi in 1952, at the age of 52.
Born in Clarksdale, Mississippi, he learned the guitar as a teenager. During his music career he was best known as a side player performing mostly with bluesmen Son House, Charlie Patton, and Robert Johnson. He had recorded four sides for Paramount Records in Grafton, Wisconsin in the 1930s, which were subsequently released on 78rpm discs. The second time he recorded was with Son House accompanying him in three 1941 Library of Congress recordings. Brown briefly joined House in 1952 in Rochester, New York, but soon returned to Tunica, Mississippi where he died the same year.
He was mostly known as an accompanist rather than a soloist, although he did record three high rated solo performances. His recorded songs were "M & O Blues," "Make Me a Pallet on the Floor," and "Future Blues". He disappeared from the music scene during the 1940s together with Son House, and died before the first blues revival started.
Life and career
Born Willie Lee Brown[1] in Clarksdale, Mississippi,[5] Brown played with such notables as Charley Patton and Robert Johnson. He was not known to be a self-promoting frontman, preferring to "second" other musicians. Little is known for certain of the man whom Robert Johnson called "You can run, you can run, tell my friend Willie Brown" (in his "Cross Road Blues") and whom Johnson once indicated should be notified in event of his death. In an alternate take of the song, Johnson introduced a Neologism with "tell my friend boy Willie Brown." Brown is heard with Patton on the Paramount sessions of 1930, playing "M & O Blues," and "Future Blues."[6] Apart from playing with Son House and Charlie Patton it has also been said that he played with artists such as Luke Thomson and Thomas "Clubfoot" Coles. At least four other songs he recorded for Paramount have never been found.
"Rowdy Blues", a 1929 song credited to Kid Bailey, is disputed to have Brown on backup, or Brown himself using the name of Kid Bailey. Both "M & O Blues" and "Future Blues" appear on the album Son House & The Great Delta Blues Singers (1994), recorded between 1928 and 1930, on the Document Records label. They also appear on JSP's Charlie Patton box set.
David Evans has reconstructed the early biography of a Willie Brown living in Drew, Mississippi, until 1929. He was married by 1911, meaning he was 10 or 11, to a proficient guitarist named Josie Mills. He is recalled as singing and playing guitar with Charley Patton and others in the neighbourhood of Drew.[7] Informants with conflicting memories led Gayle Dean Wardlow and Steve Calt to conclude that this was a different Willie Brown.[8] Evans rejects this, believing that the singing and guitar style of the 1931 recordings is clearly in the tradition of other performers from Drew such as Charley Patton, Tommy Johnson, Kid Bailey, Howling Wolf and artists recorded non-commercially.
Alan Lomax added further confusion in 1993, suggesting that the William Brown he recorded in Arkansas in 1942 was the same man as the Paramount artist.[9] The recording was for a joint project between Fisk University and the Library of Congress documenting the music of Coahoma County, Mississippi in 1941 and 1942. Writing over fifty years later, Lomax forgot that he had actually recorded Willie the previous summer with Son House, Fiddlin' Joe Martin and Leroy Williams. Brown played second guitar on three performances by the whole band, and recorded one solo, "Make Me a Pallet on the Floor".
The later biography is clear. Willie Brown, the Paramount artist, lived in Robinsonville, Mississippi from 1929 and moved to Lake Cormorant, Mississippi by 1935. He performed occasionally with Charley Patton, and continually with Son House until his death.
Brown died of heart disease in Tunica, Mississippi in 1952, at the age of 52.
Mississippi Blues Willie Brown
Willie Nix *06.08.1922
Willie Nix (* 6. August 1922 in Memphis, Tennessee; † 9. Juli 1991 in Leland, Mississippi; eigentlich Willie Nicks, bekannt als Memphis Blues Boy) war ein US-amerikanischer Blues-Schlagzeuger und Sänger, der vor allem in den späten 1940ern und Anfang der 1950er Jahre populär war.
Nix wuchs in Memphis auf, als Jugendlicher arbeitete er als Stepptänzer in Minstrel- und Medicine-Shows im amerikanischen Süden, die dort gelernten Rhythmen sollten später auch sein Schlagzeugspiel prägen. Mitte der 1940er kam er zurück nach Memphis, wo er gemeinsam mit Musikern wie Walter Horton, Robert Jr. Lockwood und Sonny Boy Williamson spielte. Nix war zu dieser Zeit Teil einer Szene in West-Memphis um Musiker wie Johnny Ace, Bobby Bland, Junior Parker und B.B.King. Als er gemeinsam mit den Three Aces und anderen Blues-Musikern regelmäßig im Radio auftrat, erhöhte sich seine Popularität enorm.
Nix hatte früher bereits einige Aufnahmen für RPM und auch Checker gemacht. 1952 nahm ihn dann Sun Records unter Vertrag, unter dem Namen Memphis Blues Boy. 1953 allerdings verließ Nix Memphis und floh nach Chicago, da er des Mordes beschuldigt wurde. Dort nahm er für das Chance/Sabre-Label auf und arbeitete in den lokalen Clubs. 1958 ging Nix zurück nach Memphis, um eine zweijährige Gefängnisstrafe abzusitzen. Er war danach weiter als Musiker in Memphis aktiv, kam aber über lokale Bekanntheit kaum noch hinaus. Er starb 1991.
http://de.wikipedia.org/wiki/Willie_Nix
Willie Nix (August 6, 1922 — July 8, 1991)[2] was an American Chicago blues singer and drummer, active in Memphis, Tennessee, United States, in the 1940s and 1950s.[3]
Life and career
Born in Memphis,[2] as a child he learned to tap dance, later working as a teenager as part dancer, part comedian, with the Rabbit Foot Minstrels. This led to work in various variety shows in the 1940s, and Nix later became a part of the blues scene that grew up around Beale Street (see Memphis Blues).[2] His musical work saw him appear on local radio with Robert Lockwood Jr., and work alongside Willie Love, Joe Willie Wilkins and Sonny Boy Williamson II, billed as the Four Aces, who toured the Deep South. Further Memphis based radio work in the mid-1940s, saw Nix appear with both B.B. King and Joe Hill Louis, and later the same decade Nix worked with the Beale Streeters. In 1951, Nix made his first recording for RPM Records in Memphis, and a year later he later recorded for Checker Records.[2]
He recorded for the Sun Records label and others in the 1950s, including the Chicago, Illinois based duo of Chance[4] and Sabre. Nix wrote the songs "Nervous Wreck" and "Try Me One More Time", and reworked others such as Catfish Blues and Curtis Jones' Lonesome Bedroom Blues. He variously worked with Big Walter Horton, Elmore James, Johnny Shines, and Memphis Slim during his active years.[1][2] In the late 1950s Nix was briefly a member of Willie Cobbs' band.[5]
By the end of the 1950s, Nix returned to Memphis, and spent a short time in prison before the 1960s started. The next twenty years saw Nix perform sporadically, and as his health declined, his behaviour became more eccentric. He did not record again, although his mid-1950s work is held in high regard for his lyrical dexterity and compelling beat.[2]
Nix died in Leland, Mississippi, in 1991.
Life and career
Born in Memphis,[2] as a child he learned to tap dance, later working as a teenager as part dancer, part comedian, with the Rabbit Foot Minstrels. This led to work in various variety shows in the 1940s, and Nix later became a part of the blues scene that grew up around Beale Street (see Memphis Blues).[2] His musical work saw him appear on local radio with Robert Lockwood Jr., and work alongside Willie Love, Joe Willie Wilkins and Sonny Boy Williamson II, billed as the Four Aces, who toured the Deep South. Further Memphis based radio work in the mid-1940s, saw Nix appear with both B.B. King and Joe Hill Louis, and later the same decade Nix worked with the Beale Streeters. In 1951, Nix made his first recording for RPM Records in Memphis, and a year later he later recorded for Checker Records.[2]
He recorded for the Sun Records label and others in the 1950s, including the Chicago, Illinois based duo of Chance[4] and Sabre. Nix wrote the songs "Nervous Wreck" and "Try Me One More Time", and reworked others such as Catfish Blues and Curtis Jones' Lonesome Bedroom Blues. He variously worked with Big Walter Horton, Elmore James, Johnny Shines, and Memphis Slim during his active years.[1][2] In the late 1950s Nix was briefly a member of Willie Cobbs' band.[5]
By the end of the 1950s, Nix returned to Memphis, and spent a short time in prison before the 1960s started. The next twenty years saw Nix perform sporadically, and as his health declined, his behaviour became more eccentric. He did not record again, although his mid-1950s work is held in high regard for his lyrical dexterity and compelling beat.[2]
Nix died in Leland, Mississippi, in 1991.
Baker Shop Boogie by Willie Nix
Lillian Boutté *06.08.1949
Lillian Theresa Boutté (* 6. August 1949 in New Orleans, Louisiana) ist eine amerikanische Jazzsängerin, die seit 1986 als „musikalische Botschafterin“ für ihre Heimatstadt unterwegs ist.Leben und Wirken
Lillian Boutté gewann im Alter von elf Jahren einen Gesangswettbewerb. Während ihres Musikstudiums an der Xavier University of Louisiana sang sie im Gospelchor. Seit 1973 wurde sie von Allen Toussaint als Background-Sängerin für Plattenaufnahmen von James Booker, Patti Labelle, den Neville Brothers, den Pointer Sisters und Dr. John engagiert.
Zwischen 1979 und 1984 war sie als Darstellerin und Sängerin im Musical One Mo´ Time auf Tournee. Gemeinsam mit der Olympia Brass Band legte sie 1980 ein Gospelalbum vor; 1982 spielte sie ihr erstes Jazzalbum ein. Neben zahlreichen Alben mit ihrer eigenen Band spielte sie auch Tonträger mit Dr. John, Humphrey Lyttelton, Peter „Banjo“ Meyer, den European New Orleans All Stars um Chris Barber und Oscar Klein sowie Duoplatten mit Dirk Raufeisen oder Christian Willisohn ein.
In Europa trat sie mit Produktionen wie Spirit of Louisiana (1992) auf, aber auch mit der eigenen Band und ihrem Gatten Thomas L’Etienne sowie gemeinsam mit der Barrelhouse Jazzband, der Maryland Jazz Band of Cologne und den Breda All Stars sowie mit Pee Wee Ellis (Spirit of Christmas, 2013). Sie ist auch in dem preisgekrönten Dokumentarfilm Piano Players Barely Play Together (1982) neben den Pianisten Professor Longhair, Allen Toussaint und Tuts Washington zu sehen; in Alan Parkers Film Angel Heart (1986) trat sie in einer Nebenrolle auf und war gemeinsam mit Brownie McGhee am Soundtrack beteiligt.
A versatile singer based in New Orleans, Lillian Boutte is capable of singing both New Orleans Dixieland standards and New Orleans R&B, swing-era tunes, and contemporary originals. She sang as a child (winning a vocal contest when she was 11), performed with her college's gospel choir, and then in 1973, was hired by Allen Toussaint as a backup singer for the many projects recorded in his studio. Boutte appeared as an actress and singer in the musical One Mo' Time during 1979-1984, recorded a gospel album with the Olympia Brass Band in 1980, and in 1982, made her first jazz album. Boutte has spent time alternating between living and performing in Europe and New Orleans, and she has been closely associated with reed player Thomas L'Etienne who usually leads her backup groups. Through the years, Lillian Boutte has recorded for many labels (mostly in Europe) including Herman, Feel the Jazz, High Society, Turning Point, Timeless, Southland, Storyville, GHB, Calligraph (with Humphrey Lyttelton), Blues Beacon, and Dinosaur Entertainment.
Lillian Boutté & Kenn Lending Blues Band
Lutz Kowalewski *06.08.1960
Lutz "Kowa" Kowalewski (* 1960) ist ein deutscher Blues-Gitarrist der ostdeutschen Bluesszene. Er spielt Akustikgitarre, Dobro, Bassdrum sowie Kazoo. Kowalewski trat mit internationalen Bluesmusikern, wie Louisiana Red, Carey Bell, Memo Gonzales und Phillippe Menard auf.
Musikalische Entwicklung
Kowalewski gründete 1985 gemeinsam mit Ralf Bomberg in Kahla die Feedback Blues Band, welche sowohl Bluesklassikern spielt als auch improvisierten eigene Titel vorträgt.
Zur aktuellen Besetzung der Band gehören: Lutz Kowalewski (Gitarre, Gesang), Harald du Bellier (Bassgitarre) und Mark Rose (Schlagzeug).
Kowalewski ist darüber hinaus solistisch tätig, tritt gemeinsam mit dem Thüringer Boogie-Pianisten Alexander Blume auf, arbeitet mit Bernd Kleinow als Duo Unlimited Blues und mit Thomas Stelzers Bloody Rhythm Fingers zusammen.
Sobald dieser KOWA seine Akustikgitarre, Dobro oder E-Gitarren in die Hand nimmt, kann ganz einfach nichts anderes herauskommen als ein unbändiger und faszinierender Blues.
Man möchte meinen, selbst mit der Blockflöte bekämen wir dasselbe zu hören. Heute wird nahezu alles, was er anpackt, zum Blues.
Ja klar doch, er kommt aus einem der Südstaaten und lebt heute in einem der anderen. Ein Bluesleben von Thüringen nach Sachsen.
Mit jedem seiner Auftritte macht er sich selbst zur Blueslegende.
Wer Kowa erlebt, wie er seinen Blues auf unnachahmliche Weise zelebriert, bekommt mit jeder Faser zu spüren, was das Besondere dieser Musik ist und warum sich ihrer Wirkung kaum einer entziehen kann.
...wenn er mit seiner rauchigen Gesangsstimme in den Liedern von Begebenheiten des Alltags berichtet, wie wir sie alle so oder ähnlich auch selbst schon erlebt haben und wie er sie mit seinen Gitarren schließlich als zauberhafte Geschichten zu erzählen weiß.
Was an Kowas Vita wichtig ist, um ihn mit seinem Blues zu verstehen:
1960 in Rudolstadt geboren und in Saalfeld aufgewachsen.
Als Knirps mit acht Jahren machte er sich mit einem großen Kasten mit angeschweißten Rädern - vom Vater für sein sperrig großes Akkordeon gebaut - zum Unterricht in die Musikschule auf, quälte am Instrument sich und die Tasten u. a. mit bulgarischen Tänzen. Sein erstes Konzert für einen Kindergarten: Zehn Mark - "...dor Wahnsinn"!
Bei Carl Zeiss wurde er Präzisionsschleifer. Im zweiten Jahr seines Ingenieurstudiums unfreiwillige Exmatrikulation. Beifahrer, Fensterputzer, Essenausfahrer waren dann aber für so einen, der Blues lebt, kein Problem.
1985 gründete er im Thüringenschen Kahla gemeinsam mit Harald du Bellier die "Feedback Bluesband", erfolgreiche Touren in Deutschland, Frankreich, Tschechien und der Schweiz, drei CD's mit vorwiegend eigenen Songs.
1987/88 war er dann mal kurz weg: "Bausoldat" in Prora - ganz gewiß kein Jacobsweg zur Besinnung.
Bühnenerfahrungen und Zusammenarbeit unter anderem mit Louisiana Red (USA), Lil'Howlin'Wolf (USA), Philippe Menard (Frankreich), Carey Bell (USA), Chris Polacheck (New Orleans, USA), Memo Gonzales (Dallas/Texas, USA)
Seit 1997 in Dresden ist er heute auf den Bühnen zu erleben als "Lutz'Kowa'Kowalewski - Nothing but the blues" mit seiner Akustikgitarre, der Dobro, Blues-Kazoo und Bassdrum. Begleitet wird er seit April 2008 immer öfter von Tim Cross (USA), E-Bass und Kontrabass, seit 2013 vom Gitarristen Ryan Harrington, ebenfalls USA. Mit Bernd Kleinow, Harp, ist er als "Unlimited Blues" unterwegs. Gemeinsam auf der Bühne mit Tim Cross und Kay Dodt, Drums, singen und schreien seine E-Gitarren seit 2011 einen unbeschreiblichen Powerblues unter dem Namen "Mongrel Blues Band".
Die Jahreszahl seiner Geburt und auch der Ort sind bemerkenswert. Kowa gehört zur direkten Nachfolgegeneration jener legendären Musiker, die ihrerzeit den Blues vor allem in Berlin und Thüringen unwiderruflich in die deutsche Musikgeschichte einbrachten.
Die Rudolstädter Region ist eng mit weltweiter Folklore auf höchstem künstlerischen Niveau verbunden. Das jährliche "TFF Rudolstadt" (Tanz- und Folklorefestival) ist dafür prägend und begann 1955 als "1. Fest des deutschen Volkstanzes". [ TFF Rudolstadt ]
Das wirklich Bedeutsame der Zeit seiner Berufsausbildung war letztlich, dass er durch einen Lehrlingskumpel im Internat seine erste Gitarre in die Hand bekam. Mit einigen Handgriffen wurde das alte Röhrenradio der Eltern zum Verstärker. Quälereien mit Griffen und Riffs bekamen ihren Sinn und neuen Ehrgeiz. Jeder noch so kleine Fortschritt bereitete ihm größte Freude.
So wird auch jeder nachempfinden können, wie er sich fühlen mußte, als weder er noch einer seiner Lehrlingsfreunde das Geld zusammenbrachten, um 1976 in Warschau eines seiner Idole des "schwarzen Blues" aus dem "Westradio" und von Schallplatten live erleben zu können: Muddy Waters!
Übrigens: Wie Muddy Waters hat Kowa sein Bottleneck am kleinen Finger, sicher nicht ganz zufällig.
Blues ist durchaus nicht gleich Blues, wenn man ihn hört. Es kommt schon sehr darauf an, wer oder was für einer ihn spielt, bzw., auf welche Weise ein Musiker seinen eigenen Zugang zum Blues erlangt hat! Gerade Kowas Blues hat eine unverkennbare und unwiderstehliche Intensität und Kraft als wäre er selbst wie so viele, die man kennt, in den amerikanischen Südstaaten unterwegs. Woher das kommt läßt sich nicht in einem Satz beantworten oder gar allein musikalisch belegen.
Manch einer mag das Folgende als spitzfindig empfinden. Es sei mir dennoch erlaubt, zwei klitzekleine Episoden kund zu tun, die ich für bemerkenswert halte weil sie in ihrer Spontaneität hervorgebracht als charakteristisch daherkommen dürften: In einem Presseinterview sprach Kowa in einem bestimmten Kontext davon, daß er am liebsten "alte Sklavensongs" spiele. Ein Musikerkollege erklärte, wie er seinerzeit zum Bluesrock kam folgendermaßen: Sein Sportlehrer brachte ihm eine Schallplatte mit. So lernte er erstmals kennen, wie ein gewisser Jimi Hendrix Gitarre spielte. Sein Ehrgeiz war geweckt, ebenso spielen zu können wie diese Woodstock-Legende. Und er demonstrierte allen dann auf der Bühne wie auch er mit der Gitarre hinter Kopf umgehen kann.
Natürlich wollte auch der Lehrling Lutz Kowalewski rasch seine Gitarre beherrschen wie seine Vorbilder. Wichtig wurde ihm allerdings, was er spielte, also, was den Blues in seinen Ursprüngen ausmacht. Das äußert sich z. B. darin, daß er heute als Kowa auf der Bühne sein jeweils nächstes Lied ankündigt, indem er seinen Zuhörern immer auch die interessante kleine Geschichte erläutert, die im englischen Text zusammen mit Hintergrundinformationen steckt. Sein Gitarrenspiel gibt dem Blues den Puls, mit der Geschichte bekommen seine Lieder eine eigene Seele.
Ich frage ganz einfach 'mal an dieser Stelle, wer sich noch gut daran erinnern kann, wie er sich gefühlt hatte in solch einer allemal persönlich wichtigen Situation im noch ziemlich jungen Leben, in der es einigen Mut brauchte, sich das auch wirklich zu trauen? Und wie befreiend dieser Moment wurde:
Ich habe sie einfach geküßt! Ich fühle mich wie ein König, weil ich sie geküßt habe. Selbst Geld kümmert mich nicht, weil ich sie geküßt habe. Nichts kann ich mehr falsch machen. Mit allem werden wir zurechtkommen...
Was für ein herrlicher Tag war das! Die Zerbrechlichkeit dieses Glücksgefühls wird mit dem Text allerdings genauso offensichtlich. Diesen in aller Lebendigkeit beschriebene Zwiespalt, dem Bedürfnis nach ganz persönlichem Glück belastbar Raum schaffen zu wollen und dann auch wirklich zu können, werden Sie im Blues immer wieder finden.
John Lee Hooker äußerte einmal: "Der Blues existiert, seit die Welt existiert. Der Blues ist die Wurzel der Musik, der Ursprung von Rock `n` Roll und Punk oder was sonst noch. Blues und Kirche - alles ist darum herumgebaut, und alles hat seinen Ursprung dort: Blues ist die Geschichte von Mann und Frau. Der Beginn der Welt. Adam und Eva im Paradies."
Die Wurzel "der Musik" mag übertrieben sein. Sein Weltbild, das er zeigt, muß man nicht teilen. Aber, was er damit ausdrückt läßt kein Mißverständnis zu. Schauen Sie sich um und hören Sie genau hin bei jener Musik, die weltweit unmittelbar dem Leben der Menschen erwächst, mit ihm eng verbunden bleibt, historisch wie tagesaktuell: Im tschechischen Mähren gehen nach wie vor junge Leute in Trachten zum Tanzen ihrer ausgesprochen vitalen Polka; der Flamenco in Andalusien ist mehr als ein virtuos vorgetragenes Gitarrenspiel, Gesang und auch der Tanz erzählen eindrucksvoll ihre Geschichten; die Großtrommel "Taiko", ursprünglich von einfachen Bauern und Fischern in Japan geschlagen; indische Volksmusik, bei der es die Musikrichtung "Bhangra" Anfang der 2000er Jahre bis in den Mainstream der Discomusik brachte... Überall dort "steckt Blues drin"! Selbst, wenn in einem konzertanten Barockstück plötzlich Phrasen eines deutschen Volkstanzes der Bauern auftauchen, klingt das wie ein Stückchen Blues mitten in klassischer symphonischer Musik.
Eine Bemerkung sei mir dazu noch erlaubt, die hilft, den Blues - also auch Kowas Blues - noch besser zu verstehen: Mit all den lebendigen Geschichten, die der Blues uns erzählt, werden Fragen gestellt, die auf die eine oder andere Weise wiederkehren. In der Wiederholung zeigen sie Ihre Bedeutsamkeit für das Leben der Menschen. "Was will und kann ich tun, damit ich heute einen richtig schönen Tag haben kann?" ist so eine Frage, "I just kissed my baby" eine Antwort. Natürlich stellt sich diese Frage auch dem jungen Burschen, der mit anderen an der Tanke 'rumsteht, dem Hochschulabsolventen, der vor sechs Monaten diplomierte und jetzt wieder zu hause bei Mutter in seinem Kinderzimmer wohnt... Fragen Sie das auch einen jungen Franzosen, dessen Kumpel eben von der Polizei erschossen wurde, weshalb in Paris wochenlang Autos brannten, einen Palästinenser, unbedingt auch einen jungen Israeli, der eben seinen Wehrdienst verweigert hat! Die Antworten werden ein konkretes Bild zur gegenwärtigen Beschaffenheit der Welt ausmalen, aber auch Auskunft geben über untilgbare Sehnsüchte der Menschen. Blues verhilft eigenem Denken zu einer Art praktischer Philosophie, tief genug, um das Leben und die Dinge deutlicher zu sehen.
Kowa nannte seine aktuelle Band (nach einer Idee von Tim Cross) ganz bewußt Mongrel Bluesband. Und er legt ausdrücklich wert darauf, daß eine der Wortbedeutungen "Straßenköter" lautet. "Straßenköter... alles, was der Blues seinem Publikum bieten kann, nur nicht den glamourösen Mainstream der steifen Kragen, sondern der 'Welt der Straße' verbunden" - so ist es auf der Website der Band zu lesen. Und wer Kowa näher kennengelernt hat, weiß, daß Ihm gerade diese Bodenständigkeit des Blues, seine besondere Aussagekraft wichtig sind und sein Denken bestimmt. In aller Klarheit auch mit Blick auf all jene, die meinen, die Welt und das Leben der Menschen überall ihren Interessen gemäß vereinnahmen und dirigieren zu müssen. Nie hat er sich in eine von der Wirklichkeit abgehobene Musikwelt zurückgezogen.
Inzwischen war natürlich auch er in New Orleans (2001 und 2003), um die Vitalität des Blues dort erleben zu können, wo er in seiner Ursprünglichkeit herkommt.
Hochinteressant für mich nun war, was Kowa im Unterschied zu Musikerkollegen von ihrem Besuch dort als besonders prägende Erinnerung für berichtenswert hielt: Bei einem neugierigen Bummel durch Kneipen- und Cafemeilen hörte er schon von weitem auf der Straße aus einer eher unscheinbaren Kneipe jemanden spielen, wie es ihm ziemlich bekannt vorkam. Und tatsächlich traf er John Fohl (seinerzeit Gitarrist bei Dr. John) mitten unter der Tages- und Stammkundschaft. D. h., einer, der volle Konzerthallen kennt, hatte sich geradewegs zu denen aufgemacht, von deren Leben der Blues im Grunde ja erzählt. Er sucht und schafft den direkten Kontakt zu ihnen. Auch das gehört zum Ursprung allen Blues. So einige der heutigen Blues- und Rockgrößen übrigens fielen mir da als Beispiele noch ein.
Wenn Kowa heute über das Jahr durch Kneipen und Clubs in Sachsen, Thüringen und ganz Deutschland tourt, gehört das zu seiner ganz eigenen Art und Weise, den Blues in aller Leidenschaft zu leben. Und so werden sie ihn musikalisch nie und nirgendwo in einem distanziert konzertanten Auftritt abgehoben erleben. Bemerkenswert, immer wieder auch beobachten zu können, mit welcher Geduld und mit welchem Respekt er sich Besuchern seiner Konzerte widmet, die sich in den Pausen oder am Ende mit den unterschiedlichsten Fragen an ihn wenden, bisweilen auch mit ihren persönlichen Geschichten.
Sollten Sie demnächst Kowas Blues selbst erleben wollen, verspreche Ich ihnen noch eines: Sie werden mit Ihm neben dem Ernst der Dinge zugleich die unbändige Lebensfreude spüren, die der Blues in sich trägt und sich jedem sofort auch vermittelt, ob er denn will oder nicht. Urwüchsigem, oft auch ganz hintergründigem Humor werden Sie begegnen. Und, so werden Sie seine Auftritte immer und überall als ein gemeinsames Feiern genießen können, das Sie wahrlich nicht ruhig auf Ihren Stühlen sitzen lassen wird. Machen Sie sich auf so einiges gefaßt!
Übrigens, jedes Jahr wieder am 24. Dezember werden Sie Kowa im "Blue Note" der Dresdner Neustadt erleben können, also auch die kommenden Jahre. Nur dann 'mal nicht, wenn er aus triftigen Gründen selbst extra absagen muß. Der Chef dort wird ganz gewiß nicht anrufen, ob es denn wirklich dabei bliebe.
An diesem Punkt wird ein kleiner Blick in die Geschichte des Blues in der DDR aufschlußreich, um zu verstehen, was Kowa als Musiker letztlich zu etwas Besonderem, tatsächlich zu einer der Blues-Legenden hierzulande werden ließ.
[ "Bye bye, Lübben City" (2004) zeichnet vielfältige Bilder und Szenen dieser Zeit, auch: "Mein Lebensgefühl Rockmusik", Hartmut Helms (2012) oder: "Den Blues haben", Thomas Kochan (2002), fast schon kultig im net: bluser54.de, hoch interessant und tiefergreifend alles, was Michael Rauhut dazu über lange Zeit akribisch zusammengetragen und wissenschaftlich kompetent erarbeitet hat].
Kowas Lebensgeschichte war ja mittendrin. Und ausdrücklich möchte ich festgehalten wissen, daß es sich beim Blues in der DDR nicht zuletzt um hervorragende künstlerische Leistungen handelt, die Kowa noch heute auf seine Weise eindrucksvoll fortschreibt.
Als Schlüssel für diesen kleinen Geschichtshintergrund möge die folgende Aussage dienen: "Nirgendwo wird der Blues besser verstanden als in Texas und in der DDR."
( Alexis Korner zugeschrieben, 1980)
Warum das in Texas (bzw. im "Dixieland") so ist, liegt historisch gesehen quasi auf der Hand. Für die DDR wird die Antwort auf ganz eigene Weise spannend.
Zum Ende der 60er Jahre und deutlicher noch in den 70ern war in Deutschland (also ost wie west) - so könnte man durchaus sagen - der Nachkriegsaufbau wesentlich abgeschlossen. Es begann praktisch ein Leben, das nicht mehr unmittelbar von verheerendem Krieg und seinen Folgen geprägt wurde. Auch waren es jetzt die ersten Genenerationen der deutschen Geschichte, die ihr Leben ohne eigene Kriegserfahrungen und den dazugehörigen "Zwängen der Zeit" in ihre Hände nahmen und selbst zu gestalten begannen. Ihre Bedürfnisse und ihr Blick auf das, was ihnen persönlich wichtig wurde, kamen überall spürbar in Bewegung. Der Raum dafür schien ihnen nun offen.
"Bewegung" und "offen" darf man dabei durchaus gern auch wörtlich nehmen: Symbol für unglaubliche "Reisewellen" waren westlich der Mauer Italien, im Osten war es der Balaton in Ungarn - Italien um einiges eher als der Balaton, was aber unerheblich ist. Mit Käfer und VW-Bus, Trabi und Campinganhänger waren viele ganz persönlich bedeutsame Erlebnisse verbunden. Junge Mode wurde wichtig wie nie, soweit, daß man sich hier im Osten gezwungen sah, mit der Textilindustrie zu reagieren und extra sog. Jugendmodeläden einzurichten. Wir lachten uns über die meisten Sachen da auf den Kleiderbügeln kaputt und unsere Mädels fingen an, ihre Vorstellungen selber zu nähen.
Sich selbst vor allem wichtig zu nehmen und seinen privaten Alltag von jedweden Konventionen freizuhalten wurde überall spürbar.
Das brachte bekanntlich sogar etwas ganz Einmaliges hervor, was nach wie vor von vielen, die selbst nicht dabei waren, mit offenem Munde ungläubig zur Kenntnis genommen aber nie wirklich begriffen wird. In jeder Hinsicht völlig unaufgeregt und tiefenentspannt ließ man hierzulande mit der ganzen Familie auf dem Weg zum Strand einfach die Badeklamotten zu hause, Oma und Opa war die Ausnahme zugestanden. Ich gehe davon aus, das bleibt eine historisch einmalige Episode. Wer darin politischen Widerstand erkennt, sollte zum Neurologen gehen.
Natürlich sind das vorerst nur äußere Blitzlichtbildchen - also eher spontane Selfies, würde man heute treffender sagen. In ihrer ganzen Tiefe hatte hierzulande immer wieder die Kunst beeindruckend überzeugende Bilder und feinfühlige Geschichten zu den sich neu entfaltenden Bedürfnissen im Leben der Menschen in der DDR aufgezeigt. Herausragend z.B. Plenzdorfs "Neue Leiden des jungen W." (Prosafassung 1972). Ein wahrer Bestseller unter der DDR-Jugend dieser Zeit. Stefan Hermlin meinte, es sei "ein Gleichnis jugendlichen Denkens und Empfindens in unserer Zeit und in unserem Land" (ebenda), bishin zur Sprache der Jugend damals, die drin steckt.
Mit der bildenden Kunst wurden der gelebte Alltag und die Lebensansprüche in ihrer ganzen Widersprüchlichkeit aufgezeigt. Die entstandenen Werke waren von den Menschen mit intensiv geführten Diskussionen angenommen [ Heidrun Hegewald war mit "Kind und Eltern" (1976) als "das Scheidungsbild" in aller Munde]. Insgesamt ein breites Feld, das uns künstlerisches Schaffen über das Leben in der DDR aufzeigt. Die Musik spielte dabei eine ganz wichtige Rolle weil sie auf ihre eigene Weise das Leben besonders der jungen Leute beflügelte.
Zuvor aber kleine Anmerkungen zum sog. Kultfilm "Die Legende von Paul und Paula" - auf ganzer Linie quasi ein "verfilmter DDR-Blues"!
Je länger die Erstauffürung zurück liegt (29. März 1973), umso mehr bleibt daran oft nur oberflächlicher Ostalgiekult übrig.
In diesem Film kämpft eine kleine einfache Frau, die über den Tag hinweg hinter einem Fensterchen mit der Flaschenrücknahme beschäftigt ist, tapfer um ihre Liebe, um ihr ganz persönliches Glück, das sie über alles stellt, sogar über ihren Tod, der ihr mit der Geburt des nächsten Kindes droht. Ihr Paul muß im Außenhandel für das "sozialistische Wohl" sorgen, lebt privat in so ziemlich "muffigen" Familienbeziehungen, aus denen sie ihn am Ende durch ihre Liebe herauszieht.
Die heute am meisten herausgestellte, allzuoft aber am wenigsten verstandene Szene war eine opulente Liebesszene auf einem offenen Spreekahn, fiktiv mit allerlei gaffendem Volk drumherum: "Wie kann man nur sowas...". Eine Frau Mira, ihreszeichen Volksschauspielerin, meinte monieren zu müssen, daß Paul als Liebhaber mit dem "Charme eines Holzpferdes" auf der Leinwand daher kam. Wahrscheinlich wäre ihr eine Art Roy Black in strammen Lederhosen als ein Bergdoktor lieber gewesen. Auf die Idee, daß dieser Glücksanspruch auch für den ungeschicktesten und häßlichsten Menschen der Welt gelten dürfe, kommt sie in ihrer Heidi-Welt nicht mal im Traume. Eine zweite Szene kurz noch: Mit zwei Eimerchen schleppt Paula einen riesigen Kohleberg von der Staße bis zum Hinterhaus in den Keller. Dabei wird sie von einer Nachbarin mit ziemlich Belanglosem angesprochen. Nur wer solches Tun zweimal im Jahr leibhaftig kennt, kann wissen und empfinden wie man sich fühlen muß, wenn man dabei auch noch angesprochen wird!
Anders Paula, beflügelt in ihrem Glück geht sie in aller offenherzigen Freundlichkeit und mit geradezu ansteckender Heiterkeit auf die Nachbarin ein. Die Mühen der Schlepperei waren ihr belanglos.
Mit vielen einprägsamen Szenen gibt dieser Film eine ganze Reihe ausgesprochen optimistischer Hinweise, wie tatsächlich und mit den Menschen gemeinsam eine neue Gesellschaft möglich werden kann:
Laßt ein solch bedingungsloses Festhalten am eigenen Glück ganz einfach zu, es wird so unglaublich viel bewegen können. Erschüttert wird dieser Optimismus am Ende auch nicht durch den Tod Paulas, im Gegenteil.
Damals jedenfalls wurde der Film hierzulande sehr gut verstanden. Man wußte ganz genau, es waren alles Hinweise, die ausdrücklich so völlig anders aussahen als jene Vorstellungen, die mit vielfach geclonten Ostrowskischen "Helden des sozialistischen Aufbaus" vom Schlage eines Pawel Kortschagin verbunden waren. Erschüttert wurde dieser Optimismus von etwas ganz anderem: Wieder einmal brach mit dem Aufführungsverbot des Films die ganz offensichtlich stets latente panische Angst der agierenden "Eliten" vor der künstlerischen und übrigens auch der wissenschaftlichen Intelligenz, vor Macht- und Gesichtsverlust durch sie in aller Offenheit durch. Die Wirkung künstlerischen Schaffens schien ja handgreiflich, obwohl es eigentlich das Leben der Menschen war, das die von der Kunst formulierten Fragen stellte. Den einen und anderen konnten sie dann aus seinem Land herausdrängen. Manchem hatte man auch den Mut nehmen können, ungezwungen weiter zu arbeiten. Und so einige Gegner hatten sie sich damit selbst erst produziert. Die Folgen blieben irreparabel, gegen sie selbst am Ende.
Natürlich hatte auch der Blues in der DDR seinen Stoff aus genau dieser Zeit, der ihn lebendig und authentisch werden ließ. Und er wurde zu einem Lebensgefühl, er gab seine Impulse für das, was junge Leute bewegte. Er war also keineswegs nur eine Musik mit besonderen Tonfolgen und Rhythmen, die halt viele gern mochten. Bluesbegeisterung trug eine noch andere, motivierende Dimension. Und, wer wie Kowa selber Blues spielte, war mittendrin. Als Vertreter der ersten Bluesgeneration möge hier Stefan Diestelmann genannt sein. Man schätzte ihn als Geschichtenerzähler und feinfühligen Beobachter der Lebenswirklichkeit um ihn herum (siehe: Hartmut Helms zum 62. Geburtstag von Stefan Diestelmann / Der Alte und die Kneipe, Liedtext). Auch Alexis Korner hatte nicht nur seine Lieder gehört. Er kannte ihn persönlich - in Prag waren sie sich begegnet, 1982 spielten sie gemeinsam zur "Bratislavska Lyra". Von Gastspielen kannte er hießiges Bluespublikum.
Mit dem Blues hatte es für eine Reihe von uns jungen Leuten damals, so wie wir halt waren und dachten - darf ich an dieser Stelle so sagen - etwas ganz eigenes auf sich. Lassen Sie mich dazu zunächst ganz kurz etwas von mir selbst erzählen. So komme ich nicht in Verlegenheit, über andere urteilen zu müssen. Viel zu nahe ist die Geschichte noch, als daß man sich heraushalten und über andere von oben herab dozieren dürfte.
Als ich mein Studium begann, sollte jeder sofort sehen, wer und wie ich bin: Hier kommt einer daher, der sein Leben spätestens ab jetzt selbst in seine Hände nimmt und absolut keine Lust hat, irgendwo im Gleichschritt zu laufen! (Übrigens: Lehrerstudium war ein guter Weg, um an der Wehrpflicht vorbei zu kommen) Völlig "unsozialistisch" mit Hebammenkoffer - gefunden in der Bodenkammer der Nachbarin, Jesuslatschen, Jeans, unbedingt und aus Überzeugung (leider waren keine "echten" - 501 mit Knöpfen vorne - im "Westpaket", dafür aber wieder jede Menge Knorr-Tütensuppen). Plenzdorfs Edgar Wibeaus sprach es aus: "Jeans sind keine Hosen, sie sind eine Weltanschauung!". Später hatte ich sehen müssen, daß ein Fünfzigjähriger so etwas trug, damals unfaßbar für mich. Heutzutage hab' auch ich die noch immer an. Parka, auch "Studentenkutte" genannt, hätte ich haben können... aber viel zu uniform für mich, hatten einfach zu viele am Leib, also Umhang aus der Mottenkiste, seinerzeit noch nicht so üblich wie heute. Und der Studentenalltag ging bisweilen auch erst richtig nach der letzten Vorlesung los. Wir alle konnten uns das leisten, bei einer Mark pro halbem Liter und zehn Mark Internatsmiete im Monat.
Das alles war Ende der 60er Jahre noch längst kein Grund zur Exmatrikulation, aber spüren konnte ich schon, daß man von verschiedenen Seiten meinte, an mir herumerziehen zu müssen. Nur meine Frau, noch "in spe" und FDJ-Sekretärin, versuchte es gar nicht erst. Vielleicht auch ein Grund, warum wir nun über 40 Jahre zusammen sind. Man gab uns maximal drei Jahre, keiner ahnte, wie gleich wir letztlich waren: wir rebellierten gemeinsam ziemlich kämpferisch gegen Bestehendes an der Uni. Ja, sogar mit Erfolg ("Blutige Erdbeeren" ist stimmungsmäßig noch heute unser beider Lieblingsfilm). Vielleicht habe ich aber auch nur nicht mitbekommen, was ihr über die lange Zeit alles erzieherisch doch noch gelang oder sie bis heute verzweifeln läßt.
Jeder hat unterschiedliche Onkel und Väter. Noch als Schüler bekam ich vom Onkel den Jazz von einem Festival auf einer polnischen Schallplatte. Später machte ich mir meine "Kopfkonzerte" (Augen zu und einfach hören) u. a. mit Albert Mangelsdorf. Die intensivere Beschäftigung mit dem Jazz, woher er kam, brachte mich zum Blues. Die Inhalte der Lieder wurden mir wichtig und paßten zu meiner Lebenseinstellung und zum Blick, mit dem ich die Welt aus meinem Gerechtigkeitsverständnis heraus in meinem Denken sah. Die Musik trug mein Empfinden. Eine Stefan Diestelmann-Platte war selbstverständlich dabei. Nahezu alle Musik, die ich auch heute höre, trägt immer ein Stück weit Blues. Was "Kantiges" oder Eigenes hatten junge Bluesverrückte damals tatsächlich an sich und "kultig" war uns Blues schon auch.
Es gab noch andere Wege dieser Zeit in der DDR, zum Blues zu finden als meinen eher intellektuellen Zugang. Dazu muß man wissen, daß sich hierzulande zur Musik generell eine besondere Fankultur der Jugend entwickelte. Durchaus ebenso intensiv wie heutige sog. "Ultras" beim Fußball, denen es miteinander nicht allein um das Spiel mit dem Ball geht.
Dieses unter der Jugend verbreitete "yea yea yea und wie das alles heißt..." (Ulbricht) der 60er war mit dem, was ihm mit Rock, der Bluesszene und "Flower Power" folgte, letztlich nirgendwo auf der Welt mehr aufzuhalten. Bekanntlich trug das dann in den USA sogar ziemlich unmittelbar dazu bei, den Vietnamkrieg zu beenden.
Nahezu überall in der DDR haben junge Leute zur Beat Ära begonnen, selbst die Musik ihrer Idole nachzuspielen - auch ich mit Schulfreunden. So einige Amateurbands traten an Wochenenden in Kulturhäusern der Kleinstädte und Dorfkneipen auf, einzelne schafften es später als Profis bis in den Mainstream. Natürlich fand an den Wochenenden nicht in allen Dörfern und Kleinstädten des Umlandes gleichzeitig "Tanzveranstaltungen" mit jener Musik statt, die man täglich im Radio hörte. Insbesondere über die Woche arbeitende Jugendliche reisten ihnen nahezu jedes Wochenende nach. Man kannte sich, war unter sich, eine eigene Fangemeinde. Von nicht wenigen wurde das schließlich auch in bewußter Abgrenzung zu den FDJ-organisierten "Jugend- und Studentenklubs" betrieben, die sich ausbreiteten. Man kann das allerdings nicht so ohne weiteres und von vornherein als politisch motiviert sehen, wenn man weiß, daß die staatliche Kontrolle in den "Klubs" durchaus nicht so restriktiv war, wie man vermuten mag. Aber, sie hatten ihre eigenen sog. Ordnungsgruppen, die sicherstellen wollten, daß ihre selbst entworfene und gestaltete Freizeit unangetastet blieb. Die Wochenendreisen trugen so auch ein Stück weit bewußter Nonkonformität Jugendlicher untereinander in sich.
Über Coverversionen einiger Rocklegenden der Woodstock Ära, mit denen sie auf die "schwarze Musik" als Quelle ihres Rock aufmerksam machten, kam der Blues in die Musikwochenenden und europäische Ausdrucksformen der Hippie- und Rockkultur der späten 60er in den Fanalltag. Manche blieben musikalisch beim Stil der Covervarianten. Eine ganze Reihe beschäftigte sich intensiv mit den Originalen und widmete sich ganz dem ursprünglichen Blues. Sie alle fanden ihre Fans, die mit ihnen Wochenende für Wochenende gemeinsam ihre Musik und eine ziemlich eigene Lebensweise zelebrierten. Die "Tramper", "Blueser" oder "Kunden", wie sie sich selbst nannten, wurden zu einem ähnlich DDR-typischen Phänomen, wie es jene Badestrände waren, die kaum Platz für Textilien ließen.
Der Songtext von "Bye, Bye Lübben City" (der Band "Monokel") kommt durchaus einer Hymne nahe und lieferte auch die Rechtfertigung für ihren speziellen Nonkonformismus:
"Und Montag sieht er immer etwas müde aus.
Er hat die Kilometer noch in den Knochen
Und die Andern kommen aus dem Fernsehhaus"
Der Parka wurde neben anderen "unverzichtbaren" Utensilien, Bart und langen Haaren zur identitätsstiftenden "Uniform" und äußerem Zeichen ihres Lebensgefühls. Manche lebten ihr Wochenende durchaus auch ziemlich exzessiv und ihr Nonkonformismus sah dann nach eher auf sich selbst zentriert aus.
Als man das "American Folk Blues Festival" immer öfter in die DDR holte (erstmals 1964), nahm die Hinwendung zum Blues unter der Jugend insgesamt fast schon "mainstreammäßig" zu. Daran hatte auch das "Tanz- und Folklorefestival Rudolstadt" seinen Anteil. Ihren Höhepunkt fand die Bluesbegeisterung in den 80er Jahren.
Zum Ganzen gehört allerdings auch: Im Verständnis der Staatsorgane bedeutete das "sub" im Begriff "Subkultur" schon immer und vor allem "subversiv", insbersondere, wenn es die Jugend betraf. Die Jugend "zu verlieren", bedeutete Ihnen den größten Einfluß- und Machtverlust. Neben der oben gezeigten "kulturpolitischen Eiszeit" bekamen nicht wenige eine sehr restriktive innenpolitische Machtpräsenz zu spüren. In der Folge gab die Kirche jungen Leuten Raum, u. a. mit sog. "Bluesmessen". Niemanden wird es also wundern, daß in dieser Auseinandersetzung dann bald auf immer mehr Parkas, Kutten der Studenten und anderer, symbolische Aufnäher "Schwerter zu Pflugscharen" auftauchten. Eine lebendige Form des Pazifismus im Kontext der Raketenstationierung und der aktiven Opposition hierzulande. Das noch genauer zu beleuchten, möge anderen an anderer Stelle vorbehalten sein.
Aber festzuhalten bleibt allemal: Musik der Jugend und auf seine ganz eigene Weise der Blues waren hierzulande keineswegs bloße Nebengeräusche der hohen Wellen dieser Zeit. Blues wurde selbst zu einer der bewegenden Wellen - wie die Kunst in der DDR generell, lange bevor montags viele auf die Strassen gingen.
Wer also in der DDR den Blues selbst spielte, lebte und erlebte eine allemal "verrückte Zeit" auf sehr intensive Weise mit seinem Publikum gemeinsam. Ich bin mir ziemlich sicher, wenn Kowa beim Spiel manche Zeiterinnerungen kommen, wird seine Stimme noch kräftiger und sein Gitarrenspiel noch intensiver.
Man möchte meinen, selbst mit der Blockflöte bekämen wir dasselbe zu hören. Heute wird nahezu alles, was er anpackt, zum Blues.
Ja klar doch, er kommt aus einem der Südstaaten und lebt heute in einem der anderen. Ein Bluesleben von Thüringen nach Sachsen.
Mit jedem seiner Auftritte macht er sich selbst zur Blueslegende.
Wer Kowa erlebt, wie er seinen Blues auf unnachahmliche Weise zelebriert, bekommt mit jeder Faser zu spüren, was das Besondere dieser Musik ist und warum sich ihrer Wirkung kaum einer entziehen kann.
...wenn er mit seiner rauchigen Gesangsstimme in den Liedern von Begebenheiten des Alltags berichtet, wie wir sie alle so oder ähnlich auch selbst schon erlebt haben und wie er sie mit seinen Gitarren schließlich als zauberhafte Geschichten zu erzählen weiß.
Was an Kowas Vita wichtig ist, um ihn mit seinem Blues zu verstehen:
1960 in Rudolstadt geboren und in Saalfeld aufgewachsen.
Als Knirps mit acht Jahren machte er sich mit einem großen Kasten mit angeschweißten Rädern - vom Vater für sein sperrig großes Akkordeon gebaut - zum Unterricht in die Musikschule auf, quälte am Instrument sich und die Tasten u. a. mit bulgarischen Tänzen. Sein erstes Konzert für einen Kindergarten: Zehn Mark - "...dor Wahnsinn"!
Bei Carl Zeiss wurde er Präzisionsschleifer. Im zweiten Jahr seines Ingenieurstudiums unfreiwillige Exmatrikulation. Beifahrer, Fensterputzer, Essenausfahrer waren dann aber für so einen, der Blues lebt, kein Problem.
1985 gründete er im Thüringenschen Kahla gemeinsam mit Harald du Bellier die "Feedback Bluesband", erfolgreiche Touren in Deutschland, Frankreich, Tschechien und der Schweiz, drei CD's mit vorwiegend eigenen Songs.
1987/88 war er dann mal kurz weg: "Bausoldat" in Prora - ganz gewiß kein Jacobsweg zur Besinnung.
Bühnenerfahrungen und Zusammenarbeit unter anderem mit Louisiana Red (USA), Lil'Howlin'Wolf (USA), Philippe Menard (Frankreich), Carey Bell (USA), Chris Polacheck (New Orleans, USA), Memo Gonzales (Dallas/Texas, USA)
Seit 1997 in Dresden ist er heute auf den Bühnen zu erleben als "Lutz'Kowa'Kowalewski - Nothing but the blues" mit seiner Akustikgitarre, der Dobro, Blues-Kazoo und Bassdrum. Begleitet wird er seit April 2008 immer öfter von Tim Cross (USA), E-Bass und Kontrabass, seit 2013 vom Gitarristen Ryan Harrington, ebenfalls USA. Mit Bernd Kleinow, Harp, ist er als "Unlimited Blues" unterwegs. Gemeinsam auf der Bühne mit Tim Cross und Kay Dodt, Drums, singen und schreien seine E-Gitarren seit 2011 einen unbeschreiblichen Powerblues unter dem Namen "Mongrel Blues Band".
Die Jahreszahl seiner Geburt und auch der Ort sind bemerkenswert. Kowa gehört zur direkten Nachfolgegeneration jener legendären Musiker, die ihrerzeit den Blues vor allem in Berlin und Thüringen unwiderruflich in die deutsche Musikgeschichte einbrachten.
Die Rudolstädter Region ist eng mit weltweiter Folklore auf höchstem künstlerischen Niveau verbunden. Das jährliche "TFF Rudolstadt" (Tanz- und Folklorefestival) ist dafür prägend und begann 1955 als "1. Fest des deutschen Volkstanzes". [ TFF Rudolstadt ]
Das wirklich Bedeutsame der Zeit seiner Berufsausbildung war letztlich, dass er durch einen Lehrlingskumpel im Internat seine erste Gitarre in die Hand bekam. Mit einigen Handgriffen wurde das alte Röhrenradio der Eltern zum Verstärker. Quälereien mit Griffen und Riffs bekamen ihren Sinn und neuen Ehrgeiz. Jeder noch so kleine Fortschritt bereitete ihm größte Freude.
So wird auch jeder nachempfinden können, wie er sich fühlen mußte, als weder er noch einer seiner Lehrlingsfreunde das Geld zusammenbrachten, um 1976 in Warschau eines seiner Idole des "schwarzen Blues" aus dem "Westradio" und von Schallplatten live erleben zu können: Muddy Waters!
Übrigens: Wie Muddy Waters hat Kowa sein Bottleneck am kleinen Finger, sicher nicht ganz zufällig.
Blues ist durchaus nicht gleich Blues, wenn man ihn hört. Es kommt schon sehr darauf an, wer oder was für einer ihn spielt, bzw., auf welche Weise ein Musiker seinen eigenen Zugang zum Blues erlangt hat! Gerade Kowas Blues hat eine unverkennbare und unwiderstehliche Intensität und Kraft als wäre er selbst wie so viele, die man kennt, in den amerikanischen Südstaaten unterwegs. Woher das kommt läßt sich nicht in einem Satz beantworten oder gar allein musikalisch belegen.
Manch einer mag das Folgende als spitzfindig empfinden. Es sei mir dennoch erlaubt, zwei klitzekleine Episoden kund zu tun, die ich für bemerkenswert halte weil sie in ihrer Spontaneität hervorgebracht als charakteristisch daherkommen dürften: In einem Presseinterview sprach Kowa in einem bestimmten Kontext davon, daß er am liebsten "alte Sklavensongs" spiele. Ein Musikerkollege erklärte, wie er seinerzeit zum Bluesrock kam folgendermaßen: Sein Sportlehrer brachte ihm eine Schallplatte mit. So lernte er erstmals kennen, wie ein gewisser Jimi Hendrix Gitarre spielte. Sein Ehrgeiz war geweckt, ebenso spielen zu können wie diese Woodstock-Legende. Und er demonstrierte allen dann auf der Bühne wie auch er mit der Gitarre hinter Kopf umgehen kann.
Natürlich wollte auch der Lehrling Lutz Kowalewski rasch seine Gitarre beherrschen wie seine Vorbilder. Wichtig wurde ihm allerdings, was er spielte, also, was den Blues in seinen Ursprüngen ausmacht. Das äußert sich z. B. darin, daß er heute als Kowa auf der Bühne sein jeweils nächstes Lied ankündigt, indem er seinen Zuhörern immer auch die interessante kleine Geschichte erläutert, die im englischen Text zusammen mit Hintergrundinformationen steckt. Sein Gitarrenspiel gibt dem Blues den Puls, mit der Geschichte bekommen seine Lieder eine eigene Seele.
Ich frage ganz einfach 'mal an dieser Stelle, wer sich noch gut daran erinnern kann, wie er sich gefühlt hatte in solch einer allemal persönlich wichtigen Situation im noch ziemlich jungen Leben, in der es einigen Mut brauchte, sich das auch wirklich zu trauen? Und wie befreiend dieser Moment wurde:
Ich habe sie einfach geküßt! Ich fühle mich wie ein König, weil ich sie geküßt habe. Selbst Geld kümmert mich nicht, weil ich sie geküßt habe. Nichts kann ich mehr falsch machen. Mit allem werden wir zurechtkommen...
Was für ein herrlicher Tag war das! Die Zerbrechlichkeit dieses Glücksgefühls wird mit dem Text allerdings genauso offensichtlich. Diesen in aller Lebendigkeit beschriebene Zwiespalt, dem Bedürfnis nach ganz persönlichem Glück belastbar Raum schaffen zu wollen und dann auch wirklich zu können, werden Sie im Blues immer wieder finden.
John Lee Hooker äußerte einmal: "Der Blues existiert, seit die Welt existiert. Der Blues ist die Wurzel der Musik, der Ursprung von Rock `n` Roll und Punk oder was sonst noch. Blues und Kirche - alles ist darum herumgebaut, und alles hat seinen Ursprung dort: Blues ist die Geschichte von Mann und Frau. Der Beginn der Welt. Adam und Eva im Paradies."
Die Wurzel "der Musik" mag übertrieben sein. Sein Weltbild, das er zeigt, muß man nicht teilen. Aber, was er damit ausdrückt läßt kein Mißverständnis zu. Schauen Sie sich um und hören Sie genau hin bei jener Musik, die weltweit unmittelbar dem Leben der Menschen erwächst, mit ihm eng verbunden bleibt, historisch wie tagesaktuell: Im tschechischen Mähren gehen nach wie vor junge Leute in Trachten zum Tanzen ihrer ausgesprochen vitalen Polka; der Flamenco in Andalusien ist mehr als ein virtuos vorgetragenes Gitarrenspiel, Gesang und auch der Tanz erzählen eindrucksvoll ihre Geschichten; die Großtrommel "Taiko", ursprünglich von einfachen Bauern und Fischern in Japan geschlagen; indische Volksmusik, bei der es die Musikrichtung "Bhangra" Anfang der 2000er Jahre bis in den Mainstream der Discomusik brachte... Überall dort "steckt Blues drin"! Selbst, wenn in einem konzertanten Barockstück plötzlich Phrasen eines deutschen Volkstanzes der Bauern auftauchen, klingt das wie ein Stückchen Blues mitten in klassischer symphonischer Musik.
Eine Bemerkung sei mir dazu noch erlaubt, die hilft, den Blues - also auch Kowas Blues - noch besser zu verstehen: Mit all den lebendigen Geschichten, die der Blues uns erzählt, werden Fragen gestellt, die auf die eine oder andere Weise wiederkehren. In der Wiederholung zeigen sie Ihre Bedeutsamkeit für das Leben der Menschen. "Was will und kann ich tun, damit ich heute einen richtig schönen Tag haben kann?" ist so eine Frage, "I just kissed my baby" eine Antwort. Natürlich stellt sich diese Frage auch dem jungen Burschen, der mit anderen an der Tanke 'rumsteht, dem Hochschulabsolventen, der vor sechs Monaten diplomierte und jetzt wieder zu hause bei Mutter in seinem Kinderzimmer wohnt... Fragen Sie das auch einen jungen Franzosen, dessen Kumpel eben von der Polizei erschossen wurde, weshalb in Paris wochenlang Autos brannten, einen Palästinenser, unbedingt auch einen jungen Israeli, der eben seinen Wehrdienst verweigert hat! Die Antworten werden ein konkretes Bild zur gegenwärtigen Beschaffenheit der Welt ausmalen, aber auch Auskunft geben über untilgbare Sehnsüchte der Menschen. Blues verhilft eigenem Denken zu einer Art praktischer Philosophie, tief genug, um das Leben und die Dinge deutlicher zu sehen.
Kowa nannte seine aktuelle Band (nach einer Idee von Tim Cross) ganz bewußt Mongrel Bluesband. Und er legt ausdrücklich wert darauf, daß eine der Wortbedeutungen "Straßenköter" lautet. "Straßenköter... alles, was der Blues seinem Publikum bieten kann, nur nicht den glamourösen Mainstream der steifen Kragen, sondern der 'Welt der Straße' verbunden" - so ist es auf der Website der Band zu lesen. Und wer Kowa näher kennengelernt hat, weiß, daß Ihm gerade diese Bodenständigkeit des Blues, seine besondere Aussagekraft wichtig sind und sein Denken bestimmt. In aller Klarheit auch mit Blick auf all jene, die meinen, die Welt und das Leben der Menschen überall ihren Interessen gemäß vereinnahmen und dirigieren zu müssen. Nie hat er sich in eine von der Wirklichkeit abgehobene Musikwelt zurückgezogen.
Inzwischen war natürlich auch er in New Orleans (2001 und 2003), um die Vitalität des Blues dort erleben zu können, wo er in seiner Ursprünglichkeit herkommt.
Hochinteressant für mich nun war, was Kowa im Unterschied zu Musikerkollegen von ihrem Besuch dort als besonders prägende Erinnerung für berichtenswert hielt: Bei einem neugierigen Bummel durch Kneipen- und Cafemeilen hörte er schon von weitem auf der Straße aus einer eher unscheinbaren Kneipe jemanden spielen, wie es ihm ziemlich bekannt vorkam. Und tatsächlich traf er John Fohl (seinerzeit Gitarrist bei Dr. John) mitten unter der Tages- und Stammkundschaft. D. h., einer, der volle Konzerthallen kennt, hatte sich geradewegs zu denen aufgemacht, von deren Leben der Blues im Grunde ja erzählt. Er sucht und schafft den direkten Kontakt zu ihnen. Auch das gehört zum Ursprung allen Blues. So einige der heutigen Blues- und Rockgrößen übrigens fielen mir da als Beispiele noch ein.
Wenn Kowa heute über das Jahr durch Kneipen und Clubs in Sachsen, Thüringen und ganz Deutschland tourt, gehört das zu seiner ganz eigenen Art und Weise, den Blues in aller Leidenschaft zu leben. Und so werden sie ihn musikalisch nie und nirgendwo in einem distanziert konzertanten Auftritt abgehoben erleben. Bemerkenswert, immer wieder auch beobachten zu können, mit welcher Geduld und mit welchem Respekt er sich Besuchern seiner Konzerte widmet, die sich in den Pausen oder am Ende mit den unterschiedlichsten Fragen an ihn wenden, bisweilen auch mit ihren persönlichen Geschichten.
Sollten Sie demnächst Kowas Blues selbst erleben wollen, verspreche Ich ihnen noch eines: Sie werden mit Ihm neben dem Ernst der Dinge zugleich die unbändige Lebensfreude spüren, die der Blues in sich trägt und sich jedem sofort auch vermittelt, ob er denn will oder nicht. Urwüchsigem, oft auch ganz hintergründigem Humor werden Sie begegnen. Und, so werden Sie seine Auftritte immer und überall als ein gemeinsames Feiern genießen können, das Sie wahrlich nicht ruhig auf Ihren Stühlen sitzen lassen wird. Machen Sie sich auf so einiges gefaßt!
Übrigens, jedes Jahr wieder am 24. Dezember werden Sie Kowa im "Blue Note" der Dresdner Neustadt erleben können, also auch die kommenden Jahre. Nur dann 'mal nicht, wenn er aus triftigen Gründen selbst extra absagen muß. Der Chef dort wird ganz gewiß nicht anrufen, ob es denn wirklich dabei bliebe.
An diesem Punkt wird ein kleiner Blick in die Geschichte des Blues in der DDR aufschlußreich, um zu verstehen, was Kowa als Musiker letztlich zu etwas Besonderem, tatsächlich zu einer der Blues-Legenden hierzulande werden ließ.
[ "Bye bye, Lübben City" (2004) zeichnet vielfältige Bilder und Szenen dieser Zeit, auch: "Mein Lebensgefühl Rockmusik", Hartmut Helms (2012) oder: "Den Blues haben", Thomas Kochan (2002), fast schon kultig im net: bluser54.de, hoch interessant und tiefergreifend alles, was Michael Rauhut dazu über lange Zeit akribisch zusammengetragen und wissenschaftlich kompetent erarbeitet hat].
Kowas Lebensgeschichte war ja mittendrin. Und ausdrücklich möchte ich festgehalten wissen, daß es sich beim Blues in der DDR nicht zuletzt um hervorragende künstlerische Leistungen handelt, die Kowa noch heute auf seine Weise eindrucksvoll fortschreibt.
Als Schlüssel für diesen kleinen Geschichtshintergrund möge die folgende Aussage dienen: "Nirgendwo wird der Blues besser verstanden als in Texas und in der DDR."
( Alexis Korner zugeschrieben, 1980)
Warum das in Texas (bzw. im "Dixieland") so ist, liegt historisch gesehen quasi auf der Hand. Für die DDR wird die Antwort auf ganz eigene Weise spannend.
Zum Ende der 60er Jahre und deutlicher noch in den 70ern war in Deutschland (also ost wie west) - so könnte man durchaus sagen - der Nachkriegsaufbau wesentlich abgeschlossen. Es begann praktisch ein Leben, das nicht mehr unmittelbar von verheerendem Krieg und seinen Folgen geprägt wurde. Auch waren es jetzt die ersten Genenerationen der deutschen Geschichte, die ihr Leben ohne eigene Kriegserfahrungen und den dazugehörigen "Zwängen der Zeit" in ihre Hände nahmen und selbst zu gestalten begannen. Ihre Bedürfnisse und ihr Blick auf das, was ihnen persönlich wichtig wurde, kamen überall spürbar in Bewegung. Der Raum dafür schien ihnen nun offen.
"Bewegung" und "offen" darf man dabei durchaus gern auch wörtlich nehmen: Symbol für unglaubliche "Reisewellen" waren westlich der Mauer Italien, im Osten war es der Balaton in Ungarn - Italien um einiges eher als der Balaton, was aber unerheblich ist. Mit Käfer und VW-Bus, Trabi und Campinganhänger waren viele ganz persönlich bedeutsame Erlebnisse verbunden. Junge Mode wurde wichtig wie nie, soweit, daß man sich hier im Osten gezwungen sah, mit der Textilindustrie zu reagieren und extra sog. Jugendmodeläden einzurichten. Wir lachten uns über die meisten Sachen da auf den Kleiderbügeln kaputt und unsere Mädels fingen an, ihre Vorstellungen selber zu nähen.
Sich selbst vor allem wichtig zu nehmen und seinen privaten Alltag von jedweden Konventionen freizuhalten wurde überall spürbar.
Das brachte bekanntlich sogar etwas ganz Einmaliges hervor, was nach wie vor von vielen, die selbst nicht dabei waren, mit offenem Munde ungläubig zur Kenntnis genommen aber nie wirklich begriffen wird. In jeder Hinsicht völlig unaufgeregt und tiefenentspannt ließ man hierzulande mit der ganzen Familie auf dem Weg zum Strand einfach die Badeklamotten zu hause, Oma und Opa war die Ausnahme zugestanden. Ich gehe davon aus, das bleibt eine historisch einmalige Episode. Wer darin politischen Widerstand erkennt, sollte zum Neurologen gehen.
Natürlich sind das vorerst nur äußere Blitzlichtbildchen - also eher spontane Selfies, würde man heute treffender sagen. In ihrer ganzen Tiefe hatte hierzulande immer wieder die Kunst beeindruckend überzeugende Bilder und feinfühlige Geschichten zu den sich neu entfaltenden Bedürfnissen im Leben der Menschen in der DDR aufgezeigt. Herausragend z.B. Plenzdorfs "Neue Leiden des jungen W." (Prosafassung 1972). Ein wahrer Bestseller unter der DDR-Jugend dieser Zeit. Stefan Hermlin meinte, es sei "ein Gleichnis jugendlichen Denkens und Empfindens in unserer Zeit und in unserem Land" (ebenda), bishin zur Sprache der Jugend damals, die drin steckt.
Mit der bildenden Kunst wurden der gelebte Alltag und die Lebensansprüche in ihrer ganzen Widersprüchlichkeit aufgezeigt. Die entstandenen Werke waren von den Menschen mit intensiv geführten Diskussionen angenommen [ Heidrun Hegewald war mit "Kind und Eltern" (1976) als "das Scheidungsbild" in aller Munde]. Insgesamt ein breites Feld, das uns künstlerisches Schaffen über das Leben in der DDR aufzeigt. Die Musik spielte dabei eine ganz wichtige Rolle weil sie auf ihre eigene Weise das Leben besonders der jungen Leute beflügelte.
Zuvor aber kleine Anmerkungen zum sog. Kultfilm "Die Legende von Paul und Paula" - auf ganzer Linie quasi ein "verfilmter DDR-Blues"!
Je länger die Erstauffürung zurück liegt (29. März 1973), umso mehr bleibt daran oft nur oberflächlicher Ostalgiekult übrig.
In diesem Film kämpft eine kleine einfache Frau, die über den Tag hinweg hinter einem Fensterchen mit der Flaschenrücknahme beschäftigt ist, tapfer um ihre Liebe, um ihr ganz persönliches Glück, das sie über alles stellt, sogar über ihren Tod, der ihr mit der Geburt des nächsten Kindes droht. Ihr Paul muß im Außenhandel für das "sozialistische Wohl" sorgen, lebt privat in so ziemlich "muffigen" Familienbeziehungen, aus denen sie ihn am Ende durch ihre Liebe herauszieht.
Die heute am meisten herausgestellte, allzuoft aber am wenigsten verstandene Szene war eine opulente Liebesszene auf einem offenen Spreekahn, fiktiv mit allerlei gaffendem Volk drumherum: "Wie kann man nur sowas...". Eine Frau Mira, ihreszeichen Volksschauspielerin, meinte monieren zu müssen, daß Paul als Liebhaber mit dem "Charme eines Holzpferdes" auf der Leinwand daher kam. Wahrscheinlich wäre ihr eine Art Roy Black in strammen Lederhosen als ein Bergdoktor lieber gewesen. Auf die Idee, daß dieser Glücksanspruch auch für den ungeschicktesten und häßlichsten Menschen der Welt gelten dürfe, kommt sie in ihrer Heidi-Welt nicht mal im Traume. Eine zweite Szene kurz noch: Mit zwei Eimerchen schleppt Paula einen riesigen Kohleberg von der Staße bis zum Hinterhaus in den Keller. Dabei wird sie von einer Nachbarin mit ziemlich Belanglosem angesprochen. Nur wer solches Tun zweimal im Jahr leibhaftig kennt, kann wissen und empfinden wie man sich fühlen muß, wenn man dabei auch noch angesprochen wird!
Anders Paula, beflügelt in ihrem Glück geht sie in aller offenherzigen Freundlichkeit und mit geradezu ansteckender Heiterkeit auf die Nachbarin ein. Die Mühen der Schlepperei waren ihr belanglos.
Mit vielen einprägsamen Szenen gibt dieser Film eine ganze Reihe ausgesprochen optimistischer Hinweise, wie tatsächlich und mit den Menschen gemeinsam eine neue Gesellschaft möglich werden kann:
Laßt ein solch bedingungsloses Festhalten am eigenen Glück ganz einfach zu, es wird so unglaublich viel bewegen können. Erschüttert wird dieser Optimismus am Ende auch nicht durch den Tod Paulas, im Gegenteil.
Damals jedenfalls wurde der Film hierzulande sehr gut verstanden. Man wußte ganz genau, es waren alles Hinweise, die ausdrücklich so völlig anders aussahen als jene Vorstellungen, die mit vielfach geclonten Ostrowskischen "Helden des sozialistischen Aufbaus" vom Schlage eines Pawel Kortschagin verbunden waren. Erschüttert wurde dieser Optimismus von etwas ganz anderem: Wieder einmal brach mit dem Aufführungsverbot des Films die ganz offensichtlich stets latente panische Angst der agierenden "Eliten" vor der künstlerischen und übrigens auch der wissenschaftlichen Intelligenz, vor Macht- und Gesichtsverlust durch sie in aller Offenheit durch. Die Wirkung künstlerischen Schaffens schien ja handgreiflich, obwohl es eigentlich das Leben der Menschen war, das die von der Kunst formulierten Fragen stellte. Den einen und anderen konnten sie dann aus seinem Land herausdrängen. Manchem hatte man auch den Mut nehmen können, ungezwungen weiter zu arbeiten. Und so einige Gegner hatten sie sich damit selbst erst produziert. Die Folgen blieben irreparabel, gegen sie selbst am Ende.
Natürlich hatte auch der Blues in der DDR seinen Stoff aus genau dieser Zeit, der ihn lebendig und authentisch werden ließ. Und er wurde zu einem Lebensgefühl, er gab seine Impulse für das, was junge Leute bewegte. Er war also keineswegs nur eine Musik mit besonderen Tonfolgen und Rhythmen, die halt viele gern mochten. Bluesbegeisterung trug eine noch andere, motivierende Dimension. Und, wer wie Kowa selber Blues spielte, war mittendrin. Als Vertreter der ersten Bluesgeneration möge hier Stefan Diestelmann genannt sein. Man schätzte ihn als Geschichtenerzähler und feinfühligen Beobachter der Lebenswirklichkeit um ihn herum (siehe: Hartmut Helms zum 62. Geburtstag von Stefan Diestelmann / Der Alte und die Kneipe, Liedtext). Auch Alexis Korner hatte nicht nur seine Lieder gehört. Er kannte ihn persönlich - in Prag waren sie sich begegnet, 1982 spielten sie gemeinsam zur "Bratislavska Lyra". Von Gastspielen kannte er hießiges Bluespublikum.
Mit dem Blues hatte es für eine Reihe von uns jungen Leuten damals, so wie wir halt waren und dachten - darf ich an dieser Stelle so sagen - etwas ganz eigenes auf sich. Lassen Sie mich dazu zunächst ganz kurz etwas von mir selbst erzählen. So komme ich nicht in Verlegenheit, über andere urteilen zu müssen. Viel zu nahe ist die Geschichte noch, als daß man sich heraushalten und über andere von oben herab dozieren dürfte.
Als ich mein Studium begann, sollte jeder sofort sehen, wer und wie ich bin: Hier kommt einer daher, der sein Leben spätestens ab jetzt selbst in seine Hände nimmt und absolut keine Lust hat, irgendwo im Gleichschritt zu laufen! (Übrigens: Lehrerstudium war ein guter Weg, um an der Wehrpflicht vorbei zu kommen) Völlig "unsozialistisch" mit Hebammenkoffer - gefunden in der Bodenkammer der Nachbarin, Jesuslatschen, Jeans, unbedingt und aus Überzeugung (leider waren keine "echten" - 501 mit Knöpfen vorne - im "Westpaket", dafür aber wieder jede Menge Knorr-Tütensuppen). Plenzdorfs Edgar Wibeaus sprach es aus: "Jeans sind keine Hosen, sie sind eine Weltanschauung!". Später hatte ich sehen müssen, daß ein Fünfzigjähriger so etwas trug, damals unfaßbar für mich. Heutzutage hab' auch ich die noch immer an. Parka, auch "Studentenkutte" genannt, hätte ich haben können... aber viel zu uniform für mich, hatten einfach zu viele am Leib, also Umhang aus der Mottenkiste, seinerzeit noch nicht so üblich wie heute. Und der Studentenalltag ging bisweilen auch erst richtig nach der letzten Vorlesung los. Wir alle konnten uns das leisten, bei einer Mark pro halbem Liter und zehn Mark Internatsmiete im Monat.
Das alles war Ende der 60er Jahre noch längst kein Grund zur Exmatrikulation, aber spüren konnte ich schon, daß man von verschiedenen Seiten meinte, an mir herumerziehen zu müssen. Nur meine Frau, noch "in spe" und FDJ-Sekretärin, versuchte es gar nicht erst. Vielleicht auch ein Grund, warum wir nun über 40 Jahre zusammen sind. Man gab uns maximal drei Jahre, keiner ahnte, wie gleich wir letztlich waren: wir rebellierten gemeinsam ziemlich kämpferisch gegen Bestehendes an der Uni. Ja, sogar mit Erfolg ("Blutige Erdbeeren" ist stimmungsmäßig noch heute unser beider Lieblingsfilm). Vielleicht habe ich aber auch nur nicht mitbekommen, was ihr über die lange Zeit alles erzieherisch doch noch gelang oder sie bis heute verzweifeln läßt.
Jeder hat unterschiedliche Onkel und Väter. Noch als Schüler bekam ich vom Onkel den Jazz von einem Festival auf einer polnischen Schallplatte. Später machte ich mir meine "Kopfkonzerte" (Augen zu und einfach hören) u. a. mit Albert Mangelsdorf. Die intensivere Beschäftigung mit dem Jazz, woher er kam, brachte mich zum Blues. Die Inhalte der Lieder wurden mir wichtig und paßten zu meiner Lebenseinstellung und zum Blick, mit dem ich die Welt aus meinem Gerechtigkeitsverständnis heraus in meinem Denken sah. Die Musik trug mein Empfinden. Eine Stefan Diestelmann-Platte war selbstverständlich dabei. Nahezu alle Musik, die ich auch heute höre, trägt immer ein Stück weit Blues. Was "Kantiges" oder Eigenes hatten junge Bluesverrückte damals tatsächlich an sich und "kultig" war uns Blues schon auch.
Es gab noch andere Wege dieser Zeit in der DDR, zum Blues zu finden als meinen eher intellektuellen Zugang. Dazu muß man wissen, daß sich hierzulande zur Musik generell eine besondere Fankultur der Jugend entwickelte. Durchaus ebenso intensiv wie heutige sog. "Ultras" beim Fußball, denen es miteinander nicht allein um das Spiel mit dem Ball geht.
Dieses unter der Jugend verbreitete "yea yea yea und wie das alles heißt..." (Ulbricht) der 60er war mit dem, was ihm mit Rock, der Bluesszene und "Flower Power" folgte, letztlich nirgendwo auf der Welt mehr aufzuhalten. Bekanntlich trug das dann in den USA sogar ziemlich unmittelbar dazu bei, den Vietnamkrieg zu beenden.
Nahezu überall in der DDR haben junge Leute zur Beat Ära begonnen, selbst die Musik ihrer Idole nachzuspielen - auch ich mit Schulfreunden. So einige Amateurbands traten an Wochenenden in Kulturhäusern der Kleinstädte und Dorfkneipen auf, einzelne schafften es später als Profis bis in den Mainstream. Natürlich fand an den Wochenenden nicht in allen Dörfern und Kleinstädten des Umlandes gleichzeitig "Tanzveranstaltungen" mit jener Musik statt, die man täglich im Radio hörte. Insbesondere über die Woche arbeitende Jugendliche reisten ihnen nahezu jedes Wochenende nach. Man kannte sich, war unter sich, eine eigene Fangemeinde. Von nicht wenigen wurde das schließlich auch in bewußter Abgrenzung zu den FDJ-organisierten "Jugend- und Studentenklubs" betrieben, die sich ausbreiteten. Man kann das allerdings nicht so ohne weiteres und von vornherein als politisch motiviert sehen, wenn man weiß, daß die staatliche Kontrolle in den "Klubs" durchaus nicht so restriktiv war, wie man vermuten mag. Aber, sie hatten ihre eigenen sog. Ordnungsgruppen, die sicherstellen wollten, daß ihre selbst entworfene und gestaltete Freizeit unangetastet blieb. Die Wochenendreisen trugen so auch ein Stück weit bewußter Nonkonformität Jugendlicher untereinander in sich.
Über Coverversionen einiger Rocklegenden der Woodstock Ära, mit denen sie auf die "schwarze Musik" als Quelle ihres Rock aufmerksam machten, kam der Blues in die Musikwochenenden und europäische Ausdrucksformen der Hippie- und Rockkultur der späten 60er in den Fanalltag. Manche blieben musikalisch beim Stil der Covervarianten. Eine ganze Reihe beschäftigte sich intensiv mit den Originalen und widmete sich ganz dem ursprünglichen Blues. Sie alle fanden ihre Fans, die mit ihnen Wochenende für Wochenende gemeinsam ihre Musik und eine ziemlich eigene Lebensweise zelebrierten. Die "Tramper", "Blueser" oder "Kunden", wie sie sich selbst nannten, wurden zu einem ähnlich DDR-typischen Phänomen, wie es jene Badestrände waren, die kaum Platz für Textilien ließen.
Der Songtext von "Bye, Bye Lübben City" (der Band "Monokel") kommt durchaus einer Hymne nahe und lieferte auch die Rechtfertigung für ihren speziellen Nonkonformismus:
"Und Montag sieht er immer etwas müde aus.
Er hat die Kilometer noch in den Knochen
Und die Andern kommen aus dem Fernsehhaus"
Der Parka wurde neben anderen "unverzichtbaren" Utensilien, Bart und langen Haaren zur identitätsstiftenden "Uniform" und äußerem Zeichen ihres Lebensgefühls. Manche lebten ihr Wochenende durchaus auch ziemlich exzessiv und ihr Nonkonformismus sah dann nach eher auf sich selbst zentriert aus.
Als man das "American Folk Blues Festival" immer öfter in die DDR holte (erstmals 1964), nahm die Hinwendung zum Blues unter der Jugend insgesamt fast schon "mainstreammäßig" zu. Daran hatte auch das "Tanz- und Folklorefestival Rudolstadt" seinen Anteil. Ihren Höhepunkt fand die Bluesbegeisterung in den 80er Jahren.
Zum Ganzen gehört allerdings auch: Im Verständnis der Staatsorgane bedeutete das "sub" im Begriff "Subkultur" schon immer und vor allem "subversiv", insbersondere, wenn es die Jugend betraf. Die Jugend "zu verlieren", bedeutete Ihnen den größten Einfluß- und Machtverlust. Neben der oben gezeigten "kulturpolitischen Eiszeit" bekamen nicht wenige eine sehr restriktive innenpolitische Machtpräsenz zu spüren. In der Folge gab die Kirche jungen Leuten Raum, u. a. mit sog. "Bluesmessen". Niemanden wird es also wundern, daß in dieser Auseinandersetzung dann bald auf immer mehr Parkas, Kutten der Studenten und anderer, symbolische Aufnäher "Schwerter zu Pflugscharen" auftauchten. Eine lebendige Form des Pazifismus im Kontext der Raketenstationierung und der aktiven Opposition hierzulande. Das noch genauer zu beleuchten, möge anderen an anderer Stelle vorbehalten sein.
Aber festzuhalten bleibt allemal: Musik der Jugend und auf seine ganz eigene Weise der Blues waren hierzulande keineswegs bloße Nebengeräusche der hohen Wellen dieser Zeit. Blues wurde selbst zu einer der bewegenden Wellen - wie die Kunst in der DDR generell, lange bevor montags viele auf die Strassen gingen.
Wer also in der DDR den Blues selbst spielte, lebte und erlebte eine allemal "verrückte Zeit" auf sehr intensive Weise mit seinem Publikum gemeinsam. Ich bin mir ziemlich sicher, wenn Kowa beim Spiel manche Zeiterinnerungen kommen, wird seine Stimme noch kräftiger und sein Gitarrenspiel noch intensiver.
Lutz Kowa Kowalewski, Bernd Kleinow, Tim Cross - "Shake your moneymaker"
Lutz Kowalewski and Peter Schmidt - "I Need Some Easy Money"
Mongrel Blues Band - Blues Festival Dresden
Anthony Geraci *06.08.
Der Keyboarder forderte bereits im Alter von vier Jahren ein Piano. Sein Wunsch war den Eltern Befehl und der Junge konnte seine Leidenschaft somit rasch entwickeln. Mit einem Freund vertrieb er sich die Zeit unter anderem damit, Bluesplatten zu hören. Nach Aussage des Künstlers war es das Album "Chicago Bound" von Jimmy Rogers, das ihn im Alter von sechzehn Jahren ganz besonders beeindruckte. Fünf Jahre später war er mit dem Vorbild auf Tournee. Später sollte Geraci als Sessionmusiker mit Kollegen zusammenspielen, die locker zu den Who's who of the blues zählen, unter anderem Muddy Waters, Big Joe Turner, J.B. Hutto, Big Walter Horton, Otis Rush oder Big Mama Thornton.
Ferner gehört der Musiker zu den Gründungsmitgliedern zweier bedeutender Formationen der Bluesgeschichte, nämlich zu Ronnie Earl And The Broadcasters und Sugar Ray And The Bluetones. Des Keyboarders Stil bezieht seine Quellen unter anderem von vielen Musikern des Boogie Woogie und des Chicago Blues. Letztlich bezeichnet er seinen Stil selbst als 'Anthony Blues Stew.' Für Anthony Geraci And The Boston Blues All-Stars stellt "Fifty Shades Of Blue" sein Debüt, auf dem Label Delta Groove Music, dar. Alle Musiker spielen bereits lange zusammen, und genau das spürt und hört man aufgrund dieser dichten Einheit im Ausdruck auch.
If you were to think of any modern Blues Legend chances are that Anthony Geraci has backed them up-B.B. King, Otis Rush, Big Mama Thorton, Chuck Berry, Big Walter Horton and countless others have had Anthony’s fiery piano accompanying them. Sugar Ray and the Bluetones latest release Living Tear To Tear (penned by Anthony) has received Seven Nominations from the Blues Music Awards-Blues Foundation including: Band of the Year, Album of the Year, Traditional Album of the Year, Song of the Year for "Things Could Be Worse (Norcia), Harmonic and bass player of the Year, Male Blues Vocalist of the Year. Anthony has been nominated for two 2008 W.C. Handy and the Blues Foundation awards for best Blues Album My Life, My Friends, My Music; (Severn Records) and for Song of the Year "The Last Words of a Fool" with Sugar Ray and the Bluetones. Anthony was also nominated for a Grammy in 2000 for his work on Super Harps I (Telarc Records) that also features James Cotton, Charlie Musselwhite, Billy Branch, and Sugar Ray Norcia. In 2012 Sugar Ray and the Bluetones were nominated for Five Blues Awards from the Blues Foundation in Memphis, TN for their previous recording Evening on Severn Records. Nominations include: Band of the Year, Album of the Year, Traditional Album of the Year, Sugar Ray Norcia, instrumentalist of the Year-Harmonica; Mudcat Ward, Instrumentalist of the Year-bass. You can also hear Anthony on Ronnie Earl’s first two releases on the Black Top record label; They Call Me Mr. Earl, and Smokin’. Anthony’s first all Jazz CD Serendipity (HugaDog Records-2011) is currently available from ITunes, CDBaby.com, and Amazon.com.
Anthony is an original member of Sugar Ray and the Bluetones, and Ronnie Earl and the Broadcasters. He also was the leader of his own band “Little Anthony and the Loco-Motives” that toured extensively in the Northeast United States and Canada, where they played at the Montreal Jazz Festival, and many Labatt Blues Festivals throughout Quebec. Their two records on the Deluge Label Can’t Take It, and Don’t Wait on Me, both received rave reviews.
Anthony has toured extensively in Europe, Australia, New Zealand, Canada, South America, Lebanon, and the United States, playing such premiere Festivals as The Montreux Jazz Festival (Switzerland), Zouk Mikael Festival (Beirut, Lebanon,) The North Sea Jazz Festival (The Netherlands,) Rome (Italy) Olympic Stadium Blues Festival, Free Jazz (Rio De Janeiro and Sao Paulo, Brazil,) The Peer Rhythm and Blues Festival (Belgium,) The Newport Rhythm and Blues Festival (Newport, Rhode Island) and many more. Anthony was also an original member of the first House of Blues (Cambridge, MA.) Blue Monday All-Star Band and occasional “Blues Brother” member with Dan Aykroyd, John Goodman, and James Belushi.
From an Interview in Blues.GR
By Michael Limnios
" Blues is honest music and people the world over desire honesty in their lives and the music they listen to."
If you were to think of any modern Blues Legend chances are that Anthony Geraci has backed them up. Muddy Waters, B.B. King, Otis Rush, Big Mama Thorton, Chuck Berry and countless others have had Anthony's fiery piano accompanying them. Anthony has been nominated for two 2008 W.C. Handy and the Blues Foundation awards for best Blues Album My Life, My Friends, My Music; and for Song of the Year (The Last Words of a Fool) with Sugar Ray and the Bluetones.
Anthony was also nominated for a Grammy in 2000 for his work on Super Harps I that also features James Cotton, Charlie Musselwhite, Billy Branch, and Sugar Ray Norcia. Most recently, Sugar Ray and the Bluetones have been nominated for Five 2012 Blues Awards from the Blues Foundation in Memphis, TN for their most recent recording Evening on Severn Records. Anthony is an original member of Sugar Ray and the Bluetones, and Ronnie Earl and the Broadcasters. He also was the leader of his own band "Little Anthony and the Loco-Motives".
Anthony has toured extensively in Europe, Australia, New Zealand, Canada, South America, Lebanon, and the United States, playing such premiere Festivals. Anthony was also an original member of the first House of Blues (Cambridge, MA.) Blue Monday All-Star Band and occasional "Blues Brother" member with Dan Aykroyd, John Goodman, and James Belushi.
Anthony has had the honor to back up the following great musicians: Jimmy Rodgers, Big Walter Horton, Hubert Sumlin, Big Joe Turner, Wilson Pickett, Bo Diddley, Billy Boy Arnold, Eddie Taylor, Jimmy "T 99" Nelson, Snooky Pryor, Lazy Lester, J.B. Hutto, Junior Wells, Buddy Guy, Carey Bell, Brownie McGhee, Memphis Slim, Dickie Betts, Van Morrison, Jeff Healey, Matt "Guitar" Murphy, Luther "Guitar Jr." Johnson, Bob Margolin, Mark Naftalin, Willie "Big Eyes" Smith, Eddie Shaw, and many more.
What do you learn about yourself from the blues, what does the blues mean to you?
Blues means honesty. Whether you are a professional musician, or a fan you know instantly if the music (blues) is being played with feeling and respect for the history of the blues.
How do you describe Anthony Geraci sound and progress, what characterize your music philosophy?
I have been playing piano since I was four years old. I don’t know anything else! I have studied classical music; have a degree from the Berklee College of Music, and a Masters Degree in Music from Skidmore College. But when I first heard the blues when I was around sixteen it changed my life. Here was a style of music so simple and yet so complex at the same time that I knew I wanted to devout my musical energy to playing and learning as much as I could in my lifetime.
From whom have you have learned the most secrets about the blues music?
I have been fortunate in my career to perform with and became friends with many of the originators of this idiom. I’ve played piano behind Muddy Waters, BB King, Big Walter Horton, Big Mama Thorton, Jimmy Rodgers, Chuck Berry, Otis Rush and many more great elder statesmen of the Blues. I also have played with the current generation of blues artists: Ronnie Earl, Kim Wilson, Duke Robbilard, Sugar Ray Norcia, Zora Young and others as well.
Which was the best moment of your career and which was the worst?
The first time Muddy Waters invited me up to play with him and the Muddy Waters Band was the best. The worst deals with how hard it is to be a professional musician on a daily basis. You have to practice. Get gigs; get to gigs, recordings, and none of that guarantees success.
What is the “feel” you miss most nowadays from the Blues of past?
I think volume and the use of more electronic instruments takes away from the real feel of the blues. When I first started to see blues performers in the 1960’s such as Muddy Waters, my friend Pinetop Perkins would use a real (acoustic) piano. I know when I play with Sugar Ray and the Bluetones that we are a different sounding band when I play an acoustic piano as compared to an electric piano.
How has the music business changed over the years since you first started in music?
Once again I will bring electronics into the conversation. These days you can make a pretty good recording in your house as opposed to going into a real recording studio. But that takes away from the real great sound you get from a good studio-it dilutes the sound and takes away from the art of recordings of the past. I still listen to 78-rpm records and you can hear every instrument clear as a bell. I also think Blues music for better or worse have a lot of different sub genres. You have everyone from Joe Bonnamassa playing blues/rock, to the acoustic (and sometimes electric) sound of John Hammond Jr.
What advice would you give to aspiring musicians thinking of pursuing a career in the craft?
Practice a lot, and not only learn your instrument great-learn the history of the music as well.
Are there any memories from recording times, which you’d like to share with us?
When I was recording Super Harps II (Telarc Records) with Snooky Pryor (who turned 80 the day of our session) he came into the studio in a suit and sat down very majestically. And I could sense he was thinking “what these young white guys doing here” but after the first take of “Keyhole In My Door” he had the biggest genuine smile I have ever seen and the rest of the recording went great.
Tell me a few things about your meet with Sugar Ray and Ronnie Earl, which memory from makes you smile?
After opening up for the Muddy Waters band for a whole week in Boston around 1974, I got to meet everyone in the Blues scene there. I stared playing with Jerry Portnoy, and Bob Margolin when they weren’t on the road with Muddy. Mudcat Ward heard me and he and Ronnie Earl were thinking of starting a band. They got a hold of me and we started to do gigs around Boston and Providence, Rhode Island with drummer Neil Gouvin and a different singer/harmonica player. Neil brought Sugar Ray to one of our first gigs-he sat in-the other guy was out-and the rest is History!
You have played with many bluesmen, which are mentioned to be a legend. It must be hard, but which meets have been the biggest experiences for you?
Every one of these artists is unique. Playing with Otis Rush is very different then playing with Chuck Berry. You have to be prepared and confident you can do the job.
What is the best advice a bluesman ever gave you?
Play with soul.
Do you know why the sound of piano is connected to the blues? What are the secrets of blues piano?
No secrets or magic wands. You just have to practice, do a great deal of listening and hopefully find people you really enjoy making music with as I have with Sugar Ray and the Bluetones. We’ve been playing together for almost 40 years.
What the difference and similarity between the BLUES, JAZZ, and ROCK feeling?
There are to many similarities and differences to really list-I could write a book about them!
What experiences in life make a GOOD BLUESMAN/ JAZZMAN?
Obviously the new generation of Blues Musicians didn’t grow up on a plantation, or pick cotton. But that doesn’t mean we haven’t had our own experiences that add to our own personal Blues stories.
What’s the best jam you ever played in? What are some of the most memorable gigs you've had?
One of the best jams I was involved in was after playing the Montreux Jazz Festival with BB King, Jeff Healey and Ronnie Earl, Jeff Healey and I went to about a half dozen different jam sessions and had a blast. Jeff was a great guy and unbelievable musician. Every gig is memorable.
Some music styles can be fads but the blues is always with us. Why do think that is? Give one wish for the BLUES.
As I said in the beginning-blues is honest music and people the world over desire honesty in their lives and the music they listen to. My wish is that people not only enjoy the new talented blues musicians, but also go back and check out the roots of this great music.
How do you describe your contact to people when you are on stage and what compliment do you appreciate the most after a gig?
I always love talking and hanging out with people after a gig. I’ve been invited back to people’s houses for food and drink, which I feel is the best compliment I can receive.
Which things do you prefer to do in your free time? What is your MUSIC DREAM? Happiness is……
I love to garden and cook-I grow some pretty mean hot peppers! Happiness is being able to make great music with the Bluetones, and then coming home to my family and be “normal.”
You have been traveling all around the world in Europe, Oceania, South America, Lebanon, and US. What are your conclusions about the local blues scenes and Blues world?
I think Blues has a very bright future. Many of our heroes have recently passed to that big Blues Band in the Sky, but there are many of us holding onto and sharing a very rich tradition of music that I hope all people will enjoy. Music is a universal language for peace and hope-everywhere I travel there are great Blues musicians, and people who really dig the music. But its up to people worldwide to support live music, no matter what kind of music. If people don’t show up we have no gig. Go see your local artists, appreciate their hard work and if I come to your town please say hello
Anthony Geraci and the Boston Blues All-Stars Live @ The Bull Run 10/2/15
Anthony Geraci and the Boston Blues All-Stars Live @ The Bull Run
10/2/15
"Blues for David Maxwell" with Anthony Geraci, "Monster" Mike Welch, Michael Mudcat Ward and Marty Richards
Fantastic Night of Blues at The Bull Run Restaurant for Anthony Geraci's CD Release Party : )!
"Fifty Shades of Blue" on Delta Groove Music
10/2/15
"Blues for David Maxwell" with Anthony Geraci, "Monster" Mike Welch, Michael Mudcat Ward and Marty Richards
Fantastic Night of Blues at The Bull Run Restaurant for Anthony Geraci's CD Release Party : )!
"Fifty Shades of Blue" on Delta Groove Music
Anthony Geraci - Fifty Shades of Blue (Album Teaser)
"50 Shades of Blue" - Anthony Geraci and The Boston Blues All-Stars
R.I.P.
Larry Adler +06.08.2001
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Lawrence Cecil „Larry“ Adler (* 10. Februar 1914 in Baltimore, Maryland; † 7. August 2001 in London) war ein US-amerikanischer Mundharmonikaspieler und Autor.
Bereits seit den 1920ern wurde Adler für seine Virtuosität auf der Mundharmonika ausgezeichnet. Er spielte in den 1930ern Kompositionen von Gershwin ein, arbeitete mit Django Reinhardt und dessen Quintette du Hot Club de France, mit John Kirbys Sextett sowie Tanz- und Showorchestern zusammen. In den 1930er Jahren war er als Schauspieler in einigen Filmen zu sehen, 1944 folgte eine weitere Rolle in Musik für Millionen. 1948 absolvierte er einen Auftritt als er selbst in Drei kleine Biester.
Für die Mitarbeit an dem Soundtrack für den Film Die feurige Isabella erhielt er 1955 eine Oscar-Nominierung, obgleich sein Name wegen des McCarthyismus nicht auf dem Filmabspann auftauchte. Später verfasste er für Harper’s Queen eine Lebensmittel-Kolumne. Seine Autobiographie, die nach der Komposition It Ain’t Necessarily So von Gershwin betitelt ist, erschien 1985.
Durch seine Mitarbeit an der CD The Glory of Gershwin, die bis auf Platz zwei der britischen Albumcharts stieg, erhielt er Anfang der 1990er Jahre einen Eintrag in das Guinness-Buch der Rekorde als ältester Musiker, der die Top Ten erreichte. Die ausgekoppelte Single The Man I Love von Kate Bush mit Larry Adler erreichte Platz 27 der britischen Hitparade.[1]
Einer seiner letzten Arbeiten war die Zusammenarbeit mit Frank Sinatra, der ihn 1994 für sein 2. Album Duets engagierte, für das Lied "For Once in my Life", wo er zu Anfang des Liedes nochmal seine Mundharmonika-Kunst zum Besten gab.
Larry Adler starb am 7. August 2001 in London im Alter von 87 Jahren.
http://de.wikipedia.org/wiki/Larry_Adler
Lawrence "Larry" Cecil Adler (February 10, 1914[1] – August 6, 2001) was an American musician, one of the world's most skilled harmonica players. Ralph Vaughan Williams, Malcolm Arnold, Darius Milhaud and Arthur Benjamin composed for him. During his later career he collaborated with Sting, Elton John, Kate Bush and Cerys Matthews.
Early life
Adler was born in Baltimore, Maryland, to Sadie Hack and Louis Adler. They were a Jewish family. He graduated from Baltimore City College high school.[2] He taught himself harmonica, which he called a mouth-organ.[3] He played professionally at 14. In 1927, he won a contest sponsored by the Baltimore Sun, playing a Beethoven minuet, and a year later he ran away from home to New York. After being referred by Rudy Vallée, Adler got his first theatre work, and caught the attention of orchestra leader Paul Ash, who placed Adler in a vaudeville act as "a ragged urchin, playing for pennies".[4]
Career
From there, he was hired by Florenz Ziegfeld and then by Lew Leslie again as an urchin. He broke the typecasting and appeared in a dinner jacket in the 1934 Paramount film Many Happy Returns, and was hired by theatrical producer C. B. Cochran to perform in London. He became a star in the United Kingdom and the Empire, where, it has been written, harmonica sales increased 20-fold and 300,000 people joined fan clubs.".[4]
Adler was one of the first harmonica players to perform major works written for the instrument, often written for him: these include Jean Berger's Concerto for Harmonica and Orchestra "Caribbean" (1941), Cyril Scott's Serenade (harmonica and piano, 1936), Vaughan Williams' Romance in D-flat for harmonica, piano and string orchestra; premiered New York, 1952,[5] Milhaud's Suite Anglais (Paris, May 28, 1947), Arthur Benjamin's Harmonica Concerto (1953), and Malcolm Arnold's Harmonica Concerto, Op. 46 (1954, written for The Proms). He recorded all except the Scott Serenade, some more than once. Earlier, Adler had performed transcriptions of pieces for other instruments, such as violin concertos by Bach and Vivaldi - he played his arrangement of Vivaldi's Violin Concerto in A minor with the Sydney Symphony. Other works he played in harmonica arrangements were by Bartók, Beethoven (Minuet in G), Debussy, Falla, Gershwin (Rhapsody in Blue), Mozart (slow movement from the Oboe Quartet, K. 470), Poulenc, Ravel (Boléro), Stravinsky and Walton.
During the 1940s, Adler and the dancer, Paul Draper, formed an act and toured nationally and internationally, performing individually then together in each performance. One popular number was Gershwin's I Got Rhythm. After the blacklisting and an unsuccessful libel suit decided in 1950, he moved to the United Kingdom in 1951 and settled in London,[6][7] where he remained the rest of his life. Another source indicates he stayed in London from 1949.[3]
The 1953 film Genevieve brought him an Oscar nomination for his work on the soundtrack, and great wealth.[3] His name was originally kept off the credits in the United States due to blacklisting. He scored a hit with the theme song of the French Jacques Becker movie Touchez pas au grisbi with Jean Gabin, written by Jean Wiener.
In 1959, a reviewer from the Village Voice called Adler "a great artist" after watching his twice-nightly performances at the Village Gate.[8]
In 1994 for his 80th birthday Adler and George Martin, produced an album of George Gershwin songs, The Glory of Gershwin, on which they performed "Rhapsody in Blue." The Glory of Gershwin reached number 2 in the UK albums chart in 1994.[9] Adler was a musician and showman. Concerts to support The Glory of Gershwin showed he was a competent pianist. He opened each performance with Gershwin's "Summertime", playing piano and harmonica simultaneously. The album included Peter Gabriel, Oleta Adams, Elton John, Sting, Jon Bon Jovi and Richie Sambora, Meat Loaf, Sinéad O'Connor, Robert Palmer, Cher, Kate Bush, Elvis Costello, Courtney Pine, Issy Van Randwyck, Lisa Stansfield and Carly Simon, all of whom sang Gershwin tunes with an orchestra and Adler adding harmonica solos.
Film, writing and war-time radio
Adler appeared in five movies, including Sidewalks of London (1938), in which he played a harmonica virtuoso named Constantine. His other film appearances were in Three Daring Daughters (12-Feb-1948) playing himself; Music for Millions (8-Dec-1944) playing Larry; The Singing Marine (3-Jul-1937) playing Larry; and The Big Broadcast of 1937 (6-Oct-1936).[2] He was a prolific letter writer, his correspondence with Private Eye becoming popular in the United Kingdom. Adler wrote an autobiography — entitled It Ain't Necessarily So — in 1985, and was food critic for Harpers & Queen. He appeared on the Jack Benny radio program[10] several times, entertaining disabled soldiers in the USA during World War II. A further biography, Me and My Big Mouth appeared in 1994 but he told The Free-Reed Journal: "That's a lousy book and I don't like it; it's ghosted . ... [It] has a certain amount of factual material but the author completely missed my style and my voice. That's why I hate the book."[5]
Personal life
Adler married Eileen Walser in 1952; they had two daughters and one son. They divorced in 1957. He married Sally Kline in 1959; they had one daughter. They divorced in 1963.[2] At his death, in addition to his children, he had two grandchildren and two great grandchildren. His son Peter Adler fronted the band, Action, and others,[11] in Dublin, Ireland in the late 1960s. Adler was an atheist.[12] His brother, Jerry Adler (1918–2010) was also an harmonica player.
He died in St Thomas' Hospital, London, at 87, on August 7, 2001. He was cremated at Golders Green Crematorium, where his ashes remain.
Early life
Adler was born in Baltimore, Maryland, to Sadie Hack and Louis Adler. They were a Jewish family. He graduated from Baltimore City College high school.[2] He taught himself harmonica, which he called a mouth-organ.[3] He played professionally at 14. In 1927, he won a contest sponsored by the Baltimore Sun, playing a Beethoven minuet, and a year later he ran away from home to New York. After being referred by Rudy Vallée, Adler got his first theatre work, and caught the attention of orchestra leader Paul Ash, who placed Adler in a vaudeville act as "a ragged urchin, playing for pennies".[4]
Career
From there, he was hired by Florenz Ziegfeld and then by Lew Leslie again as an urchin. He broke the typecasting and appeared in a dinner jacket in the 1934 Paramount film Many Happy Returns, and was hired by theatrical producer C. B. Cochran to perform in London. He became a star in the United Kingdom and the Empire, where, it has been written, harmonica sales increased 20-fold and 300,000 people joined fan clubs.".[4]
Adler was one of the first harmonica players to perform major works written for the instrument, often written for him: these include Jean Berger's Concerto for Harmonica and Orchestra "Caribbean" (1941), Cyril Scott's Serenade (harmonica and piano, 1936), Vaughan Williams' Romance in D-flat for harmonica, piano and string orchestra; premiered New York, 1952,[5] Milhaud's Suite Anglais (Paris, May 28, 1947), Arthur Benjamin's Harmonica Concerto (1953), and Malcolm Arnold's Harmonica Concerto, Op. 46 (1954, written for The Proms). He recorded all except the Scott Serenade, some more than once. Earlier, Adler had performed transcriptions of pieces for other instruments, such as violin concertos by Bach and Vivaldi - he played his arrangement of Vivaldi's Violin Concerto in A minor with the Sydney Symphony. Other works he played in harmonica arrangements were by Bartók, Beethoven (Minuet in G), Debussy, Falla, Gershwin (Rhapsody in Blue), Mozart (slow movement from the Oboe Quartet, K. 470), Poulenc, Ravel (Boléro), Stravinsky and Walton.
During the 1940s, Adler and the dancer, Paul Draper, formed an act and toured nationally and internationally, performing individually then together in each performance. One popular number was Gershwin's I Got Rhythm. After the blacklisting and an unsuccessful libel suit decided in 1950, he moved to the United Kingdom in 1951 and settled in London,[6][7] where he remained the rest of his life. Another source indicates he stayed in London from 1949.[3]
The 1953 film Genevieve brought him an Oscar nomination for his work on the soundtrack, and great wealth.[3] His name was originally kept off the credits in the United States due to blacklisting. He scored a hit with the theme song of the French Jacques Becker movie Touchez pas au grisbi with Jean Gabin, written by Jean Wiener.
In 1959, a reviewer from the Village Voice called Adler "a great artist" after watching his twice-nightly performances at the Village Gate.[8]
In 1994 for his 80th birthday Adler and George Martin, produced an album of George Gershwin songs, The Glory of Gershwin, on which they performed "Rhapsody in Blue." The Glory of Gershwin reached number 2 in the UK albums chart in 1994.[9] Adler was a musician and showman. Concerts to support The Glory of Gershwin showed he was a competent pianist. He opened each performance with Gershwin's "Summertime", playing piano and harmonica simultaneously. The album included Peter Gabriel, Oleta Adams, Elton John, Sting, Jon Bon Jovi and Richie Sambora, Meat Loaf, Sinéad O'Connor, Robert Palmer, Cher, Kate Bush, Elvis Costello, Courtney Pine, Issy Van Randwyck, Lisa Stansfield and Carly Simon, all of whom sang Gershwin tunes with an orchestra and Adler adding harmonica solos.
Film, writing and war-time radio
Adler appeared in five movies, including Sidewalks of London (1938), in which he played a harmonica virtuoso named Constantine. His other film appearances were in Three Daring Daughters (12-Feb-1948) playing himself; Music for Millions (8-Dec-1944) playing Larry; The Singing Marine (3-Jul-1937) playing Larry; and The Big Broadcast of 1937 (6-Oct-1936).[2] He was a prolific letter writer, his correspondence with Private Eye becoming popular in the United Kingdom. Adler wrote an autobiography — entitled It Ain't Necessarily So — in 1985, and was food critic for Harpers & Queen. He appeared on the Jack Benny radio program[10] several times, entertaining disabled soldiers in the USA during World War II. A further biography, Me and My Big Mouth appeared in 1994 but he told The Free-Reed Journal: "That's a lousy book and I don't like it; it's ghosted . ... [It] has a certain amount of factual material but the author completely missed my style and my voice. That's why I hate the book."[5]
Personal life
Adler married Eileen Walser in 1952; they had two daughters and one son. They divorced in 1957. He married Sally Kline in 1959; they had one daughter. They divorced in 1963.[2] At his death, in addition to his children, he had two grandchildren and two great grandchildren. His son Peter Adler fronted the band, Action, and others,[11] in Dublin, Ireland in the late 1960s. Adler was an atheist.[12] His brother, Jerry Adler (1918–2010) was also an harmonica player.
He died in St Thomas' Hospital, London, at 87, on August 7, 2001. He was cremated at Golders Green Crematorium, where his ashes remain.
Larry Adler "St Louis Blues" 1935
Memphis Minnie +06.08.1973
Memphis Minnie (* 3. Juni 1897 Algiers, Louisiana; † 8. August 1973 in Memphis, Tennessee; eigentlich Lizzie Douglas) war eine US-amerikanische Bluesmusikerin.
Leben
Kindheit und erste Aufnahmen
Sie wurde als eines von 18 Kindern in Algiers auf der anderen Flussseite von New Orleans geboren. Im Jahre 1904 zog ihre Familie nach Walls nahe Memphis. Ein Jahr später erhielt Minnie, die zu diesem Zeitpunkt noch den Spitznamen Kid Douglas trug, ihre erste Gitarre zu Weihnachten. Mit 20 trat sie mit ihrem Freund Willie Brown in der Umgebung auf. Im Jahre 1929 machte sie zusammen mit Joe McCoy, ihrem damaligen Lebensgefährten, ihre erste Plattenaufnahme. In den nächsten fünf Jahren nahmen sie weitere Platten auf. Dort verwendeten sie als Pseudonym Kansas Joe und Memphis Minnie.
Chicago
1933 zogen beide nach Chicago, wo sie noch einige Stücke zusammen aufnahmen. Da Minnie in dieser Zeit schon öfter alleine Aufnahmen machte und es Joe gleichzeitig gelang, sich immer mehr aus ihrem Schatten zu lösen, kam es 1934 zu ihrer letzten gemeinsamen Aufnahme und zur Trennung. Allmählich begann Minnie sich in Chicago zu etablieren. Sie spielte zusammen mit wechselnden Partnern etliche Stücke ein, bis sie 1939 auf Little Son Joe traf, mit dem sie ab diesem Zeitpunkt zusammenspielte. Er erschien auch auf allen ihren Platten bis zu ihrem Tod als Komponist. Dies ist in der Hinsicht ungewöhnlich, dass er bis zu diesem Zeitpunkt noch nie als Komponist in Erscheinung getreten war und Minnie zuvor ihre Lieder selbst komponiert hatte.
In dieser Zeit waren Minnie und Son Joe regelmäßig zu Gast im 708 Club in der East 47th Street in Chicago. Bekannt aus dieser Zeit sind auch ihre Monday Partys in der Gatewood's Taverne, wo sie unbekannten Kollegen eine Möglichkeit zum Auftreten gab. Auch nahm sie, wenn ein in ihren Augen ebenbürtiger Musiker auftrat, an Talentwettbewerben teil, welche sie auch mit schöner Regelmäßigkeit gewann. Es ist bekannt, dass sie einmal Muddy Waters für ein Glas Whisky herausforderte.
Rückkehr nach Memphis und Karriererückzug
In den 1940er Jahren pendelte sie zwischen Chicago und Memphis ständig hin und her, wohnte aber auch kurz einmal in Indianapolis und Maryland. 1953 machte dann Minnie ihre letzte kommerzielle Aufnahme für J.O.B. Records mit dem Pianisten Little Brother Montgomery, trat aber noch bis 1955 regelmäßig auf. 1958 kehrte sie mit Son Joe zusammen nach Memphis zurück. Dort trat sie noch des Öfteren auf und gab zudem Starthilfe für so manchen jüngeren Kollegen, dem sie nützliche Tipps gab. Zu diesem Zeitpunkt ging es ihr finanziell schon so schlecht, dass sie von Sozialhilfe leben musste. 1960 erlitt sie einen Schlaganfall, war ab diesem Zeitpunkt auf einen Rollstuhl angewiesen und musste schließlich in ein Pflegeheim. Auch dort bekam sie noch regelmäßig Besuch von ihren Fans. Son Joe starb 1961.
Memphis Minnie starb am 6. August 1973.
http://de.wikipedia.org/wiki/Memphis_Minnie
Lizzie Douglas (June 3, 1897 – August 6, 1973), known as Memphis Minnie, was a blues guitarist, vocalist, and songwriter whose recording career lasted from the 1920s to the 1950s. She recorded around 200 songs, some of the best known being "Bumble Bee", "Nothing in Rambling", and "Me and My Chauffeur Blues". Her performances and songwriting made her well known in a genre dominated mostly by men.
Early life
Lizzie Douglas was born on June 3, 1897 in Algiers, Louisiana.[1] She was the eldest of 13 siblings. Her parents Abe and Gertrude Douglas nicknamed her "Kid" during her early childhood. Her family called her "Kid" throughout her childhood because she never liked the name "Lizzie",[2] and when she first began performing she played under the name Kid Douglas.
When she was 7 she and her family moved to Walls, Mississippi, a town a little to the South of Memphis. The following year she received her first guitar for Christmas, and learned to play banjo by the age of 10 and guitar by the age of 11, when she started playing local parties.[1] The family later moved to Brunswick, Tennessee, but after Minnie's mother died in 1922 her father moved back to Walls, where he died thirteen years later in 1935.[3]
Career
In 1910, at the age of 13, she ran away from her home to live on Beale Street in Memphis, Tennessee. She played on street corners for most of her teenage years, although she would periodically return to her family's farm when she ran out of money.[4] Her sidewalk performances led to a four-year tour of the South with the Ringling Brothers Circus from 1916 to 1920.[5] Eventually she came back to Beale Street and got involved in the blues scene. At the time, women, whiskey, and cocaine were high in demand with the people and places she would be around. She made her money by playing guitar, singing, and prostitution, which was not uncommon at the time, since many female performers also worked as prostitutes because of financial desperation.[6]
In 1929 she and Kansas Joe McCoy, her second husband, began to perform together. They were discovered by a talent scout of Columbia Records in front of a barber shop where they were playing for dimes.[7] When she and McCoy went to record in New York, they were given the names Kansas Joe and Memphis Minnie by a Columbia A&R man.[8] During the next few years she and McCoy released a series of records, performing as a duet. In February 1930 they recorded the song "Bumble Bee," which they had already recorded for Columbia but which had not yet been released, for the Vocalion label. This became one of Minnie's most popular songs, and she eventually recorded five versions of it.[9] Minnie and McCoy continued to record for Vocalion until August 1934, when they recorded a few sessions for Decca, with their last session together being for Decca in September.[10] They divorced in 1935.[1]
A famous anecdote from Big Bill Broonzy's autobiography Big Bill Blues recounts a cutting contest between Minnie and Broonzy. It took place in a Chicago Nightclub on June 26, 1933, for the prize of a bottle of whiskey and a bottle of gin. Each singer was to sing two songs, and after Broonzy sang "Just a Dream" and "Make My Getaway," Minnie won the prize with "Me and my Chauffeur Blues" and "Looking the World Over".[11] Paul and Beth Garon, in their book Woman with Guitar: Memphis Minnie's Blues, suggest that Broonzy's account may have combined various contests at different dates, as these songs of Minnie's date from the 1940s rather than the 1930s.[12]
By 1935 Minnie was established in Chicago, and had become one of the group of musicians who worked regularly for record producer and talent scout Lester Melrose.[13] Back on her own after a divorce from Kansas Joe, Minnie began to experiment with different styles and sounds. She recorded four sides for the Bluebird label in July 1935, then in August of that year she returned to the Vocalion label, and then in October of the same year recorded another session for Bluebird, this time accompanied by Casey Bill Weldon. By the end of the 1930s, in addition to her output for Vocalion, Minnie had recorded nearly 20 sides for Decca Records and eight sides for Bluebird Records.[10] During the 1930s Minnie also toured extensively, mainly in the South.[13]
In 1938 Minnie returned to recording for the Vocalion label, this time accompanied by Charlie McCoy, Kansas Joe's brother, on mandolin.[10] Around this time she married guitarist and singer Ernest Lawlars (a.k.a. Little Son Joe) and began recording material with him in 1939, with Son's playing adding a more rhythmic backing to Minnies's guitar.[13] Minnie and Little Son Joe also began to release material on Okeh Records in the 1940s, and the couple continued to record together throughout the decade. By 1941 Minnie had started playing electric guitar,[14] and in May of that year she recorded her biggest hit, "Me And My Chauffeur Blues." A follow-up date produced two more blues standards, "Looking The World Over" and Joe's "Black Rat Swing" (issued as by "Mr. Memphis Minnie"). At the dawn of the 1940s Minnie and Joe continued to work at their "home club," Chicago's popular 708 club where they were often joined by Big Bill, Sunnyland Slim, or Snooky Pryor. They also played at many of the other better known Chicago nightclubs. During the 1940s Minnie and Son Joe performed both together and on separate gigs in the Chicago and Indiana areas.[15] Minnie often played at "Blue Monday" parties at Ruby Lee Gatewood's on Lake Street.[16] The poet Langston Hughes, who saw Minnie perform at the 230 club on New Year's Eve 1942, wrote of her "hard and strong voice" being made harder and stronger by amplification, and described the sound of her electric guitar as "a musical version of electric welders plus a rolling mill."[17]
Later in the 1940s Minnie lived in Indianapolis, Indiana and Detroit, Michigan, returning to Chicago in the early 1950s.[18] By the late 1940s, clubs began hiring younger and cheaper artists to play shows at their venues and Columbia began dropping Blues artists including Memphis Minnie. Unable to adapt to changings tastes, Minnie moved on to smaller labels such as Regal, Checker, and J.O.B.[19]
Later life and death
Minnie continued to record into the 1950s, but her health began to become a problem for her. With public interest in her music declining, she retired from her musical career and in 1957 she and Lawlars returned to Memphis.[20] Periodically, she would appear on Memphis radio stations to encourage young blues musicians. In 1958 she played at a memorial concert for Big Bill Broonzy.[21] As the Garons wrote in Women With Guitar, 'She never laid her guitar down, until she could literally no longer pick it up.' She suffered a stroke in 1960, which caused her to be wheelchair-bound. The following year her husband, Earnest “Little Son Joe” Lawlars died, and Minnie had another stroke a short while after. She could no longer survive on her social security income so magazines wrote about her and readers sent her money for assistance.[citation needed] She spent her last years in the Jell Nursing Home in Memphis where she died of a further stroke in 1973.[22] She is buried at the New Hope Baptist Church Cemetery in Walls, DeSoto County, Mississippi.[1] A headstone paid for by Bonnie Raitt was erected by the Mount Zion Memorial Fund on 13 October 1996 with 34 family members in attendance including her sister Daisy. The ceremony was taped for broadcast by the BBC.[23] Her headstone is marked:
Lizzie "Kid" Douglas Lawlers
aka Memphis Minnie
The inscription on the back of her gravestone reads:
"The hundreds of sides Minnie recorded are the perfect material to teach us about the blues. For the blues are at once general, and particular, speaking for millions, but in a highly singular, individual voice. Listening to Minnie's songs we hear her fantasies, her dreams, her desires, but we will hear them as if they were our own."[24]
Character and personal life
Minnie was known for being a polished professional, and an independent woman who knew how to take care of herself.[4] Although she portrayed herself to the public as being feminine and “ladylike” by wearing expensive dresses and jewelry, she was aggressive when she needed to be and was not shy when it came to fighting.[25] According to bluesman Johnny Shines, "Any men fool with her she'd go for them right away. She didn't take no foolishness off them. Guitar, pocket knife, pistol, anything she get her hand on she'd use it".[4] According to Homesick James she chewed tobacco all the time including whenever she sang or played her guitar, and always had a cup at hand in case she wanted to spit.[26] Most of the music she made was autobiographical; Minnie expressed a lot of her personal life through her music.[citation needed]
Minnie was married three times.[1] Although no evidence has been found of any marriage certificates,[27] her first husband is usually said to have been Will Weldon whom she married in the early 1920s. Her second husband was guitarist and mandolin player Joe McCoy (aka Kansas Joe McCoy) whom she married in 1929. They filed for divorce in 1934, with McCoy's jealousy of Minnie's rise to fame and success often being said to be the reason.[28] Around 1938 she met guitarist Ernest Lawlars (aka Little Son Joe). He became her new musical partner and they married shortly thereafter,[29] with Minnie's name being given in her union records as "Minnie Lawlars" from 1939.[30] Son Joe dedicated songs to her including "Key to The World" in which he addresses her as "the woman I got now" and calls her "the key to the world." Minnie was also reported to have lived with a man known as "Squirrel" in the mid- to late 1930s.[31]
Minnie was not religious and rarely went to church; the only time she was reported to have gone to church was to see a Gospel group perform.[28] While she was baptised shortly before she died, this was probably done to please her sister Daisy Johnson.[32] The home she once lived in still exists at 1355 Adelaide Street in Memphis, Tennessee.[33]
Legacy
Memphis Minnie has been described as "the most popular female country blues singer of all time",[34] while Big Bill Broonzy said that she could "pick a guitar and sing as good as any man I've ever heard."[11] Minnie lived to see her reputation revived in the 1960s as part of the general revival of interest in the blues. She was an influence on later singers such as Big Mama Thornton, Jo Ann Kelly[1] and Erin Harpe[35] and was inducted into the Blues Foundation's Hall of Fame in 1980.[36]
"Me and My Chauffeur Blues" was recorded by Jefferson Airplane on their debut album Jefferson Airplane Takes Off, with Signe Anderson as lead vocalist. "When the Levee Breaks", a 1929 Memphis Minnie and Kansas Joe McCoy song,[37] was covered (with slightly altered lyrics and a different melody) by Led Zeppelin and released in 1971 on their fourth album. "I'm Sailin'" was covered by Mazzy Star on their 1990 debut album 'She Hangs Brightly'.
Early life
Lizzie Douglas was born on June 3, 1897 in Algiers, Louisiana.[1] She was the eldest of 13 siblings. Her parents Abe and Gertrude Douglas nicknamed her "Kid" during her early childhood. Her family called her "Kid" throughout her childhood because she never liked the name "Lizzie",[2] and when she first began performing she played under the name Kid Douglas.
When she was 7 she and her family moved to Walls, Mississippi, a town a little to the South of Memphis. The following year she received her first guitar for Christmas, and learned to play banjo by the age of 10 and guitar by the age of 11, when she started playing local parties.[1] The family later moved to Brunswick, Tennessee, but after Minnie's mother died in 1922 her father moved back to Walls, where he died thirteen years later in 1935.[3]
Career
In 1910, at the age of 13, she ran away from her home to live on Beale Street in Memphis, Tennessee. She played on street corners for most of her teenage years, although she would periodically return to her family's farm when she ran out of money.[4] Her sidewalk performances led to a four-year tour of the South with the Ringling Brothers Circus from 1916 to 1920.[5] Eventually she came back to Beale Street and got involved in the blues scene. At the time, women, whiskey, and cocaine were high in demand with the people and places she would be around. She made her money by playing guitar, singing, and prostitution, which was not uncommon at the time, since many female performers also worked as prostitutes because of financial desperation.[6]
In 1929 she and Kansas Joe McCoy, her second husband, began to perform together. They were discovered by a talent scout of Columbia Records in front of a barber shop where they were playing for dimes.[7] When she and McCoy went to record in New York, they were given the names Kansas Joe and Memphis Minnie by a Columbia A&R man.[8] During the next few years she and McCoy released a series of records, performing as a duet. In February 1930 they recorded the song "Bumble Bee," which they had already recorded for Columbia but which had not yet been released, for the Vocalion label. This became one of Minnie's most popular songs, and she eventually recorded five versions of it.[9] Minnie and McCoy continued to record for Vocalion until August 1934, when they recorded a few sessions for Decca, with their last session together being for Decca in September.[10] They divorced in 1935.[1]
A famous anecdote from Big Bill Broonzy's autobiography Big Bill Blues recounts a cutting contest between Minnie and Broonzy. It took place in a Chicago Nightclub on June 26, 1933, for the prize of a bottle of whiskey and a bottle of gin. Each singer was to sing two songs, and after Broonzy sang "Just a Dream" and "Make My Getaway," Minnie won the prize with "Me and my Chauffeur Blues" and "Looking the World Over".[11] Paul and Beth Garon, in their book Woman with Guitar: Memphis Minnie's Blues, suggest that Broonzy's account may have combined various contests at different dates, as these songs of Minnie's date from the 1940s rather than the 1930s.[12]
By 1935 Minnie was established in Chicago, and had become one of the group of musicians who worked regularly for record producer and talent scout Lester Melrose.[13] Back on her own after a divorce from Kansas Joe, Minnie began to experiment with different styles and sounds. She recorded four sides for the Bluebird label in July 1935, then in August of that year she returned to the Vocalion label, and then in October of the same year recorded another session for Bluebird, this time accompanied by Casey Bill Weldon. By the end of the 1930s, in addition to her output for Vocalion, Minnie had recorded nearly 20 sides for Decca Records and eight sides for Bluebird Records.[10] During the 1930s Minnie also toured extensively, mainly in the South.[13]
In 1938 Minnie returned to recording for the Vocalion label, this time accompanied by Charlie McCoy, Kansas Joe's brother, on mandolin.[10] Around this time she married guitarist and singer Ernest Lawlars (a.k.a. Little Son Joe) and began recording material with him in 1939, with Son's playing adding a more rhythmic backing to Minnies's guitar.[13] Minnie and Little Son Joe also began to release material on Okeh Records in the 1940s, and the couple continued to record together throughout the decade. By 1941 Minnie had started playing electric guitar,[14] and in May of that year she recorded her biggest hit, "Me And My Chauffeur Blues." A follow-up date produced two more blues standards, "Looking The World Over" and Joe's "Black Rat Swing" (issued as by "Mr. Memphis Minnie"). At the dawn of the 1940s Minnie and Joe continued to work at their "home club," Chicago's popular 708 club where they were often joined by Big Bill, Sunnyland Slim, or Snooky Pryor. They also played at many of the other better known Chicago nightclubs. During the 1940s Minnie and Son Joe performed both together and on separate gigs in the Chicago and Indiana areas.[15] Minnie often played at "Blue Monday" parties at Ruby Lee Gatewood's on Lake Street.[16] The poet Langston Hughes, who saw Minnie perform at the 230 club on New Year's Eve 1942, wrote of her "hard and strong voice" being made harder and stronger by amplification, and described the sound of her electric guitar as "a musical version of electric welders plus a rolling mill."[17]
Later in the 1940s Minnie lived in Indianapolis, Indiana and Detroit, Michigan, returning to Chicago in the early 1950s.[18] By the late 1940s, clubs began hiring younger and cheaper artists to play shows at their venues and Columbia began dropping Blues artists including Memphis Minnie. Unable to adapt to changings tastes, Minnie moved on to smaller labels such as Regal, Checker, and J.O.B.[19]
Later life and death
Minnie continued to record into the 1950s, but her health began to become a problem for her. With public interest in her music declining, she retired from her musical career and in 1957 she and Lawlars returned to Memphis.[20] Periodically, she would appear on Memphis radio stations to encourage young blues musicians. In 1958 she played at a memorial concert for Big Bill Broonzy.[21] As the Garons wrote in Women With Guitar, 'She never laid her guitar down, until she could literally no longer pick it up.' She suffered a stroke in 1960, which caused her to be wheelchair-bound. The following year her husband, Earnest “Little Son Joe” Lawlars died, and Minnie had another stroke a short while after. She could no longer survive on her social security income so magazines wrote about her and readers sent her money for assistance.[citation needed] She spent her last years in the Jell Nursing Home in Memphis where she died of a further stroke in 1973.[22] She is buried at the New Hope Baptist Church Cemetery in Walls, DeSoto County, Mississippi.[1] A headstone paid for by Bonnie Raitt was erected by the Mount Zion Memorial Fund on 13 October 1996 with 34 family members in attendance including her sister Daisy. The ceremony was taped for broadcast by the BBC.[23] Her headstone is marked:
Lizzie "Kid" Douglas Lawlers
aka Memphis Minnie
The inscription on the back of her gravestone reads:
"The hundreds of sides Minnie recorded are the perfect material to teach us about the blues. For the blues are at once general, and particular, speaking for millions, but in a highly singular, individual voice. Listening to Minnie's songs we hear her fantasies, her dreams, her desires, but we will hear them as if they were our own."[24]
Character and personal life
Minnie was known for being a polished professional, and an independent woman who knew how to take care of herself.[4] Although she portrayed herself to the public as being feminine and “ladylike” by wearing expensive dresses and jewelry, she was aggressive when she needed to be and was not shy when it came to fighting.[25] According to bluesman Johnny Shines, "Any men fool with her she'd go for them right away. She didn't take no foolishness off them. Guitar, pocket knife, pistol, anything she get her hand on she'd use it".[4] According to Homesick James she chewed tobacco all the time including whenever she sang or played her guitar, and always had a cup at hand in case she wanted to spit.[26] Most of the music she made was autobiographical; Minnie expressed a lot of her personal life through her music.[citation needed]
Minnie was married three times.[1] Although no evidence has been found of any marriage certificates,[27] her first husband is usually said to have been Will Weldon whom she married in the early 1920s. Her second husband was guitarist and mandolin player Joe McCoy (aka Kansas Joe McCoy) whom she married in 1929. They filed for divorce in 1934, with McCoy's jealousy of Minnie's rise to fame and success often being said to be the reason.[28] Around 1938 she met guitarist Ernest Lawlars (aka Little Son Joe). He became her new musical partner and they married shortly thereafter,[29] with Minnie's name being given in her union records as "Minnie Lawlars" from 1939.[30] Son Joe dedicated songs to her including "Key to The World" in which he addresses her as "the woman I got now" and calls her "the key to the world." Minnie was also reported to have lived with a man known as "Squirrel" in the mid- to late 1930s.[31]
Minnie was not religious and rarely went to church; the only time she was reported to have gone to church was to see a Gospel group perform.[28] While she was baptised shortly before she died, this was probably done to please her sister Daisy Johnson.[32] The home she once lived in still exists at 1355 Adelaide Street in Memphis, Tennessee.[33]
Legacy
Memphis Minnie has been described as "the most popular female country blues singer of all time",[34] while Big Bill Broonzy said that she could "pick a guitar and sing as good as any man I've ever heard."[11] Minnie lived to see her reputation revived in the 1960s as part of the general revival of interest in the blues. She was an influence on later singers such as Big Mama Thornton, Jo Ann Kelly[1] and Erin Harpe[35] and was inducted into the Blues Foundation's Hall of Fame in 1980.[36]
"Me and My Chauffeur Blues" was recorded by Jefferson Airplane on their debut album Jefferson Airplane Takes Off, with Signe Anderson as lead vocalist. "When the Levee Breaks", a 1929 Memphis Minnie and Kansas Joe McCoy song,[37] was covered (with slightly altered lyrics and a different melody) by Led Zeppelin and released in 1971 on their fourth album. "I'm Sailin'" was covered by Mazzy Star on their 1990 debut album 'She Hangs Brightly'.
'I'm A Bad Luck Woman' MEMPHIS MINNIE (1936) Memphis Blues Guitar Legend
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