1934 Al Jackson, Jr.*
1942 Jimi Hendrix*
1949 Fabio Treves*
1976 Robert den Hartigh*
1999 Johnny "Big Moose" Walker+
2011 Keef Hartley+
2012 Mickey „Guitar“ Baker+
2015 Aaron Moore+
Roach Thompson*
1949 Fabio Treves*
1976 Robert den Hartigh*
1999 Johnny "Big Moose" Walker+
2011 Keef Hartley+
2012 Mickey „Guitar“ Baker+
2015 Aaron Moore+
Roach Thompson*
Happy Birthday
Al Jackson, Jr. *27.11.1934
Al Jackson, Jr. (* 27. November 1935 in Memphis, Tennessee; † 1. Oktober 1975 ebd.) war ein US-amerikanischer Schlagzeuger, Musikproduzent und Songwriter. Am bekanntesten ist er als Gründungsmitglied von Booker T. & the M.G.’s.
Bereits als Kind erlernte Al Jackson das Trommeln und spielte in der Band seines Vaters. Als Teenager begann er, in der Band von Willie Mitchell zu trommeln. 1962 gründete er zusammen mit Booker T. Jones (Keyboard), Steve Cropper (Gitarre) und Lewis Steinberg (Bass; 1964 ersetzt durch Donald Dunn) die Hausband von Stax Records, Booker T. & the M.G.’s.[1]
Als Anfang der 1970er der Erfolg von Booker T. & the M.G.’s nachließ, arbeitete Jackson vornehmlich als Produzent und Sessionmusiker. Zu den Künstlern, für die er spielte, gehören Eric Clapton, Freddie King, Herbie Mann und viele andere.[1]
1975 beschlossen die Mitglieder von Booker T. & the M.G.’s, ein neues Album aufzunehmen. Am 1. Oktober 1975 wurde Al Jackson durch mehrere Schüsse getötet, als er nachts nach Hause kam. Die Tatumstände wurden niemals eindeutig geklärt.
Al Jackson, Jr. (November 27, 1935 – October 1, 1975) was a drummer, producer, and songwriter. He is best known as a founding member of Booker T. & the M.G.'s, a group of session musicians who worked for Stax Records and produced their own instrumentals. Jackson was called "The Human Timekeeper" for his drumming ability.
Early life
Jackson's father, Al Jackson Sr., led a jazz/swing dance band in Memphis, Tennessee. The young Jackson started drumming at an early age and began playing on stage with his father's band in 1940 at the age of five. He later played in producer/trumpeter Willie Mitchell's band and at the same time was holding down a chair in the popular Ben Branch Band.
In an interview with DRUM! Magazine, Mitchell says,
"Al Junior was about 14 years old then. I said to his father, 'Hey, let’s use your son!' He said, 'Oh, man, he can’t play this shit!' But he did make the gig. He set up his kit – a cymbal, a snare drum, and a bass drum – and I kicked the thing off. And, man, that thing went off at 20 tempos!
But that was around 7:00 o'clock. And by the time Al Senior came in an hour later, at 8:00 o'clock, Al Jackson Jr. was swinging that damn band like a pro."[1]
Future band mates Steve Cropper and Donald "Duck" Dunn first heard Jackson playing in Mitchell's band at the Flamingo Room, and the all-white Manhattan Club. Mitchell had also hired Booker T. Jones for his band. It was Jones who suggested Jackson be brought to Stax. He said, "You guys need to know about Al". Duck also tells how Jackson almost caused his wife to divorce him because he'd stop by the club to hear him after playing at his own gig until one o'clock. He was so mesmerized he didn't come home until four or five in the morning. Says Duck, "He was that good!". It only took one session with Jackson to convince Duck and Cropper that they had to have him.[2] Jackson was reluctant at first. He felt he could make more money playing live than doing session work. He wanted a guaranteed regular salary to come over to Stax (although he continued to play on sessions produced by Mitchell for Hi Records). And so he became the first Stax session musician to be on a weekly salary.[3]
Career
Jackson became one of the most important and influential drummers in the history of recorded music at Stax, providing an instantly recognizable backbeat behind the label's artists who included Rufus Thomas, Carla Thomas, Eddie Floyd, Sam & Dave, Otis Redding, and blues guitarist Albert King, whose work Jackson also produced. Jackson co-wrote "Respect" and many other Stax hits. In the Seventies, Jackson co-wrote and played on several hits by Al Green, including "Let's Stay Together" and "I'm Still in Love with You" at Hi. In the 70s, Jackson was a session drummer for many artists, such as Tina Turner, Bill Withers, Leon Russell, Albert King, Jerry Lee Lewis, Eric Clapton, Jean Knight, Major Lance, Ann Peebles, Shirley Brown, Donny Hathaway, and Herbie Mann.
Death
Four years after the last Booker T. & the MGs album, 1971's Melting Pot, the group got together and decided to wrap up all of their individual productions and devote three years to a reunion of the band.
On September 30, 1975, Al Jackson was scheduled to fly from Memphis to Detroit, Michigan, to produce a Major Lance session, when he heard a reminder on the radio about the Joe Frazier–Muhammad Ali fight that night. Jackson called Detroit to delay and said he was going to watch "The Thrilla in Manila" on the big screen at the Mid-South Coliseum.
Though still legally married, Jackson was estranged from his wife. In July 1975, his wife had shot him in the chest. He decided not to press charges, but was in the process of a divorce and was planning to move to Atlanta, Georgia, to begin working with Stax singer/songwriter William Bell.[4]
Jackson attended the screening with Eddie Floyd and Terry Manning. After the match, he returned home to find intruders in his house. He was reportedly told to get down on his knees and was then fatally shot five times in the back. Around 3:00 a.m. on October 1, Barbara Jackson ran out in the street, yelling for help. She told police that burglars had tied her up and shot her husband when he had returned home. Police found nothing out of place in the house, and Jackson's wallet and jewelry were still on him.
The man believed to have pulled the trigger had reportedly known someone in Memphis and after robbing a bank in Florida, told them to meet him over at Al Jackson's house. Tracked through Florida to Memphis and then to Seattle, Washington, the suspected triggerman, the boyfriend of Barbara Jackson's friend Denise LaSalle, was killed by a police officer on July 15, 1976 after a gun battle.[citation needed]
Equipment
Jackson used Rogers Drums with a 20" bass drum, 12" tom, 16" floor tom, and occasionally a 13" tom. He used a 14"x5" Rogers Powertone wooden snare drum with 8 lugs Zildjian 16" Crash, 18" Ride, and 14" Hi-Hats.
In live performances, Jackson often used Gretsch Drums (Round Badge), with a Ludwig Supraphonic 14x5 snare.
Jimi Hendrix *27.11.1942
James Marshall „Jimi“ Hendrix (* 27. November 1942 in Seattle, Washington; † 18. September 1970 in London) war ein US-amerikanischer Gitarrist, Komponist und Sänger.
Jimi Hendrix gilt wegen seiner experimentellen und innovativen Spielweise auf der E-Gitarre als einer der bedeutendsten Gitarristen und hatte nachhaltigen Einfluss auf die Entwicklung der Rockmusik. Gemeinsam mit seinen Bands, unter anderem The Jimi Hendrix Experience und Gypsy Sun & Rainbows, trat er auf dem Monterey Pop Festival, dem Woodstock-Festival und dem Isle of Wight Festival 1970 auf. Das Rolling Stone Magazin kürte ihn zum besten Gitarristen aller Zeiten.
The Jimi Hendrix Experience
Als Hendrix gemeinsam mit seinen Begleitmusikern am 3. August 1966 im „Cafe Wha?“ in New Yorks Künstlerviertel Greenwich Village auftrat, war auch der ehemalige Animals-Bassist Chas Chandler anwesend, der von Hendrix’ künstlerischer Leistung beeindruckt war. Er bot ihm einen Vertrag an, dem zufolge Hendrix in London eine neue Band aufbauen sollte. Für die neue Funktion wurde das alte Pseudonym Jimmy James aufgegeben. Hendrix sollte künftig unter eigenem Namen auftreten. Gemeinsam mit Schlagzeuger Mitch Mitchell (vorher Georgie Fame’s Blue Flames) und Bassist Noel Redding wurde so die Jimi Hendrix Experience September 1966 in London gegründet. Chandler fungierte auch in Zukunft als Manager und Produzent für die Gruppe. Er war für den künstlerischen Teil des Managements zuständig, während sich Michael Jeffery um den finanziellen Teil kümmerte. Jeffery war zuvor bereits Chandlers Manager gewesen, als Chandler bei den Animals spielte.
Ihr erster gemeinsamer Auftritt war als Vorgruppe für Johnny Hallyday im Pariser Olympia. Die ersten Songs, Hey Joe und Stone Free, wurden im Oktober/November 1966 aufgenommen. Die Single wurde noch im Dezember 1966 veröffentlicht und platzierte sich im Februar 1967 in England auf Position vier der Hitparade. Das erste Album, Are You Experienced, erreichte Platz zwei der UK-Charts.
Am 18. Juni 1967 trat Hendrix mit seiner Band auf dem Monterey Pop Festival auf, wodurch seine Popularität sehr gesteigert wurde. Bekannt wurde der Auftritt auch dadurch, dass Hendrix am Ende nach dem neunten Song Wild Thing seine Gitarre verbrannte. Er selbst äußerte sich dazu:
“The time I burned my guitar it was like a sacrifice. You sacrifice the things you love. I love my guitar.”
„Als ich meine Gitarre verbrannte, war das wie ein Opfer. Man opfert die Dinge, die man liebt. Ich liebe meine Gitarre.“
Nach der Veröffentlichung von Axis: Bold as Love startete die Band im Februar 1968 eine längere Tour durch die USA, wo sie unter anderem auch im Fillmore West in San Francisco auftrat. Noch im gleichen Jahr veröffentlichte sie Electric Ladyland, mit den bekannten Songs Voodoo Child (Slight Return) und All Along the Watchtower. Das Album stieg bis auf Platz eins der Billboard-Charts. Der letzte gemeinsame Auftritt der Jimi Hendrix Experience fand am 29. Juni 1969 in Denver statt.
Ebenfalls im Februar 1968 erstellte das damalige Groupie Cynthia Plaster Caster einen Abguss von Hendrix' Penis. Eine Kopie davon findet sich heute im Rock’n’popmuseum in Gronau (Westf.).[9]
Auftritt in Woodstock
Das Jahr 1969 begann mit Problemen mit der kanadischen Justiz. Im Mai wurden bei einer Kontrolle am Flughafen von Toronto in Hendrix' Gepäck Heroin und Haschisch gefunden. Hendrix behauptete, es sei ohne sein Wissen hineingelangt.
Im Sommer 1969 stellte er für das Woodstock-Festival eine neue Band zusammen. Diese nannte sich Gypsy Sun & Rainbows – zugehörig waren Mitch Mitchell am Schlagzeug, sein alter Armee-Freund Billy Cox am Bass, Larry Lee an der Rhythmusgitarre und zwei Perkussionisten. Witterungsbedingt verzögerte sich der Auftritt der Band, und so traten die Musiker erst am frühen Montagmorgen des 18. August 1969 auf, als das Festival eigentlich schon vorbei sein sollte.
Von den 500.000 Besuchern waren zu diesem Zeitpunkt gerade noch rund 25.000 anwesend.[10]
Bei diesem Auftritt präsentierte Hendrix zum ersten Mal seine in konservativen Kreisen umstrittene, und nachfolgend weltbekannte Interpretation der US-amerikanischen Nationalhymne The Star-Spangled Banner. Durch seine Spieltechnik und den Einsatz von Effekten (vor allem Wah-Wah und Fuzz-Face) verfremdete er die Hymne und nahm somit auf akustische Weise Stellung zum Kriegsgeschehen in Vietnam.
„Durch Spieltechnik und den Einsatz von Effekten ließ er zwischen den bekannten Motiven der Hymne auch Kriegsszenen hörbar werden, darunter verblüffend deutlich Maschinengewehrsalven, Fliegerangriffe und Geschosseinschläge.“[11]
Band of Gypsys
Nach dem Woodstock-Auftritt gab die Band nur zwei weitere Konzerte und löste sich dann auf. Um Ed Chalpins Ansprüche aus dem 1-Dollar-Vertrag zu befriedigen, wurde ein Konzert mitgeschnitten, das Silvester 1969 im Fillmore East stattfand. Dafür stellte Hendrix eine neue Band namens Band of Gypsys mit Billy Cox am Bass und Buddy Miles am Schlagzeug zusammen.
Die neue Jimi Hendrix Experience
Nachdem die Band of Gypsys nur einen Monat zusammen aufgetreten war, formierte Hendrix im März 1970 die Jimi Hendrix Experience neu. Er übernahm Billy Cox aus der Band of Gypsys und spielte weiter gemeinsam mit Mitch Mitchell.
1970 fanden zahlreiche, oft spontane Studioaufnahmen mit wechselnden Besetzungen statt, die in ein geplantes Album mit dem Arbeitstitel First Rays of the New Rising Sun münden sollten. Eine Auswahl der Songs wurde 1971 als Cry Of Love veröffentlicht, als komplettes Album erschien es erst 1997. Für die Aufnahmen ließ Hendrix in der 8th Street in New York ein eigenes Aufnahmestudio errichten, das im August 1970 fertiggestellt wurde. Als Name wurde „Electric Lady Studios“ gewählt.
In diesem Jahr ging die Band auf ihre letzte US- und Europa-Tournee. Auftakt in Europa war das Isle of Wight Festival am 30. August 1970. Nach anschließenden Auftritten in Stockholm, Kopenhagen und Berlin (am 4. September 1970 in der Deutschlandhalle) absolvierte Hendrix beim Love-and-Peace-Festival am 6. September 1970 auf der schleswig-holsteinischen Ostseeinsel Fehmarn seinen letzten Auftritt. Später wurde dort ein Gedenkstein platziert. Noch heute werden regelmäßige Revival-Festivals durchgeführt.[12]
Im selben Jahr wirkte Hendrix bei den Aufnahmen für das Solo-Debütalalbum von Stephen Stills mit. Das Erscheinen des Albums im November 1970 erlebte er nicht mehr. Stills widmete das Album „James Marshall Hendrix“.
Tod
Während der vorangegangenen Jahre hatte sich Hendrix’ Drogenkonsum massiv verstärkt. Als Konsequenz hatte insbesondere sein Auftreten auf den letzten Konzerten sehr gelitten.
„Er verlor an Bodenhaftung, lieferte unter dem Einfluss von Drogen teilweise katastrophale Konzerte ab und verfiel im Anschluss daran immer häufiger in Depressionen. […] das Konzert auf der Ostseeinsel Fehmarn geriet zum Desaster. Jimi Hendrix kehrte ausgelaugt und nervlich zerrüttet nach London zurück.“[13]
Am 17. September 1970 jammte Hendrix zusammen mit Eric Burdon und War in Ronnie Scott’s Jazz Club in London. Diese Jamsession wurde von Fans auf Tonband aufgenommen und ist ein unter Insidern begehrter Mitschnitt, da es die letzte Aufnahme von Hendrix ist. Am frühen Morgen des nächsten Tages, am 18. September 1970, wurde Hendrix tot im Londoner Samarkand Hotel aufgefunden, nachdem er dort eine Nacht gemeinsam mit seiner Freundin Monika Dannemann verbracht hatte. Während als Todesursache zunächst härtere Drogen vermutet worden waren, wurde später festgestellt, dass Hendrix Alkohol und Schlaftabletten konsumiert hatte und an seinem Erbrochenen erstickt war.[14] In seiner Lunge fand man große Mengen Rotwein. Laut dem zuständigen Krankenhausarzt habe Hendrix ein mit Rotwein getränktes Stück Stoff um den Hals getragen, einen Pullover oder ein Handtuch.[15]
Obwohl die Todesursache offiziell geklärt war („Tod durch Ersticken“), entstanden um Hendrix’ Tod zahlreiche Spekulationen. Auch wenn sein Manager Chas Chandler mit den Worten zitiert wird, dass Hendrix’ Tod absehbar gewesen sei,[16] entstanden Verschwörungstheorien, dass es sich um Mord oder Selbstmord gehandelt habe. 1993 wurden erneut Ermittlungen aufgenommen, da eine andere ehemalige Freundin Hendrix’ klagte, dass Dannemann den Notarzt zu spät alarmiert habe. Ein Urteil gegen Dannemann wurde im Prozess nicht gesprochen.[17]
In seiner 2009 veröffentlichten Autobiografie Rock Roadie beschuldigt Hendrix’ ehemaliger Roadie James Wright den Hendrix-Manager Michael Jeffery des Mordes an Hendrix: Jeffery habe eine Lebensversicherung für Hendrix abgeschlossen und sich selbst als Begünstigten eingetragen, um sich eine Versicherungssumme in Höhe von 1,2 Millionen Pfund auszahlen zu lassen.[18]
Jimi Hendrix wurde in Seattle neben den Gräbern seiner Mutter und Großmutter bestattet. Nach seinem Tod wurde bekannt, dass er ein Projekt mit der Supergroup Emerson, Lake and Palmer geplant hatte.[19]
Hendrix starb im Alter von 27 Jahren und wird dadurch, wie andere einflussreiche Musiker, dem Klub 27 zugerechnet. Ebenso wie Janis Joplin und Jim Morrison wird ihm zugeschrieben, nach der Devise „Live Fast, Love Hard, Die Young“ gelebt zu haben.
Politische Aussagen
Obwohl Jimi Hendrix kein politischer Aktivist war, hatte er in den US-amerikanischen Medien einige Kommentare zu den Black Panthers abgegeben, die eine Art „geistige Verbundenheit“ zum Ausdruck bringen sollten, wie er es nannte. In dem im Jahr 2004 veröffentlichten Dokumentarfilm Jimi Hendrix – The Last 24 Hours von Michael Parkinson wird berichtet, dass Hendrix am 28. Januar 1970 beim „Winter Festival Of Peace“-Benefizkonzert im Madison Square Garden des Vietnam Moratorium Committee teilnahm und Geld an die Black Panthers spendete. Auch ein Konzert für Bobby Seale und die Chicago Seven wird erwähnt. Dadurch kam Hendrix auf den Sicherheitsindex des FBI, wie aus dem freigegebenen Teil der FBI-Akten nachweisbar ist.
Auszeichnungen und Ehrungen
Im Jahr 1992 wurde Hendrix posthum der Grammy für sein Lebenswerk verliehen, und er wurde in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen.[20] Zwei Jahre darauf bekam er einen Stern auf dem Hollywood Walk of Fame.
Erst 1995 erhielten Jimi Hendrix’ Vater und seine Schwester die Kontrolle über das Erbe Hendrix’ zurück. In dieser Zeit wurde der Wert dieses Vermächtnisses auf vierzig bis einhundert Millionen US-Dollar geschätzt.[21] 1998 wurde Hendrix in die NAMA Hall of Fame aufgenommen.[22] 2000 gründete Paul Allen, Mitbegründer von Microsoft, das 240 Millionen Dollar teure Experience Music Project in Seattle, in dem eine große Zahl von Hendrix-Memorabilia ständig ausgestellt wird, unter anderem Gitarren, Kleidung und Songtexte.[23] 2006 benannte Hendrix’ Heimatstadt Seattle einen Park nach ihm, obwohl sich diese zu Lebzeiten eher distanziert zu ihm verhalten hatte.[24]
Daneben wurde er von vielen Musikmagazinen als herausragender Musiker anerkannt. Vom Rolling Stone, Guitar World und anderen Zeitschriften wurde er zum besten E-Gitarristen aller Zeiten ernannt.[25] VH1 listete ihn an dritter Stelle der Best Hard Rock Artists of all time hinter Black Sabbath und Led Zeppelin und an gleicher Position der 100 Best Pop Artists of all time, nach den Rolling Stones und den Beatles, auf.
http://mattizwoo.blogspot.de/2013/07/jimi-hendrix.html
http://mattizwoo.blogspot.de/2013/08/jimi-hendrix-nachtrag.html
James Marshall "Jimi" Hendrix (born Johnny Allen Hendrix; November 27, 1942 – September 18, 1970) was an American musician, singer, and songwriter. Although his mainstream career spanned only four years, he is widely regarded as one of the most influential electric guitarists in the history of popular music, and one of the most celebrated musicians of the 20th century. The Rock and Roll Hall of Fame describes him as "arguably the greatest instrumentalist in the history of rock music".[1]
Born in Seattle, Washington, Hendrix began playing guitar at the age of 15. In 1961, he enlisted in the US Army; he was granted an honorable discharge the following year. Soon afterward, he moved to Clarksville, Tennessee, and began playing gigs on the chitlin' circuit, earning a place in the Isley Brothers' backing band and later with Little Richard, with whom he continued to work through mid-1965. He then played with Curtis Knight and the Squires before moving to England in late 1966 after being discovered by bassist Chas Chandler of the Animals. Within months, Hendrix had earned three UK top ten hits with the Jimi Hendrix Experience: "Hey Joe", "Purple Haze", and "The Wind Cries Mary". He achieved fame in the US after his performance at the Monterey Pop Festival in 1967, and in 1968 his third and final studio album, Electric Ladyland, reached number one in the US. The double LP was Hendrix's most commercially successful release and his first and only number one album. The world's highest-paid performer, he headlined the Woodstock Festival in 1969 and the Isle of Wight Festival in 1970 before his accidental death from barbiturate-related asphyxia on September 18, 1970, at the age of 27.
Hendrix was inspired musically by American rock and roll and electric blues. He favored overdriven amplifiers with high volume and gain, and was instrumental in developing the previously undesirable technique of guitar amplifier feedback. He helped to popularize the use of a wah-wah pedal in mainstream rock, and was the first artist to use stereophonic phasing effects in music recordings. Holly George-Warren of Rolling Stone commented: "Hendrix pioneered the use of the instrument as an electronic sound source. Players before him had experimented with feedback and distortion, but Hendrix turned those effects and others into a controlled, fluid vocabulary every bit as personal as the blues with which he began."[2]
Hendrix was the recipient of several music awards during his lifetime and posthumously. In 1967, readers of Melody Maker voted him the Pop Musician of the Year and in 1968, Billboard named him the Artist of the Year and Rolling Stone declared him the Performer of the Year. Disc and Music Echo honored him with the World Top Musician of 1969 and in 1970, Guitar Player named him the Rock Guitarist of the Year. The Jimi Hendrix Experience was inducted into the Rock and Roll Hall of Fame in 1992 and the UK Music Hall of Fame in 2005. Rolling Stone ranked the band's three studio albums, Are You Experienced, Axis: Bold as Love, and Electric Ladyland, among the 100 greatest albums of all time, and they ranked Hendrix as the greatest guitarist and the sixth greatest artist of all time.
Born in Seattle, Washington, Hendrix began playing guitar at the age of 15. In 1961, he enlisted in the US Army; he was granted an honorable discharge the following year. Soon afterward, he moved to Clarksville, Tennessee, and began playing gigs on the chitlin' circuit, earning a place in the Isley Brothers' backing band and later with Little Richard, with whom he continued to work through mid-1965. He then played with Curtis Knight and the Squires before moving to England in late 1966 after being discovered by bassist Chas Chandler of the Animals. Within months, Hendrix had earned three UK top ten hits with the Jimi Hendrix Experience: "Hey Joe", "Purple Haze", and "The Wind Cries Mary". He achieved fame in the US after his performance at the Monterey Pop Festival in 1967, and in 1968 his third and final studio album, Electric Ladyland, reached number one in the US. The double LP was Hendrix's most commercially successful release and his first and only number one album. The world's highest-paid performer, he headlined the Woodstock Festival in 1969 and the Isle of Wight Festival in 1970 before his accidental death from barbiturate-related asphyxia on September 18, 1970, at the age of 27.
Hendrix was inspired musically by American rock and roll and electric blues. He favored overdriven amplifiers with high volume and gain, and was instrumental in developing the previously undesirable technique of guitar amplifier feedback. He helped to popularize the use of a wah-wah pedal in mainstream rock, and was the first artist to use stereophonic phasing effects in music recordings. Holly George-Warren of Rolling Stone commented: "Hendrix pioneered the use of the instrument as an electronic sound source. Players before him had experimented with feedback and distortion, but Hendrix turned those effects and others into a controlled, fluid vocabulary every bit as personal as the blues with which he began."[2]
Hendrix was the recipient of several music awards during his lifetime and posthumously. In 1967, readers of Melody Maker voted him the Pop Musician of the Year and in 1968, Billboard named him the Artist of the Year and Rolling Stone declared him the Performer of the Year. Disc and Music Echo honored him with the World Top Musician of 1969 and in 1970, Guitar Player named him the Rock Guitarist of the Year. The Jimi Hendrix Experience was inducted into the Rock and Roll Hall of Fame in 1992 and the UK Music Hall of Fame in 2005. Rolling Stone ranked the band's three studio albums, Are You Experienced, Axis: Bold as Love, and Electric Ladyland, among the 100 greatest albums of all time, and they ranked Hendrix as the greatest guitarist and the sixth greatest artist of all time.
read more: http://en.wikipedia.org/wiki/Jimi_Hendrix
Roach Thompson *27.11
Roach Thompson was born Warren Jefferson Thompson, Jr on November 27, 1944 in Brunswick, Georgia. He grew up playing the blues on old-time guitars, some of which were homemade. By age 17 he left home and during his travels refined his craft. Roach worked with a group called The Kinfolk when he first began cutting records. He gained additional experience in the recording studio with a group called The Notorious Miami Band. It was with Miami that the song “Kill That Roach” was penned and recorded, permanently giving the nickname “Roach” to its author.
Thompson won the B. B. King Lucille award. He won the Jammy award for the Best Blues Band and Best Line Performance two years in a row.
Honky Tonk by Roach Thompson
Fabio Treves *27.11.1949
Fabio Treves (Milan, 27 November 1949) ist ein Sänger und Mundharmonika Italienisch.
Biografie
Fabio Treves, Mundharmonika-Spieler und Sänger, geboren wurde und in Mailands Città Studi / Lambrate mit dem Spitznamen des berühmten britischen bluesman angehoben (daher der Spitzname "Puma Lambrate" in Übereinstimmung John Mayall, die wiederum "der Löwe von Manchester ").
Er war schon in jungen Jahren zur Musik, mit um 360 Grad, mit Hilfe seines Vaters Leidenschaft Gaddo Treves: Hören auf alten Aufnahmen auf 78 rpm Scheiben und suchte LP von klassischer Musik, Jazz, Blues und portugiesischen Fado. Die Liebe zur Musik weiter zu erhöhen und die jungen Treves anwenden, indem er sich dem Studium der verschiedenen Instrumente, bis im Jahre 1965, die Teilnahme an der Konzert der WHO zu Palalido Milan, entdecken Sie das Werkzeug, das ihn berühmt machen wird: die Mundharmonika . Staaten im Bereich der Mailand und Lombardei als Blues-Harp-Spieler, inspiriert von den großen US-Mundharmonika wie Sonny Terry, Little Walter, Paul Butterfield, Alan Wilson, Sonny Boy Williamson.
Im Jahr 1967 spielt er in seiner ersten Studentengruppe, am Freitag, Blues Group. Nach mehreren Kooperationen mit anderen Gruppen im Jahr 1974 entschied er sich, seine eigene Band im Stil der beliebten amerikanischen Beispielen zu bilden. Er gründete die TREVES Blues Band, die erste Blues-Band in der Geschichte der italienischen Musik, die nur im Jahr 2014 feiert 40 Jahre Aktivität. In jenen Jahren auch er trifft Gitarrist und Mundharmonikaspieler Texaner nach Italien verpflanzt Terry Cooper, das eine lange musikalische Assoziation zu initiieren wird.
Weiter zu spielen und zu verbreiten "das Wort des Blues" Fabio Treves getroffen und mit Riesen der Blues-Welt zusammengearbeitet, Dave Kelly, Pick Withers, Sunnyland Slim, Johnny Shines, Homesick James, Willie Mabon, Billy Branch, Dave Kelly, Paul Jones, Alexis Korner, Bob Margolin, Sam Lay, Louisiana Red, Pat Grover, Gordon Smith, Son Seals, Eddie Boyd.
Im Jahr 1980 trafen sich Fabio Treves und verzeichnete einen historischen Album mit der großen Blues-Gitarrist "live" Michael Bloomfield und ist die einzige italienische Künstler auf der Bühne mit dem großen Genie von Baltimore gespielt haben Frank Zappa.
Es gibt viele Legenden des Blues, mit denen Fabio Treves gespielt hat, und es ist eine erneute Bestätigung seiner CD "Bluesfriends" (2004), die, wie illustre Gäste festlegt, wie Roy Rogers, Chuck Leavell, Willy De Ville, John Popper und Linda Gail Lewis.
Der Führer der historischen TREVES Blues Band hat seinen Kredit 21 Discs und Hunderte von Kooperationen mit italienischen Künstlern. Er spielte seine Mundharmonika in den Scheiben von Musikern aus verschiedenen Genres: Angelo Branduardi, Pierangelo Bertoli, Claudio Rocchi, Eugene Kelly, Shel Shapiro, Giorgio Conte, Francesco Baccini, Marco Ferradini, Riccardo Cocciante, Ivan Graziani, können Sie seine Mundharmonika fühlen in einem berühmten Stück von Mina (Und dann ...) und hat Original Kooperationen mit erstellt Artikel 31 und mit Freunden Elio e le Storie Tese.
In einer vierzigjährige erfolgreiche Karriere hat Fabio Treves in den renommiertesten internationalen Blues Festival teil und hat eine echte wichtiger Bezugspunkt für die große Familie des Blues unseres Hauses geworden.
Im Jahr 1976, bei der Bekanntgabe der ersten Übermittlung des Blues in Mailand, er hat zwei Führungen zu den Blues geschrieben, seit 16 Jahren ist er auf Rock FM "Blues Express" seit mehr als zehn Jahren durchgeführt und hat sich auf Musik-Magazin JAM mit ihrem Spaß Überschrift zusammengearbeitet "Wer sagt, so zu 3ves ...".
Seit 2004 führt auf LIFEGATE RADIO historischen und vieles folgte der Show "Das Leben in den Blues."
Trier im Jahr 2011 sein Projekt einer neuen musikalischen Titel "Blues in Theatre": ein Schritt in Richtung der Ausbreitung des beliebten Musikquelle, eine erfolgreiche Herausforderung, eine tolle und unvergessliche Tour, die in Theatern in ganz Italien gebracht fast 4000 Menschen, etwas, das nie in einer Bluesband passiert, bevor der Intuition des Puma Lambrate. Und aus dieser erfolgreichen Tour und Konzertaufnahmen von der Live-CD ist es der TBB geboren wurde, mit dem gleichen Namen "Blues in Theatre", die im Juni 2011 veröffentlicht Im Jahr 2013 arbeiteten auf Alben biango, von Elio und Geschichten Er strengte. Im Jahr 2014 feierte die TBB seinen 40. Geburtstag mit einer Theatertour von großer Erfolg, die zusammen eine Reihe von begeisterten ausverkauft aufgereiht hat.
Am 7. Dezember 2014 wurde auf der Fabio Treves 'ausgezeichnet Goldene Ambrogino, wichtig zu Ehren von der Stadt Mailand aus diesem Grund: "Musiker von internationalem Ruf und die wichtigsten Interpreten der Blues-Musik in Italien, hat Fabio Treves einen unersetzlichen Beitrag für die gegebene die Verbreitung und das Wissen dieser Art zwischen den Generationen der Milanese. Künstler strenge und profunde Kenntnis der Kultur und Tradition der nordamerikanischen Musik hat dazu beigetragen, um die Szene nach Mailand zu den höchsten internationalen Ebenen durch seine Plattenproduktion mit einigen der wichtigsten italienischen und ausländischen Musiker und unermüdliche Tätigkeit seiner Live TREVES zu bringen, in Zusammenarbeit Blues Band, eine der ältesten Musikgruppen in Italien, die in diesem Jahr feiert 40 Jahre Aktivität. Es gilt als der Vater der italienischen Blues, und seine Wurzeln als Künstler so tief im Herzen von seinen Milan verwurzelt meritargli den Spitznamen, mit denen bekannt ist: der PUMA Lambrate ".
Sein Foto wurde von der Zeitschrift "eingefügt Rolling Stone" in der Zahl der Februar 2015 mit dem Titel "Die 100 Gesichter der italienischen Musik".
Sprecher Verb Blues, Erfinder der "Blues für die Massen", FABIO TREVES, als Mundharmonika den Vater des "Blues made in Italy", 40 Jahre führender TBB, die historischen Bande von italienischen Blues, hat weit und breit in gereist Italien und der Welt und hielt die Fahne des italienischen Blues mit Leidenschaft und Konsequenz. Seine Konzerte sind eine Reise durch die Geschichte der "Musik des Teufels", die frühen Arbeitslieder zu den archaischen und rustikal, die elektrischen Blues von Chicago nach dem moderneren: der Stil von Trier ist kraftvoll, aggressiv und persönlich, und gut eignet sich sowohl für E-Chicago-style-Songs, die mehr traditionellen Sound. Wenn Italien hat sich zu einem beliebten Ziel für Künstler und ausländischen Bands ist es auch wegen der ständigen und geduldige Arbeit eines Künstlers mit einer großen menschlichen und musikalischen, als Fabio Treves.
Fabio Treves ist auch für seine Leidenschaft für die bekannten Milan.
Fabio Treves (born 27 November 1949) is an Italian blues musician. Treves's nickname is "il Puma di Lambrate" (Lambrate's Cougar), mimicking the British bluesman John Mayall, known as the "Manchester's Lion". Lambrate is the quarter of Milan where Treves grew up.
Life and career
Born and raised in Milan, Fabio Treves became interested in music at a young age, helped by the father's passion for a variety of musical genres, including classical music, jazz, blues, and Portuguese Fado. Treves' interest in music led him to study a wide range of musical instruments, including bass, organ, trumpet, and alto sax. During the 1960s he began playing what would become his signature instrument, the harmonica.
He settled near Milan as a blues harmonica player, inspired by Sonny Terry, Little Walter, Paul Butterfield, Alan Wilson, and Sonny Boy Williamson II.
In 1967, he played with his first band, the Friday Blues Group. He later joined the Simonluca e l'Enorme Maria band, which performed at the Festival di Sanremo in 1972. The following year, he again took part in the Festival, this time as a chorister for Fausto Leali, in the song "La Bandiera di Sole."
In 1974, Treves founded the first Italian blues band, the Treves Blues Band. Soon after, he met the Texan guitarist and harmonicist Cooper Terry after Terry's move to Italy, and the two began a long musical collaboration. During his career, Treves has played with Dave Kelly, Sunnyland Slim, Johnny Shines, Homesick James, Willie Mabon, Billy Branch, Dave Kelly, Paul Jones, Alexis Korner, Bob Margolin, Sam Lay, Louisiana Red, Gordon Smith, Son Seals, and Eddie Boyd. He met Frank Zappa during his Italian visit and remains the only Italian musician to have played with Zappa on stage.
Treves has participated in many music festivals in Italy and around the world. He continues to publish blues music in Italy, having released more than ten albums to date.
His collaborations have reached many levels of Italian music, having has worked with artists including Angelo Branduardi, Pierangelo Bertoli, Eugenio Finardi, Riccardo Cocciante, Mina, and Ivan Graziani, as well as some non-blues collaborations with Articolo 31.
Fabio Treves e Warren Haynes
https://www.youtube.com/watch?v=JYuoXTisUVc#t=16
Robert den Hartigh *27.11.1976
Robert den Hartigh (1976) plays rootsmusic, folk and countryblues since 1993. He is inspired by the Mississippi Deltablues and several other traditional styles of American rootsmusic.
Besides his blues- and rootsmusic he plays folktraditionals and southern-flavoured hillbillysongs.
Robert plays these songs with much devotion for this musical tradition.
All the song from Robert den Hartigh have their own story and memory. The intense experience comes straight from his hart. He accompanies himself with steelguitar, acoustic guitar, mandola and diatonic accordion. He is inspired by Charley Patton, Leadbelly, Lightnin’Hopkins, Woody Guthrie, Jimmie Rodgers and many others.
Besides this he is a member of The Campfire Collaboration which brings a mix of Bluegrass, American-Irish folk and rootsmusic. Also in this band he use different instruments. The threesome’s harmony singing and broad range of acoustic instrumentation (steelguitar, ukulele, bluesharp, mandola, guitar, mandoline, banjo and Dobro) gives a traditional sound and feel to a repertoire made up of original songs as well as selections since 1800.
Besides his blues- and rootsmusic he plays folktraditionals and southern-flavoured hillbillysongs.
Robert plays these songs with much devotion for this musical tradition.
All the song from Robert den Hartigh have their own story and memory. The intense experience comes straight from his hart. He accompanies himself with steelguitar, acoustic guitar, mandola and diatonic accordion. He is inspired by Charley Patton, Leadbelly, Lightnin’Hopkins, Woody Guthrie, Jimmie Rodgers and many others.
Besides this he is a member of The Campfire Collaboration which brings a mix of Bluegrass, American-Irish folk and rootsmusic. Also in this band he use different instruments. The threesome’s harmony singing and broad range of acoustic instrumentation (steelguitar, ukulele, bluesharp, mandola, guitar, mandoline, banjo and Dobro) gives a traditional sound and feel to a repertoire made up of original songs as well as selections since 1800.
St James Infirmary Blues - Robert den Hartigh - Kwadendamme Bluesfestival 2016
Devil calls your name - Robert den Hartigh
R.I.P.
Johnny "Big Moose" Walker +27.11.1999
Johnny "Big Moose" Walker (June 27, 1927 – November 27, 1999) was an American Chicago and electric blues pianist and organist. He worked with many blues musicians including Ike Turner, Sonny Boy Williamson II, Lowell Fulson, Choker Campbell, Elmore James, Earl Hooker, Muddy Waters, Otis Spann, Sunnyland Slim, Jimmy Dawkins and Son Seals.[2]
In addition to his virtuoso piano playing, Walker was proficient on the electric organ and bass guitar, playing the latter instrument when backing Muddy Waters. As well as playing accompaniment to other musicians in both concert and recording arenas, Walker recorded a small number of solo albums.
John Mayon Walker was born in the unincorporated community of Stoneville, Mississippi, United States, partly of Native American ancestry.[2] He acquired his best known stage name in his childhood in Greenville, Mississippi, derived from his long flowing hairstyle.[1] Walker learned to play a number of instruments including church organ, guitar, vibraphone and tuba.[2]
It was as a pianist that he started his musical career in 1947, and toured in various blues bands variously backing notable artists such as Ike Turner, Sonny Boy Williamson II, Elmore James, Lowell Fulson and Choker Campbell. Walker served in the United States Army from 1952 to 1955, taking part in the Korean War.[2] In 1955, billed as Moose John, Ultra Records released the single, "Talkin' 'Bout Me".[3] Although his own recordings under a selection of names were unsuccessful, Walker started working more consistently in the mid 1950s, particularly backing both Earl Hooker and Elmore James.[2] Relocating to Chicago in the late 1950s, over the next decade Walker then accompanied Sunnyland Slim, Otis Rush, Muddy Waters (on bass guitar), Ricky Allen, Little Johnny Jones, and Howlin' Wolf.[4] In 1960, Walker accompanied Junior Wells on his best known recording, "Messin' with the Kid".[5] The following year Walker appeared on Elmore James' recordings of "Look on Yonder Wall" and "Shake Your Moneymaker". In 1962, Walker played on Muddy Waters recording of "You Shook Me". During the 1960s, a couple of obscure Chicago based record labels, Age and The Blues, released Walker's solo singles.[1]
By 1969, Walker had rejoined Earl Hooker and played on the latter's album, Don't Have to Worry (ABC Bluesway).[1] Following Hooker's death the following year, Walker played backing for Jimmy Dawkins, Mighty Joe Young and Louis Myers.[1] His own debut album was issued in 1970, when ABC released Ramblin Woman. Further piano accompaniment from Walker was supplied on Andrew Odom's Farther on the Road,[6] and If You Miss 'Im...I Got 'Im, by John Lee Hooker featuring Earl Hooker.[4][7]
Alligator Records utilised Walker's playing on their Living Chicago Blues series of recordings.[1][8] He toured Europe in 1979 with the Chicago Blues Festival,[4] saw his second album, Blue Love, released in 1984[9] and later toured both in New Zealand and Canada.[4] He recorded with Son Seals,[2] and appeared at the Burnley Blues Festival in England in 1991.[4] Walker had suffered a stroke prior to this engagement, and he had a series of others which left him unable to perform.[4] The 1996 reissue of Blue Love by Evidence Music had five bonus tracks.[9]
Walker lived for a while in a nursing home in Chicago before his death, at the age of 72, in November 1999.[1]
Keef Hartley +27.11.2011
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Keef Hartley (* 8. April 1944 in Preston, Lancashire, England; † 27. November 2011 [1]) war ein britischer Rockmusiker (Schlagzeug). Bekannt wurde er u. a. als Mitglied von John Mayalls Bluesbreakers und mit seiner eigenen Keef Hartley Band. Ein Kennzeichen Hartleys waren seine Auftritte in Indianer-Kleidung, da er sich sehr für die indianische Kultur interessierte.
1963 schloss sich Keef Hartley der Band Rory Storm & the Hurricanes an, bei der zuvor schon Ringo Starr getrommelt hatte. Davor hatte Hartley bei den Thunderbeats erste Erfahrungen gesammelt. Im November 1963 wechselte Hartley zu Freddie Starr & the Midnighters, die wie die Hurricanes im Hamburger Star-Club spielten. Im Sommer 1964 gründete Hartley mit Roger James die Band The Ice Cubes, die bis Ende des Jahres zusammen blieb. Ende 1964 bis Mitte 1967 spielte Hartley bei The Artwoods, zusammen mit Jon Lord (später Deep Purple). Am 1. Mai 1967 beteiligte sich Hartley an John Mayalls Album The Blues Alone, worauf Mayall alle Instrumente spielte, außer dem Schlagzeug bei einigen Titeln. Danach war Hartley ständiges Mitglied der Bluesbreakers bis 1968.
Ende 1968 entstand das erste Album der Keef Hartley Band, Halfbreed. Mit Miller Anderson (Gitarre, Gesang), Gary Thain (Bass) und Mick Weaver (Keyboards) war die Formation hochgradig besetzt. Im Intro dieser LP verarbeitete Hartley die Tonbandaufzeichnung des Telefongesprächs, in welchem Mayall ihm die Mitgliedschaft bei den Bluesbreakers gekündigt hatte. Die Band trat 1969 beim Woodstock-Festival auf. Später wuchs die Gruppe zeitweise auf Big Band-Format an; im Zuge der aufkommenden Fusion-Bewegung lag einer der Schwerpunkte auch auf dem Einsatz von Blechbläsern (The Time is Near). 1972 löste Keef Hartley seine Band auf, um erneut mit John Mayall zusammenzuarbeiten. 1973 spielte Hartley in der Michael Chapman Band. 1975 kam Hartley in der Band Dog Soldier wieder mit Miller Anderson zusammen.
1977 stieß Keef Hartley zu Stan Webbs Chicken Shack (bzw. zu der von Stan Webb´s für ein Album zusammengetrommelten Band "Broken Glass"). Eine weitere Band, in der er spielte, war Mainsqueeze. Es gab auch ein Revival der Thunderbeats. Kurzzeitig ersetzte er auch mal den Schlagzeuger bei Jethro Tull.
Nachdem er das Musikgeschäft verlassen hatte, machte er sich selbständig, indem er zusammen mit Roger Giffin, der inzwischen für Fender in Los Angeles arbeitet, Gitarren wartete und reparierte. Das Geschäft erweiterte sich bald auf das Einrichten von Tonstudios wie The Manor (Virgin), Townhouse und die Olympic Studios. Außerdem arbeiteten sie auch für David Gilmour. Inzwischen hat Roger Giffin keinen Kontakt mehr mit Keef Hartley. Anfang der 1990er Jahre zog er sich größtenteils aus dem Geschäft zurück, baute hin und wieder aber noch immer Gehäuse. 2000 spielte er zusammen Michael Chapman auf Dave Gardners Loser's Paradise. Zuletzt arbeitete er an seiner Biografie. Am 27. November 2011 starb Keef Hartley nach Komplikationen bei einer Operation.
Keith "Keef" Hartley (8 April 1944 – 26 November 2011)[1] was an English drummer and bandleader. He fronted his own eponymous band, known as the Keef Hartley Band or the Keef Hartley Big Band, and played at Woodstock.[2] He was later a member of Dog Soldier, and variously worked with Rory Storm, The Artwoods and John Mayall.[1]
Biography
Keith Hartley was born in Preston, Lancashire. He studied drumming under Lloyd Ryan, who also taught Phil Collins the drum rudiments.[3] His career began as the replacement for Ringo Starr as a drummer for Rory Storm and the Hurricanes, a Liverpool-based band. Subsequently he played and recorded with The Artwoods, then achieved some notability as John Mayall's drummer (including his role as the only musician, other than Mayall, to play on Mayall's 1967 "solo" record The Blues Alone[4]). He then formed The Keef Hartley (Big) Band, mixing elements of jazz, blues, and rock and roll; the group played at Woodstock in 1969.
They released five albums, including Halfbreed and The Battle of North West Six (characterised by a reviewer for the Vancouver Sun as "an amazing display of virtuosity").[5] After that Hartley released a 'solo' album (Lancashire Hustler, 1973) and then he formed Dog Soldier with Miller Anderson (guitar), Paul Bliss (bass), Derek Griffiths (guitar) and Mel Simpson (keyboards). They released an eponymous album in 1975, which had a remastered release in early 2011 on CD on the Esoteric label.
In 2007, Hartley released a ghostwritten autobiography, Halfbreed (A Rock and Roll Journey That Happened Against All the Odds).[6] Hartley wrote about his life growing up in Preston, and his career as a drummer and bandleader, including the Keef Hartley Band's appearance at Woodstock.
Hartley died on 26 November 2011, aged 67, at Royal Preston Hospital in Preston.
Keef Hartley Band - Sinnin' For You - (Live footage)
Mickey „Guitar“ Baker +27.11.2012
Mickey „Guitar“ Baker (gebürtig McHouston Baker; * 15. Oktober 1925 in Louisville, Kentucky; † 27. November 2012 bei Toulouse, Frankreich[1]) war ein US-amerikanischer Blues- und Jazz-Gitarrist.
Jugend
Als Jugendlicher riss Mickey Baker von zu Hause aus und verbrachte seine restliche Teenagerzeit in verschiedenen Waisenhäusern. In einer dieser Institutionen lernte er zwischen 1937 und 1940 Notenlesen und das Gitarrespiel. Mit 15 Jahren trampte er in Richtung Norden nach New York City. Eine andere Quelle besagt, dass er erst in New York mit Musik und der Gitarre in Berührung kam und über keinerlei musikalische Vorkenntnisse verfügte. Da er noch zu jung war, um in den Clubs zu spielen und in New York City die Musiker-Gewerkschaft straff organisiert war und Minderjährigen den Zugang zu Clubs auch als Künstler untersagte, musste Baker seinen Lebensunterhalt mit Jobs, die nichts mit Musik zu tun hatten, verdienen. Ab 1945 widmete er sich dem Erlernen der Jazzgitarre und war nach wenigen Jahren gut genug, um seinen Lebensunterhalt unter anderem mit Gitarrenunterricht bestreiten zu können. Eine andere Einnahmequelle waren Auftritte mit einer Calypso-Band (etwa um 1948). Darüber hinaus nahm er so gut wie jeden halbwegs lukrativen Gig an, was zur Folge hatte, dass er seinen Radius als Musiker über die Grenzen von New York City ausweitete.
Die 1950er Jahre – ein vielseitiger Musiker
Mickey Baker war, was Stilrichtungen betraf, vom Beginn seiner Karriere an ein vielseitiger Musiker: So spielte er Jazz bei Live-Auftritten mit dem Altsaxophonisten Earle Warren, der unter anderem schon mit Count Basie, dem Trompeter Buck Clayton und später mit dem Jazzgitarristen Kenny Burrell Platten aufgenommen hatte, Rhythm and Blues mit den Sängern Nappy Brown, Ruth Brown und Big Maybelle, mit den Pianisten Amos Milburn, Little Willie John (Lead-Gitarre auf I’ll need your love so bad von 1956) und Ray Charles; Blues mit dem Pianisten Champion Jack Dupree und dem Mundharmonikaspieler Sonny Terry; Rock ’n’ Roll mit dem Sänger, Gitarristen und Songschreiber Earl King (bekannt zum Beispiel durch das Original von Come on baby let the good times roll, gecovert von Jimi Hendrix) und mit dem Sänger Joe Clay (Ducktail); Doo Wop mit den Gesangsgruppen The Drifters featuring Clyde McPhatter und den Cardinals; Pop mit der Sängerin Connie Francis (Lead-Gitarre auf Lipstick on your Collar).
So unterschiedlich die Stile waren, so vielfältig waren auch die Plattenfirmen, für die Baker Titel als Sideman oder Hauptinterpret einspielte: Savoy, Victor, King, Aladdin, Atlantic, Rainbow, Groove sowie sein eigenes Label Willow (1961 gegründet mit Sitz in New York City). Während Mickey Baker seit ca. 1953 Teil der Studioband von Atlantic Records unter Leitung von Jesse Stone (mit Musikern wie Panama Francis und King Curtis) war, spielte er Live-Auftritte unter anderem mit der Band des Tenorsaxophonisten Red Prysock.
Mickey Baker war die eine Hälfte des Duos Mickey & Sylvia, die 1957 einen Hit mit Love Is Strange landeten. Dieser kommerzielle Erfolg hatte zur Folge, dass das Duo Teil von sogenannten „Rock and Roll Package Tourneen“ wurde wie zum Beispiel der Alan Freed Rock And Roll Extravaganza und der Ray Charles and Joe Turner Universal Attraction Show. Obwohl das Duo über einige Jahre immer wieder Platten aufnahm, blieb Love Is Strange der einzige Hit. Viele Folgeplatten waren zu nahe am Original angelehnt, ohne dessen Originalität zu erreichen. Auch ein anderes Duo, Mickey & Kitty (Kitty Noble), konnte daran nichts ändern. Insgeheim hatte Mickey Baker kurioserweise doch noch kommerziellen Erfolg mit einem anderen Duo: Auf der Aufnahme des Lieds It’s Gonna Work Out Fine von Ike & Tina Turner aus dem Jahr 1961 singt/spricht nicht Ike Turner, sondern Mickey Baker den männlichen Part.
In den USA veröffentlichte Mickey Baker nur ein einziges Album, The Wildest Guitar mit instrumentalen Coverversionen bekannter Musikstücke. Dazu zählen Versionen der Jazzstandards Autumn Leaves und Night and Day, eine E-Gitarren-Version des Liedes Gloomy Sunday sowie eine Version der Filmmelodie Der dritte Mann von Anton Karas aus dem gleichnamigen Kinofilm von Orson Welles.[2]
Emigration nach Europa
Anfang der 1960er Jahre wanderte Mickey Baker nach Paris aus und tourte von dort aus durch große Teile Europas. Er nahm weiterhin Platten mit einer großen Bandbreite von Künstlern auf und ließ sich weiterhin stilistisch nicht festlegen. Sehr häufig trat er mit ebenfalls immigrierten US-Musikern auf beziehungsweise spielte auf deren Veröffentlichungen wie denen von Champion Jack Dupree (auf Vogue 1968, auf Crescendo 1971), Memphis Slim (auf Polydor 1967), Willie Mabon (auf Big Bear 1973) und mit US-Musikern, die auf Tournee durch Europa waren, wie Jimmy Dawkins (auf Vogue 1971). 1961 wirkte er in einem Kurzfilm über den ebenfalls nach Europa immigrierten Tenorsaxophonisten Coleman Hawkins mit (Coleman Hawkins Quartett). Er selbst nahm für folgende Label in den 1960er- und 70er-Jahren unter eigenem Namen auf: Big Bear, Black And Blue, Roots, Kicking Mule, Versailles. 1973 nahm er eine Platte mit dem Fingerpicking-Spezialisten Stefan Grossman (und anderen Musikern) in London auf. Hier waren neben Coverversionen von Charley Patton, J. B. Lenoir und Robert Johnson auch Originale zu hören. Für einige Lieder wurden Streicherarrangements geschrieben.
1969 schrieb Mickey Baker die Filmmusik für den Film Float Like a Butterfly, Sting Like a Bee, der sich mit der Karriere des Boxers und politischen Aktivisten Muhammad Ali auseinandersetzte. Der Schwerpunkt lag dabei nicht so sehr auf den sportlichen Aspekten, sondern auf dem Konflikt zwischen den Rassen. Bei der Musik handelt es sich nicht um Songs, sondern um Filmmusik, die versuchte, diese Konflikte musikalisch darzustellen. Da Baker genau wie Muhammad Ali in Louisville, Kentucky geboren wurde, kannte er die sozialen Bedingungen, unter denen Schwarze zu dieser Zeit leben mussten, aus eigener Erfahrung.
Über den Werdegang Mickey Bakers nach Ende der 1970er-/Anfang der 1980er-Jahre liegen kaum Informationen vor: 1978 spielte er auf dem Groninger Blues Festival in den Niederlanden und trat einige Jahre später mit Champion Jack Dupree live in einer westdeutschen Talkshow (Drittes Programm) auf. Vermutlich hat er sich etwas später ganz aus dem Musikgeschäft zurückgezogen.
Bedeutung
1999 erhielt Baker den Pioneer Award der Rhythm and Blues Foundation. Er ist seit 2003 in der Liste des Magazins Rolling Stone Rolling Stone’s List of the 100 Greatest Guitarists of All Time eingetragen.[3] Er wird – zusammen mit Bo Diddley und Chuck Berry – als musikalisches Bindeglied zwischen Rhythm and Blues und Rock ’n’ Roll angesehen. Er hat eine Reihe von Lehrbüchern geschrieben, wie zum Beispiel eine Anleitung zum Gitarrespiel, Complete Course in Jazz Guitar, sowie ein Handbuch für Arrangeure, das Complete Handbook For The Music Arranger. Zusammen mit Les Paul ist Mickey Baker ein wichtiger früher Vertreter des Spiels auf der elektrischen Gitarre ohne Resonanzkörper (Solidbody guitar) in Jazz und populärer Musik.
Verschiedenes
Baker spielte aber nicht nur Solidbody-Gitarren wie die Gibson Les Paul, sondern auch Archtop- und Westerngitarren. Seine meist verwendete Technik war das Spiel mit einem Plektrum.
Jugend
Als Jugendlicher riss Mickey Baker von zu Hause aus und verbrachte seine restliche Teenagerzeit in verschiedenen Waisenhäusern. In einer dieser Institutionen lernte er zwischen 1937 und 1940 Notenlesen und das Gitarrespiel. Mit 15 Jahren trampte er in Richtung Norden nach New York City. Eine andere Quelle besagt, dass er erst in New York mit Musik und der Gitarre in Berührung kam und über keinerlei musikalische Vorkenntnisse verfügte. Da er noch zu jung war, um in den Clubs zu spielen und in New York City die Musiker-Gewerkschaft straff organisiert war und Minderjährigen den Zugang zu Clubs auch als Künstler untersagte, musste Baker seinen Lebensunterhalt mit Jobs, die nichts mit Musik zu tun hatten, verdienen. Ab 1945 widmete er sich dem Erlernen der Jazzgitarre und war nach wenigen Jahren gut genug, um seinen Lebensunterhalt unter anderem mit Gitarrenunterricht bestreiten zu können. Eine andere Einnahmequelle waren Auftritte mit einer Calypso-Band (etwa um 1948). Darüber hinaus nahm er so gut wie jeden halbwegs lukrativen Gig an, was zur Folge hatte, dass er seinen Radius als Musiker über die Grenzen von New York City ausweitete.
Die 1950er Jahre – ein vielseitiger Musiker
Mickey Baker war, was Stilrichtungen betraf, vom Beginn seiner Karriere an ein vielseitiger Musiker: So spielte er Jazz bei Live-Auftritten mit dem Altsaxophonisten Earle Warren, der unter anderem schon mit Count Basie, dem Trompeter Buck Clayton und später mit dem Jazzgitarristen Kenny Burrell Platten aufgenommen hatte, Rhythm and Blues mit den Sängern Nappy Brown, Ruth Brown und Big Maybelle, mit den Pianisten Amos Milburn, Little Willie John (Lead-Gitarre auf I’ll need your love so bad von 1956) und Ray Charles; Blues mit dem Pianisten Champion Jack Dupree und dem Mundharmonikaspieler Sonny Terry; Rock ’n’ Roll mit dem Sänger, Gitarristen und Songschreiber Earl King (bekannt zum Beispiel durch das Original von Come on baby let the good times roll, gecovert von Jimi Hendrix) und mit dem Sänger Joe Clay (Ducktail); Doo Wop mit den Gesangsgruppen The Drifters featuring Clyde McPhatter und den Cardinals; Pop mit der Sängerin Connie Francis (Lead-Gitarre auf Lipstick on your Collar).
So unterschiedlich die Stile waren, so vielfältig waren auch die Plattenfirmen, für die Baker Titel als Sideman oder Hauptinterpret einspielte: Savoy, Victor, King, Aladdin, Atlantic, Rainbow, Groove sowie sein eigenes Label Willow (1961 gegründet mit Sitz in New York City). Während Mickey Baker seit ca. 1953 Teil der Studioband von Atlantic Records unter Leitung von Jesse Stone (mit Musikern wie Panama Francis und King Curtis) war, spielte er Live-Auftritte unter anderem mit der Band des Tenorsaxophonisten Red Prysock.
Mickey Baker war die eine Hälfte des Duos Mickey & Sylvia, die 1957 einen Hit mit Love Is Strange landeten. Dieser kommerzielle Erfolg hatte zur Folge, dass das Duo Teil von sogenannten „Rock and Roll Package Tourneen“ wurde wie zum Beispiel der Alan Freed Rock And Roll Extravaganza und der Ray Charles and Joe Turner Universal Attraction Show. Obwohl das Duo über einige Jahre immer wieder Platten aufnahm, blieb Love Is Strange der einzige Hit. Viele Folgeplatten waren zu nahe am Original angelehnt, ohne dessen Originalität zu erreichen. Auch ein anderes Duo, Mickey & Kitty (Kitty Noble), konnte daran nichts ändern. Insgeheim hatte Mickey Baker kurioserweise doch noch kommerziellen Erfolg mit einem anderen Duo: Auf der Aufnahme des Lieds It’s Gonna Work Out Fine von Ike & Tina Turner aus dem Jahr 1961 singt/spricht nicht Ike Turner, sondern Mickey Baker den männlichen Part.
In den USA veröffentlichte Mickey Baker nur ein einziges Album, The Wildest Guitar mit instrumentalen Coverversionen bekannter Musikstücke. Dazu zählen Versionen der Jazzstandards Autumn Leaves und Night and Day, eine E-Gitarren-Version des Liedes Gloomy Sunday sowie eine Version der Filmmelodie Der dritte Mann von Anton Karas aus dem gleichnamigen Kinofilm von Orson Welles.[2]
Emigration nach Europa
Anfang der 1960er Jahre wanderte Mickey Baker nach Paris aus und tourte von dort aus durch große Teile Europas. Er nahm weiterhin Platten mit einer großen Bandbreite von Künstlern auf und ließ sich weiterhin stilistisch nicht festlegen. Sehr häufig trat er mit ebenfalls immigrierten US-Musikern auf beziehungsweise spielte auf deren Veröffentlichungen wie denen von Champion Jack Dupree (auf Vogue 1968, auf Crescendo 1971), Memphis Slim (auf Polydor 1967), Willie Mabon (auf Big Bear 1973) und mit US-Musikern, die auf Tournee durch Europa waren, wie Jimmy Dawkins (auf Vogue 1971). 1961 wirkte er in einem Kurzfilm über den ebenfalls nach Europa immigrierten Tenorsaxophonisten Coleman Hawkins mit (Coleman Hawkins Quartett). Er selbst nahm für folgende Label in den 1960er- und 70er-Jahren unter eigenem Namen auf: Big Bear, Black And Blue, Roots, Kicking Mule, Versailles. 1973 nahm er eine Platte mit dem Fingerpicking-Spezialisten Stefan Grossman (und anderen Musikern) in London auf. Hier waren neben Coverversionen von Charley Patton, J. B. Lenoir und Robert Johnson auch Originale zu hören. Für einige Lieder wurden Streicherarrangements geschrieben.
1969 schrieb Mickey Baker die Filmmusik für den Film Float Like a Butterfly, Sting Like a Bee, der sich mit der Karriere des Boxers und politischen Aktivisten Muhammad Ali auseinandersetzte. Der Schwerpunkt lag dabei nicht so sehr auf den sportlichen Aspekten, sondern auf dem Konflikt zwischen den Rassen. Bei der Musik handelt es sich nicht um Songs, sondern um Filmmusik, die versuchte, diese Konflikte musikalisch darzustellen. Da Baker genau wie Muhammad Ali in Louisville, Kentucky geboren wurde, kannte er die sozialen Bedingungen, unter denen Schwarze zu dieser Zeit leben mussten, aus eigener Erfahrung.
Über den Werdegang Mickey Bakers nach Ende der 1970er-/Anfang der 1980er-Jahre liegen kaum Informationen vor: 1978 spielte er auf dem Groninger Blues Festival in den Niederlanden und trat einige Jahre später mit Champion Jack Dupree live in einer westdeutschen Talkshow (Drittes Programm) auf. Vermutlich hat er sich etwas später ganz aus dem Musikgeschäft zurückgezogen.
Bedeutung
1999 erhielt Baker den Pioneer Award der Rhythm and Blues Foundation. Er ist seit 2003 in der Liste des Magazins Rolling Stone Rolling Stone’s List of the 100 Greatest Guitarists of All Time eingetragen.[3] Er wird – zusammen mit Bo Diddley und Chuck Berry – als musikalisches Bindeglied zwischen Rhythm and Blues und Rock ’n’ Roll angesehen. Er hat eine Reihe von Lehrbüchern geschrieben, wie zum Beispiel eine Anleitung zum Gitarrespiel, Complete Course in Jazz Guitar, sowie ein Handbuch für Arrangeure, das Complete Handbook For The Music Arranger. Zusammen mit Les Paul ist Mickey Baker ein wichtiger früher Vertreter des Spiels auf der elektrischen Gitarre ohne Resonanzkörper (Solidbody guitar) in Jazz und populärer Musik.
Verschiedenes
Baker spielte aber nicht nur Solidbody-Gitarren wie die Gibson Les Paul, sondern auch Archtop- und Westerngitarren. Seine meist verwendete Technik war das Spiel mit einem Plektrum.
http://de.wikipedia.org/wiki/Mickey_Baker
MacHouston Baker[1] (October 15, 1925 – November 27, 2012), known as Mickey Baker and Mickey "Guitar" Baker, was an American guitarist. He is widely held to be a critical force in the bridging of rhythm and blues and rock and roll, along with Bo Diddley, Ike Turner, and Chuck Berry.[2]
Early life
Baker was born in Louisville, Kentucky.[3] His mother was black, and his father, whom he had never met, was believed to be white.[4] His dark complexion and red hair supports this theory.
In 1936, at the age of 11, Baker was put into an orphanage. He ran away frequently, and had to be retrieved by the staff from St. Louis, New York City, Chicago, and Pittsburgh. Eventually the orphanage quit looking for him, and at the age of 16 he stayed in New York City. He found work as a laborer and then a dishwasher. But after hanging out in the pool halls of 26th Street, he gave up work to become a full-time pool shark.
At 19, Baker decided to make a change in his life. He went back to dishwashing, and was determined to become a jazz musician. The trumpet was his first choice for an instrument, but with only $14 saved up, he could not find a pawnshop with anything but guitars for that price.[5]
He enrolled at The New York School of Music, but found the learning pace too slow. He dropped out and resolved to teach himself, but gave up shortly afterwards. Six months later he met a street guitarist who inspired him to start playing again. He continued taking private lessons from different teachers over the next few years, and, like many musicians of the day,[who?] tried to play his instrument like Charlie Parker played the saxophone.
Career
By 1949, Baker had his own combo, and a few paying jobs. He decided to move west, but found that audiences there were not receptive to progressive jazz music. Baker was stranded without work in California when he saw a show by blues guitarist Pee Wee Crayton.[6] Baker said of the encounter:
"I asked Pee Wee, 'You mean you can make money playing that stuff on guitar?' Here he was driving a big white Eldorado and had a huge bus for his band. So I started bending strings. I was starving to death, and the blues was just a financial thing for me then."
He found a few jobs in Richmond, California, and made enough money to return to New York.[5]
After returning east, Baker began recording for Savoy, King and Atlantic Records. He did sessions with The Drifters, Ray Charles, Ivory Joe Hunter, Ruth Brown, Big Joe Turner, Louis Jordan, Coleman Hawkins, and numerous other artists.[7] During this time, Baker (along with either Paramour Crampton or Connie Kay on drums, Sam "The Man" Taylor on tenor, and Lloyd Trotman on bass) played on numerous hit records on the Atlantic, Savoy, and King labels.[citation needed]
Inspired by the success of Les Paul & Mary Ford, he formed the pop duo Mickey & Sylvia (with Sylvia Robinson, one of his guitar students) in the mid-1950s.[6] Together, they had a hit single with "Love Is Strange" in 1956.[6] The duo split up in the late 1950s, but sporadically worked together on additional tracks until the mid-1960s.[2]
It was around this time that he moved to France, where he worked with Ronnie Bird and Chantal Goya and made a few solo records.[2] He would remain in France for the rest of his life. Up until the end of his life, Baker was rarely without work.
Baker appeared at the 1975 version of the Roskilde Festival.
Because Baker revealed very few details about his private life, reasons for his move to France were never made completely clear. Some media sources claimed that Baker had grown tired of the business aspects of the commercial music industry in the United States, while others stated that the bi-racial Baker was angered by the growing rate of hate crimes in the southern United States during the burgeoning civil rights movement.
In 1999, Baker received a Pioneer Award from the Rhythm and Blues Foundation.
In 2003, he was listed at #53 on Rolling Stone's "100 Greatest Guitarists of All Time".[8]
Books
His self-tuition method book series, the Complete Course in Jazz Guitar is a mainstay for introducing students of guitar to the world of jazz. They have remained in print for over 50 years.
Personal life
Baker guarded his personal life as much as possible, giving few interviews and only making sporadic public appearances. After moving to France, he rarely left the country, and made very few trips to the United States.
Baker was married six times. Among his wives were Barbara Castellano from the mid-1950s to the mid-70s, and Marie France-Drei, a singer with whom he stayed from the early 1980s until his death.
Baker had two children: a son, MacHouston, Jr., and a daughter, Bonita Lee.
Death
Baker died on November 27, 2012 near Toulouse, France, aged 87.[9][10] His wife Marie, said he died of heart and kidney failure.
Early life
Baker was born in Louisville, Kentucky.[3] His mother was black, and his father, whom he had never met, was believed to be white.[4] His dark complexion and red hair supports this theory.
In 1936, at the age of 11, Baker was put into an orphanage. He ran away frequently, and had to be retrieved by the staff from St. Louis, New York City, Chicago, and Pittsburgh. Eventually the orphanage quit looking for him, and at the age of 16 he stayed in New York City. He found work as a laborer and then a dishwasher. But after hanging out in the pool halls of 26th Street, he gave up work to become a full-time pool shark.
At 19, Baker decided to make a change in his life. He went back to dishwashing, and was determined to become a jazz musician. The trumpet was his first choice for an instrument, but with only $14 saved up, he could not find a pawnshop with anything but guitars for that price.[5]
He enrolled at The New York School of Music, but found the learning pace too slow. He dropped out and resolved to teach himself, but gave up shortly afterwards. Six months later he met a street guitarist who inspired him to start playing again. He continued taking private lessons from different teachers over the next few years, and, like many musicians of the day,[who?] tried to play his instrument like Charlie Parker played the saxophone.
Career
By 1949, Baker had his own combo, and a few paying jobs. He decided to move west, but found that audiences there were not receptive to progressive jazz music. Baker was stranded without work in California when he saw a show by blues guitarist Pee Wee Crayton.[6] Baker said of the encounter:
"I asked Pee Wee, 'You mean you can make money playing that stuff on guitar?' Here he was driving a big white Eldorado and had a huge bus for his band. So I started bending strings. I was starving to death, and the blues was just a financial thing for me then."
He found a few jobs in Richmond, California, and made enough money to return to New York.[5]
After returning east, Baker began recording for Savoy, King and Atlantic Records. He did sessions with The Drifters, Ray Charles, Ivory Joe Hunter, Ruth Brown, Big Joe Turner, Louis Jordan, Coleman Hawkins, and numerous other artists.[7] During this time, Baker (along with either Paramour Crampton or Connie Kay on drums, Sam "The Man" Taylor on tenor, and Lloyd Trotman on bass) played on numerous hit records on the Atlantic, Savoy, and King labels.[citation needed]
Inspired by the success of Les Paul & Mary Ford, he formed the pop duo Mickey & Sylvia (with Sylvia Robinson, one of his guitar students) in the mid-1950s.[6] Together, they had a hit single with "Love Is Strange" in 1956.[6] The duo split up in the late 1950s, but sporadically worked together on additional tracks until the mid-1960s.[2]
It was around this time that he moved to France, where he worked with Ronnie Bird and Chantal Goya and made a few solo records.[2] He would remain in France for the rest of his life. Up until the end of his life, Baker was rarely without work.
Baker appeared at the 1975 version of the Roskilde Festival.
Because Baker revealed very few details about his private life, reasons for his move to France were never made completely clear. Some media sources claimed that Baker had grown tired of the business aspects of the commercial music industry in the United States, while others stated that the bi-racial Baker was angered by the growing rate of hate crimes in the southern United States during the burgeoning civil rights movement.
In 1999, Baker received a Pioneer Award from the Rhythm and Blues Foundation.
In 2003, he was listed at #53 on Rolling Stone's "100 Greatest Guitarists of All Time".[8]
Books
His self-tuition method book series, the Complete Course in Jazz Guitar is a mainstay for introducing students of guitar to the world of jazz. They have remained in print for over 50 years.
Personal life
Baker guarded his personal life as much as possible, giving few interviews and only making sporadic public appearances. After moving to France, he rarely left the country, and made very few trips to the United States.
Baker was married six times. Among his wives were Barbara Castellano from the mid-1950s to the mid-70s, and Marie France-Drei, a singer with whom he stayed from the early 1980s until his death.
Baker had two children: a son, MacHouston, Jr., and a daughter, Bonita Lee.
Death
Baker died on November 27, 2012 near Toulouse, France, aged 87.[9][10] His wife Marie, said he died of heart and kidney failure.
http://en.wikipedia.org/wiki/Mickey_Baker
Mickey Guitar Baker - Ragtime
Aaron Moore +27.11.2015
Aaron Moore is one of the survivors of the classic boogie-woogie piano style that permeated the 1950s Chicago blues scene. At age 87, he is just beginning to gain the notoriety that eluded him throughout most of his career. Known primarily as a backing musician, Moore provided accompaniment for such greats as Little Walter, Muddy Waters, B.B. King, Hound Dog Taylor, Howlin’ Wolf, Honeyboy Edwards and Lonnie Brooks in a career that spans more than forty years.
Born and raised in Greenwood, Mississippi, Moore was encouraged in his piano playing by his mother, who was a music teacher and church piano player. Early influences included Curtis Jones and Memphis Slim, but much of his distinct sound comes from boogie-woogie legend Roosevelt Sykes, whom he learned from and frequently performed with upon moving to Chicago. Moore focused on his career and family, working for many years and retiring from a job with the City of Chicago, playing many local club dates on weekends from the 1950s through the 1980s.
Upon retiring, Aaron has made playing his full-time interest. After backing up local bluesman Brewer Phillips on his Delmark debut, Moore gained the attention of producer Pete Nathan, who requested Aaron finally release his first solo album. His critically acclaimed debut, Hello World, and the subsequent Boot ‘Em Up (both on Chicago’s Delmark Records) solidified Moore’s place among the hierarchy of blues piano masters.
Nowadays, Aaron can be found touring the United States and abroad, playing both as a solo artist and backing other musicians like his good friend David “Honeyboy” Edwards. He continues to support other musicians in the studio as well, and can be heard on Cleveland Fats’ forthcoming release on Honeybee Records. While remaining a local hero, Aaron Moore is finally beginning to gain the recognition he so richly deserves.
http://www.earwigmusic.com/AaronMoore.shtml
Aaron Moore was the last Mississippi born post-war blues piano player in Chicago.
Another light has gone out in the lounge.
Mr. Moore’s sound was based in the joyful boogie-woogie stylings of his mentor Roosevelt “The Honeydripper” Sykes. Mr. Moore died Nov. 27 after a prolonged illness. He was 95. Mr. Moore’s wake will be at 5 p.m. Dec. 6, followed by a funeral at McCullough Funeral Chapel, 851 E. 75th St. Chicago.
The piano entered his life when he was a five-year-old boy on a plantation outside of Greenwood, Miss. Mr. Moore’s mother was a church piano player and piano teacher, although he was not permitted to play blues music inside the house. The devil had something to do with that.
In 1951 Mr. Moore made the trek from Mississippi to Chicago in search of better work opportunities. He met Sykes, who was spot-welding St. Louis ragime with rural blues, creating “boogie-woogie.” The two teamed up playing pianos around Chicago blues clubs.
Like honest and raw versions of Billy Joel and Elton John.
In the 1940s and 50s there were as many Chicago based blues piano players as blues guitar players. The city featured celebrated blues pianists like Sunnyland Slim, Johnny “Big Moose” Walker, Blind John Davis Pinetop Perkins, and Leroy Carr, who also mentored Mr. Moore.
They have all passed away.
“We were considered the lead instrument,” long time Chicago blues piano player “Barrellhouse” Chuck Goering said on Thursday. “We could play by ourselves. Left hand, right hand and sing. Before the electric guitar was amplified we were louder than everybody. We carried the show back in the boogie-woogie craze. The focus of the piano got pushed back in the ‘70s when Otis Spann (1930-70, Muddy Waters piano player) died. The piano was the glue for all those great records. You kick the piano out of those records, they were a good records but the piano made them great records. Now it seems like the piano has been taken out of the mix.”
Mr. Moore’s unique gift was his ability to layout on the piano, leaving ample room for vocals. In his later years Mr. Moore played Chicago clubs with Little Walter, Hound Dog Taylor, Howlin’ Wolf and his Mississippi compatriots David “Honeyboy” Edwards and B.B. King.
Mr. Moore worked a straight job for 36 years for the City of Chicago, beginning as a garbage truck driver and retiring in 1985 as a supervisor in the Department of Streets and Sanitation. He moved to Milwaukee in the early 1990s to be with his daughters.
He returned to Chicago in 1996 to record his big-voiced debut CD “Hello World” for Delmark Records. His second Delmark CD, “Boot ‘Em Up” was released in 1999 and featured James Wheeler on guitar, Bob Stoger on bass and former Muddy sideman Willie “Big Eyes” Smith on drums. Mr. Moore wrote all the material for his Delmark records. He also recorded “Home Brew” on Delmark with juke joint guitarist Brewer Phillips of Hound Dog Taylor and the House Rockers.
“He had a real Delta-Mississippi sound,” Goering said. “He was a great singer and a beautiful guy.”
Mr. Moore was married to Katy Banks, a Greenwood, Mississippi woman he met in Chicago in 1983. In 2008 Mr. Moore and his wife were held up at gunpoint in their south Englewood home.
At the time Mr. Moore was 90. His wife was 63.
“My grandson ran out the door,” his widow said Thursday. “I went to close it and apparently someone was standing outside. I closed the door and this guy had come in and put the gun on me and pushed me into the staircase and put the gun on me and my grand daughter. Aaron was upstairs in his music room. I hollered real loud and Aaron came down halfway through the stairs. That’s when he put the gun on Aaron. Aaron gave him $800. Then Aaron started having chest pains. I said, ‘How in the world can you come in a senior citizen’s home when my husband is having a heart attack?’ That’s when one of the guys backed off and the other guy ran out. That was the first time Aaron had been sick.
Unfortunately for the scumbags, Mrs. Moore’s daughter is a Chicago police officer and police quickly came to the home. Mrs. Moore said the robbers were caught after holding up other neighborhood seniors. “One of the guys lived right down the street,” she said. “How can this happen to senior citizens? I went with Aaron to festivals all over the country. He was kind of shy so I went with him to the gigs. Blues artists told me he didn’t play as well when I wasn’t around.
“Everywhere Aaron went, people loved him.”
Besides his wife Mr. Moore is survived by six daughters; Teresea, Octavia, Anteria, Nelisa, Laurie, Delrita, three sons Gerald, Aaron Jr., and Darren. Also stepdaughters Helen, Paulette, Mae, Linda, Hermetta, Lou and Carolyn and stepsons Yakee, Anthony, Aaron and Ceasar. Also 23 grandchildren and a host of great grandchildren.
http://chicago.suntimes.com/news/7/71/789278/aaron-moore-a-story-in-blue-keys
Blues pianist Aaron Moore 2/10/08 pt. 3
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