1907 Roy Milton*
1931 Kenny Burrell*
1951 Howard Levy*
1964 Joja Wendt*
1989 Bull Moose Jackson+
1931 Kenny Burrell*
1951 Howard Levy*
1964 Joja Wendt*
1989 Bull Moose Jackson+
Happy Birthday
Howard Levy *31.07.1951
Howard Levy (* 31. Juli 1951 in Brooklyn, New York City) ist ein US-amerikanischer Mundharmonikaspieler und Pianist. Er setzte Maßstäbe für das chromatische Spiel auf der diatonischen Mundharmonika mittels Überblastechnik.
Levy war Mitglied der Erstbesetzung von Béla Fleck and the Flecktones und prägte den Sound dieser Band auf den ersten drei Aufnahmen von 1990–1992 entscheidend mit, bis er die Band anschließend verließ, um innerhalb eines neuen Rahmens mehr eigenes Material veröffentlichen und mehr Zeit für seine Familie haben zu können.[1] Es entstanden anschließend Alben in Zusammenarbeit mit verschiedenen Künstlern wie z. B. Mark Nauseef. Mit Eugene Friesen und Glen Velez bildete er das Trio Globo, mit dem er mehrere Alben vorlegte. Levy blieb auch als Gastmusiker aktiv, seine Arbeit auf Alben von Rabih Abou-Khalil fand besondere Beachtung. Für das 2011 erschienene Studioalbum "Rocket Science" fanden sich die Flecktones wieder in der Ursprungsbesetzung zusammen.
http://de.wikipedia.org/wiki/Howard_Levy
Howard Levy (born July 31, 1951) is an American harmonicist, pianist, composer, and producer.
He is probably best known as a founding member of Béla Fleck and the Flecktones,[1] with whom he won a 1997 Grammy Award for Best Pop Instrumental Performance for their live recording of their 1991 song "The Sinister Minister". Levy more recently won a Grammy Award for Best Instrumental Composition in 2012 for "Life in Eleven", a song which he co-wrote with Bela Fleck, featured on the Flecktones' 2011 release "Rocket Science".
Biography
Levy was born in Brooklyn, New York City. He attended Poly Prep Country Day School and graduated in 1969. He attended Northwestern University in Evanston, IL from 1969–1971.
He discovered the overblow and overdraw techniques for chromatic playing on the diatonic harmonica in 1970.[citation needed] These allow a harmonica player to obtain all the missing chromatic notes in the Richter-tuned diatonic harmonica.
In the 1970s and 80's Howard was very active in the Chicago music and recording scene, playing in many bands and on thousands of radio and TV commercials. In the mid 1980s he toured and recorded with Paquito D'Rivera, Trapezoid, Bonnie Koloc, and also released a now out of print cassette album, "Harmonica Jazz", that spread his reputation as the first person to really play Jazz on a diatonic harmonica. In 1986 he won a Joseph Jefferson Award for composing music for Remains Theater's production of Brecht's "Puntila and his Hired Man", starring Dennis Arndt, William Peterson, and Amy Morton.
In 1988, Levy co-founded the Flecktones, leaving the group in 1993. He toured and recorded after that with oud player/composer Rabih Abou Khalil, Trio Globo, and Kenny Loggins. He has appeared on over 250 albums [1] and has played on several movie soundtracks. In 2001, he composed the second concerto written for the diatonic harmonica (the first being William Russo's Concerto for Blues Band and Orchestra). He has performed it many times with orchestras in the United States and Europe. As of 2009 Levy has rejoined the Flecktones as a touring member of the band, as well as for the band's 2011 album, Rocket Science.
He is music director of the Latin/jazz group Chévere de Chicago whose first album was Secret Dream. Currently he also plays solo concerts, tours with Trio Globo, leads the band Acoustic Express, plays duo concerts with pianist Anthony Molinaro and guitarist Chris Siebold, and tours Europe with Michael Riessler and Jean-Louis Matinier. Levy has also recorded or toured with Donald Fagen, Bobby McFerrin, Dolly Parton, Dennis DeYoung, Paquito D'Rivera, and Ben Sidran.
He is the founder of Balkan Samba Records, which features the music of Howard Levy and Friends, including Fox Fehling, Chévere de Chicago, Alberto Mizrahi and Trio Globo and Norman Savitt.
He continues to make frequent appearances on Garrison Keillor's acclaimed radio program Prairie Home Companion.
In December 2009 he launched the Online Harmonica School with Howard Levy.
Since 2005, Howard has collaborated with the Aitz Hayim Center for Jewish Living in Glencoe, IL for their High Holiday services.
He is probably best known as a founding member of Béla Fleck and the Flecktones,[1] with whom he won a 1997 Grammy Award for Best Pop Instrumental Performance for their live recording of their 1991 song "The Sinister Minister". Levy more recently won a Grammy Award for Best Instrumental Composition in 2012 for "Life in Eleven", a song which he co-wrote with Bela Fleck, featured on the Flecktones' 2011 release "Rocket Science".
Biography
Levy was born in Brooklyn, New York City. He attended Poly Prep Country Day School and graduated in 1969. He attended Northwestern University in Evanston, IL from 1969–1971.
He discovered the overblow and overdraw techniques for chromatic playing on the diatonic harmonica in 1970.[citation needed] These allow a harmonica player to obtain all the missing chromatic notes in the Richter-tuned diatonic harmonica.
In the 1970s and 80's Howard was very active in the Chicago music and recording scene, playing in many bands and on thousands of radio and TV commercials. In the mid 1980s he toured and recorded with Paquito D'Rivera, Trapezoid, Bonnie Koloc, and also released a now out of print cassette album, "Harmonica Jazz", that spread his reputation as the first person to really play Jazz on a diatonic harmonica. In 1986 he won a Joseph Jefferson Award for composing music for Remains Theater's production of Brecht's "Puntila and his Hired Man", starring Dennis Arndt, William Peterson, and Amy Morton.
In 1988, Levy co-founded the Flecktones, leaving the group in 1993. He toured and recorded after that with oud player/composer Rabih Abou Khalil, Trio Globo, and Kenny Loggins. He has appeared on over 250 albums [1] and has played on several movie soundtracks. In 2001, he composed the second concerto written for the diatonic harmonica (the first being William Russo's Concerto for Blues Band and Orchestra). He has performed it many times with orchestras in the United States and Europe. As of 2009 Levy has rejoined the Flecktones as a touring member of the band, as well as for the band's 2011 album, Rocket Science.
He is music director of the Latin/jazz group Chévere de Chicago whose first album was Secret Dream. Currently he also plays solo concerts, tours with Trio Globo, leads the band Acoustic Express, plays duo concerts with pianist Anthony Molinaro and guitarist Chris Siebold, and tours Europe with Michael Riessler and Jean-Louis Matinier. Levy has also recorded or toured with Donald Fagen, Bobby McFerrin, Dolly Parton, Dennis DeYoung, Paquito D'Rivera, and Ben Sidran.
He is the founder of Balkan Samba Records, which features the music of Howard Levy and Friends, including Fox Fehling, Chévere de Chicago, Alberto Mizrahi and Trio Globo and Norman Savitt.
He continues to make frequent appearances on Garrison Keillor's acclaimed radio program Prairie Home Companion.
In December 2009 he launched the Online Harmonica School with Howard Levy.
Since 2005, Howard has collaborated with the Aitz Hayim Center for Jewish Living in Glencoe, IL for their High Holiday services.
RABIH-ABU & HOWARD LEVY
Joja Wendt *31.07.1964
Joja Wendt (* 31. Juli 1964 in Hamburg, als Johan Wendt) ist ein Jazz-Pianist und Komponist.
Der Sohn einer Sängerin und eines Hamburger Arztes fing schon mit vier Jahren an, Klavier zu spielen. Er entschied sich bald nach dem Abitur auf dem Lise-Meitner-Gymnasium in Hamburg-Osdorf, sich dem Jazz zuzuwenden. So spielte er regelmäßig in der Hamburger Musikkneipe Sperl, wo er von Joe Cocker entdeckt wurde. Cocker nahm Wendt als Pianist in sein Vorprogramm auf, wodurch dieser rasch bekannt wurde.[1][2][3]
Wichtige Stationen dabei waren Konzerte mit Chuck Berry, dessen Deutschland-Tournee er auf dem Klavier begleitete, oder mit der Band Pur in der ausverkauften Arena AufSchalke, und die Filmmusik zu 7 Zwerge – Männer allein im Wald. Nach Stationen im holländischen Hilversum und einem Studium in New York City kehrte er nach Hamburg zurück, wo er heute mit Ehefrau und zwei Kindern in Groß Flottbek lebt. Neben seiner Leidenschaft für Jazz, Blues und Boogie-Woogie liegt ihm auch die musikalische Früherziehung am Herzen.
Wendt ist unter anderem Träger des Louis-Armstrong-Preises[4] und wurde vom Traditionshaus Steinway & Sons in den Kreis der Steinway-Künstler aufgenommen.
http://de.wikipedia.org/wiki/Joja_Wendt
Joja Wendt ist gebürtiger Hamburger. Im Alter von vier Jahren beginnt er mit dem, was er „Lautmalerei“ am Klavier nennt. Diese ersten Tastenversuche führen in eine Welt, in der das Wort „Improvisation“ groß geschrieben wird. Eine logische Fortsetzung findet dieser Weg, als Joja Wendt noch vor seinem Abitur auszieht, die Hamburger Piste zu erkunden. So kommt er ins berühmte „Sperl“ am Hamburger Großneumarkt in den Treffpunkt für alle „senior“ Boogie-Klavierpieler und allen „new kids in town“, die noch etwas lernen wollen.
"„Das Sperl ist an jenen Tagen das Zentrum der Hamburger Blues-Szene gewesen. Da trafen sich alle und ich lernte viel, weil ich überall mitspielen durfte.“, erzählt er heute. „Die Sängerin Inga Rumpf gehörte dazu. Der Pianist Vince Weber und der Gitarrist und Blues-Sänger Abi Wallenstein wurden für mich die wichtigsten Figuren. Sie haben mich damals bei der Hand genommen und in die Szene eingeführt.“"
Joja Wendt
Es folgte ein Klavierstudium am Konservatorium in Hilversum und in der Manhattan School of Music in New York. In der darauffolgenden Zeit machen ihn sein Feuer, seine Ausdruckskraft und nicht zuletzt seine selbstbewußte Präsenz als Performer zum Herrn der Hamburger Bühnen. Der internationale Erfolg lässt nicht lange auf sich warten. 1991 veröffentlicht er seine erste CD „The Art Of Boogie-Woogie“, produziert und aufgenommen in London, auf der er zwanzig eigens dafür transkribierte Klassiker einspielt.
Es folgen öffentliche Auftritte mit Jerry Lee Lewis und Chuck Berry. Bald kommt auch die zweite CD, „Cooking“, produziert und aufgenommen in Hamburg. Joja tritt auf internationalen Jazz-Festivals mit Monty Alexander und Lou Rawls auf. 1993 folgt die dritte CD-Veröffentlichung „Live“, ebenfalls produziert und aufgenommen in Hamburg. Joja wird zum opening/support act bei Joe Cocker und Fats Domino.
Weitere CD-Veröffentlichungen mit Rock-Röhre Inga Rumpf und Blues- Meister Abi Wallenstein folgen. In einer neue Solo-Piano-Produktion „The Art of Early Jazz Piano“, werden klassische Jazz-Kompositionen im Stil von Fats Waller, James P. Johnson und Art Tatum interpretiert. Diese Klassiker sind auch als Noten erhältlich. Neben Solo-Auftritten überall in Europa gibt Joja 1996 sein erstes ausverkauftes Konzert im ersten Haus am Platze, der Laeiszhalle in Hamburg, damals noch als Musikhalle bekannt.
1997 folgt Joja einer Einladung des weltberühmten Soul-Jazzer Les McCann (Swiss Movement/Live in Montreux über eine Million Mal verkauft) zu CD-Aufnahmen nach Los Angeles. Das Ergebnis ist die soulig-bluesige CD „Pacifique“. Einwöchiges, ausverkauftes Engagement im „Green Dolphin Club“ in Kapstadt, Südafrika. Bald darauf das nächste Konzert in der Hamburger Musikhalle – vor ausverkauftem Haus mit stehenden Ovationen. Erster Solo-Auftritt beim renommierten Montreux Jazz Festival und Solo-Auftritte bei internationalen Jazz Festival in Paris.
1998 wird die CD „hummelflug.de“ veröffentlicht. Darauf sind zur Hälfte Studio-Aufnahmen und zur anderen Hälfte Live-Aufnahmen zu hören. Joja reist während mehrer Touren und Engagements durch ganz Deutschland und Europa, gibt Club- und Konzertauftritte vor großem Publikum.
Wie auch im vorherigen Jahr gibt Joja 1999 einen Soloauftritt im Rahmen des 32. Montreux Jazz Festivals. Von Juli bis Dezember tourt Joja als Solist und mit eigener Band und Gästen durch Europa und tritt bei Festivals in Schweden (Aaland), Frankreich und Deutschland auf.
Im Laufe des Jahres 1999 gelingt es Joja, durch beeindruckende Konzerte in Frankfurt, Düsseldorf und München und zahlreichen anderen deutschen Städten seine Fangemeinde kontinuierlich auszubauen. Er arbeitet intensiv an der Fertigstellung seines neuen Albums. Ein weiterer Höhepunkt des Jahres war die erneute Einladung von Joe Cocker anlässlich dessen Auftaktkonzerts der „Ordinary World“ Tournee in der Sporthalle in Hamburg. Publikum und Presse waren begeistert.
Am 10. April 2000 erscheint Jojas Debut-Album bei der EMI/Köln, „Joja Wendt – Der Pianist“. Joja gibt zahlreiche Fernsehauftritte, unter anderem in der „Guiness Show“, in „Musik für Sie“ und der NDR Talkshow. Er ist auch Support Act bei der gesamten Deutschlandtournee „Joe Cocker“. Im Dezember erfolgt nun endlich die TV-Produktion und Ausstrahlung einer eigenen Sendung, der „Joja Wendt Show“, die auch 2001 wiederholt wird.
2001 war Joja Wendt erneut Gaststar eines Mega-Acts. Auf Einladung von PUR spielte er am 24. und 25. August vor über 100.000 Menschen in der neuen „Arena Auf Schalke“. Im Januar 2002 erscheint das Album „Showtime“ mit berühmten Filmklassikern. Begleitet wird Joja Wendt vom Babelsberger Filmorchester, mit dem der Künstler auch seine Debut-CD bei EMI, „Der Pianist“, einspielte.
Dem TV-Publikum präsentierte sich der Hamburger in vielen TV-Shows u.a. in der „Arena der Stars“ in Köln, bei „Zauber der Musik“ in Salzburg, bei „N3-Talkshows“, bei „Ein Platz an der Sonne“ und vielen mehr.
Auch 2002 fand das alljährliche zweimalig ausverkaufte Konzert in der Hamburger Musikhalle statt. Am 4. November 2002 erschien das Album „Joja Wendt – Live!“ (im Vertrieb von AL!VE), der ein atmosphärischer Konzertmitschnitt eben aus diesen Konzerten.
Scheinbar lässig steckt der Vollblutmusiker den Stress von über 100 Live-Auftritten pro Jahr weg. Joja Wendt gelingt 2003 und 2004 jeweils ein musikalischer Hattrick: Dreimal hintereinander spielt er in der ausverkauften Hamburger Musikhalle vor jeweils 2.000 Besuchern. Live-Konzerte sind ihm sein liebstes musikalisches Kind. So wird er in allen großen Konzerthäusern, der Alten Oper in Frankfurt, dem Prinzregenttheater in München oder dem Gewandhaus in Leipzig vom Publikum mit Standing Ovations gefeiert.
Die steigende Popularität ist ein Ergebnis von zahlreichen TV-Auftritten.
Als TV-Moderator (mit Co-Moderatorin Madeleine Wehle) beweist der Allroundkünstler erfolgreich in der populären NDR-Musik-Show „Wer kennt die Hits?” seine Qualitäten in der Improvisation. Spontan begleiten Joja Wendt und seine Band die Promi-Teams beim Raten und Singen der Hits und Evergreens. Die Staffeln werden reihum in allen 3. Programmen ausgestrahlt.
Joja Wendt nimmt nebenbei die Herausforderung an für Otto Waalkes die Musik für seinen Film „Sieben Zwerge – Männer allein im Wald” zu schreiben. In dieser Komödie mit hochkarätiger Star- und Zwergen-Besetzung (Otto Waalkes, Heinz Hönig, Cosma Shiva Hagen und Nina Hagen, Atze Schröder, Rüdiger Hoffmann, oder Mirco Nontschew sowie Gastauftritten von Harald Schmidt und Helge Schneider) bedient er das Märchen-Genre meisterhaft mit orchestralen Kompositionen, unterstützt vom Deutschen Filmorchester Babelsberg. Unvergessen seine pfiffige a capella Komposition ”Hey Zwerge ho”. Der Film sprengt alle Kassenrekorde und wird zu einem der erfolgreichsten deutschen Produktionen aller Zeiten.
In Kooperation mit dem NDR sowie der Produktionsfirma Werner Kimmig GmbH wurden seine Live-Programme „Joja Wendt – Der Pianist“ und „Showtime“ als 60-minütige TV-Specials einem stetig wachsenden Publikum präsentiert. Die Produktion eines weiteren TV-Specials mit seinem aktuellen Programm „Joja Wendt – The Grand Piano (Special Guests: Otto Waalkes, Bill Ramsey u.a.) ist das nächste große Projekt des Herbstes 2004. Die NDR-Aufzeichnungen fanden am 19. und 20. Oktober 2004 im Hamburger CCH statt. Vor einer fantastischen Kulisse präsentierte Joja gemeinsam mit seinen Musikern Christoph Buhse (Drums) und Thomas Biller (Kontrabass), unterstützt von den “Elbhorns” ein musikalisch anspruchvolles und sehr unterhaltsames Programm, das durch diverse eingespielte Sketche sowie die Präsentation seines weltweit einmaligen “Low-Rider”-Flügels von Steinway einen weiteren “Benchmark” seiner Karriere darstellte.
Der Mitschnitt davon ist auf der DVD „The Grand Piano“ ein Verkaufserfolg. Zu dieser DVD gibt es eine Bonus-DVD mit Sketchen, Interviews, Fotos etc. Musik-Highlights dieser erfolgreichen Konzerte im CCH sind auf der CD „The Grand Piano“ zu hören. Ausstrahlung im NDR-Fernsehen als TV-Special „The Grand Piano“ mit mehrmaliger Wiederholung (auch im Hessischen Fernsehen und im SWR). Nach dem enormen Erfolg des Filmes „7 Zwerge – Männer allein im Wald“ schreibt Joja auch die Musik zu dem ebenso erfolgreichen zweiten Teil: „7 Zwerge – der Wald ist nicht genug“.
Joja ist zu Gast auf internationalen Festivals, bei „CIRCUS MEETS CLASSIC“ im Circus Roncalli. In der Laeiszhalle gibt Joja vor jeweils 2.000 Zuschauern zwei Konzerte, Special Guest: Roger Cicero, der nach diesem Konzert seinen Durchbruch als Sänger hat. Weitere TV-Auftritte folgen.
Joja geht auf eine knapp halbjährige „Internationale Weltreise“. In 4 Kontinenten gibt er erfolgreiche Konzerte. Australien, Neuseeland, China, Japan, Korea, USA und Kanada. Der NDR macht Aufnahmen für die Sendung „Sommer, Sonne, Wind und mehr“. Wieder ist er zu Gast in Talk-Shows, und gibt Interviews über seine Weltreise. Erfolgreiche, ausverkaufte Konzerte in ganz Deutschland folgen. Doris Kaempfert, die Tochter des unvergessenen Pianisten, Komponisten und Bandleaders Bert Kaempfert, veranstaltet eine Konzertreihe: „Strangers in the Night“ in diversen Städten. Die Big Band des hr spielt. Joja Wendt ist Special Guest und führt als Moderator durch das Programm.
Veröffentlichung der neuen CD „Mit 88 Tasten um die Welt“ – eine musikalische Weltreise. Sie umfasst die musikalischen Einflüsse aus seiner Welttournee. In der Laeiszhalle-Musikhalle Hamburg ist dieses Mal die Nachfrage so groß, dass Joja über Pfingsten gleich 4 Konzerte gibt (über 7.000 Konzertbesucher!) – eine großartige Gelegenheit, die Künstler, die auf der CD „Mit 88 Tasten um die Welt“ mitwirken, zum Teil live seinem begeisterten Publikum vorzustellen.
Joja Wendt ist nicht nur ein Klavier-Virtuose, sondern begegnet seinem Publikum auch als Freund. Sein erklärtes Ziel ist es, die Hemmschwelle der Menschen, in ein Klavierkonzert zu gehen, herab zu setzen. Klavierspielen macht Spaß! ist die überzeugende Botschaft. Seine Musik ist für jedermann und jede Frau. „Meine ursprüngliche musikalische Heimat ist der Club“, erklärt er seinen Ansatz, „das hilft in vielen Situationen, die naturgegebene Distanz eines Konzertsaales zu verringern.“ Dazu gehört auch, dass er seine Konzerte interaktiv gestaltet und mit seinem Publikum redet.
Unterhaltung ist sicher eine Säule seines Programms, doch der Träger des „Louis Armstrong“ Preises ist mehr als bloßer Entertainer, er verbindet die Show mit Virtuosität und musikalischer Qualität. Bei der Frage nach dem Übe-Pensum stellt er den Vergleich mit einem Boxer an: „Man entdeckt das Talent auf der Strasse. Als Jugendlicher ackerst du rund um die Uhr, um es an die Spitze zu schaffen. Danach als Aktiver bereitet man sich gezielt auf die Kämpfe vor. In meiner Studienzeit, zwischen zwanzig und dreißig, habe ich ausdauernd Klavier geübt. Bestimmt acht bis zehn Stunden am Tag. Nicht mal bei der Abitursfeier meiner Klasse war ich dabei, weil ich am Klavier saß“, berichtet er. „Heute bereite ich mich intensiv auf die jeweilige Tournee vor.“
In den kommenden Konzerten kann man die Welt des Joja Wendt bereisen. Unterwegs wird er gekonnt mit dem Publikum kommunizieren, Wissenswertes zum Besten geben und schwierigste Klavierstücke auf ureigene Art und Weise intonieren. So heißt es nun: „Einsteigen und die Türen schließen!“ Der Joja-Wendt-Express verlässt unter Volldampf den Bahnhof, um in 88 Städten Station zu machen.
"„Das Sperl ist an jenen Tagen das Zentrum der Hamburger Blues-Szene gewesen. Da trafen sich alle und ich lernte viel, weil ich überall mitspielen durfte.“, erzählt er heute. „Die Sängerin Inga Rumpf gehörte dazu. Der Pianist Vince Weber und der Gitarrist und Blues-Sänger Abi Wallenstein wurden für mich die wichtigsten Figuren. Sie haben mich damals bei der Hand genommen und in die Szene eingeführt.“"
Joja Wendt
Es folgte ein Klavierstudium am Konservatorium in Hilversum und in der Manhattan School of Music in New York. In der darauffolgenden Zeit machen ihn sein Feuer, seine Ausdruckskraft und nicht zuletzt seine selbstbewußte Präsenz als Performer zum Herrn der Hamburger Bühnen. Der internationale Erfolg lässt nicht lange auf sich warten. 1991 veröffentlicht er seine erste CD „The Art Of Boogie-Woogie“, produziert und aufgenommen in London, auf der er zwanzig eigens dafür transkribierte Klassiker einspielt.
Es folgen öffentliche Auftritte mit Jerry Lee Lewis und Chuck Berry. Bald kommt auch die zweite CD, „Cooking“, produziert und aufgenommen in Hamburg. Joja tritt auf internationalen Jazz-Festivals mit Monty Alexander und Lou Rawls auf. 1993 folgt die dritte CD-Veröffentlichung „Live“, ebenfalls produziert und aufgenommen in Hamburg. Joja wird zum opening/support act bei Joe Cocker und Fats Domino.
Weitere CD-Veröffentlichungen mit Rock-Röhre Inga Rumpf und Blues- Meister Abi Wallenstein folgen. In einer neue Solo-Piano-Produktion „The Art of Early Jazz Piano“, werden klassische Jazz-Kompositionen im Stil von Fats Waller, James P. Johnson und Art Tatum interpretiert. Diese Klassiker sind auch als Noten erhältlich. Neben Solo-Auftritten überall in Europa gibt Joja 1996 sein erstes ausverkauftes Konzert im ersten Haus am Platze, der Laeiszhalle in Hamburg, damals noch als Musikhalle bekannt.
1997 folgt Joja einer Einladung des weltberühmten Soul-Jazzer Les McCann (Swiss Movement/Live in Montreux über eine Million Mal verkauft) zu CD-Aufnahmen nach Los Angeles. Das Ergebnis ist die soulig-bluesige CD „Pacifique“. Einwöchiges, ausverkauftes Engagement im „Green Dolphin Club“ in Kapstadt, Südafrika. Bald darauf das nächste Konzert in der Hamburger Musikhalle – vor ausverkauftem Haus mit stehenden Ovationen. Erster Solo-Auftritt beim renommierten Montreux Jazz Festival und Solo-Auftritte bei internationalen Jazz Festival in Paris.
1998 wird die CD „hummelflug.de“ veröffentlicht. Darauf sind zur Hälfte Studio-Aufnahmen und zur anderen Hälfte Live-Aufnahmen zu hören. Joja reist während mehrer Touren und Engagements durch ganz Deutschland und Europa, gibt Club- und Konzertauftritte vor großem Publikum.
Wie auch im vorherigen Jahr gibt Joja 1999 einen Soloauftritt im Rahmen des 32. Montreux Jazz Festivals. Von Juli bis Dezember tourt Joja als Solist und mit eigener Band und Gästen durch Europa und tritt bei Festivals in Schweden (Aaland), Frankreich und Deutschland auf.
Im Laufe des Jahres 1999 gelingt es Joja, durch beeindruckende Konzerte in Frankfurt, Düsseldorf und München und zahlreichen anderen deutschen Städten seine Fangemeinde kontinuierlich auszubauen. Er arbeitet intensiv an der Fertigstellung seines neuen Albums. Ein weiterer Höhepunkt des Jahres war die erneute Einladung von Joe Cocker anlässlich dessen Auftaktkonzerts der „Ordinary World“ Tournee in der Sporthalle in Hamburg. Publikum und Presse waren begeistert.
Am 10. April 2000 erscheint Jojas Debut-Album bei der EMI/Köln, „Joja Wendt – Der Pianist“. Joja gibt zahlreiche Fernsehauftritte, unter anderem in der „Guiness Show“, in „Musik für Sie“ und der NDR Talkshow. Er ist auch Support Act bei der gesamten Deutschlandtournee „Joe Cocker“. Im Dezember erfolgt nun endlich die TV-Produktion und Ausstrahlung einer eigenen Sendung, der „Joja Wendt Show“, die auch 2001 wiederholt wird.
2001 war Joja Wendt erneut Gaststar eines Mega-Acts. Auf Einladung von PUR spielte er am 24. und 25. August vor über 100.000 Menschen in der neuen „Arena Auf Schalke“. Im Januar 2002 erscheint das Album „Showtime“ mit berühmten Filmklassikern. Begleitet wird Joja Wendt vom Babelsberger Filmorchester, mit dem der Künstler auch seine Debut-CD bei EMI, „Der Pianist“, einspielte.
Dem TV-Publikum präsentierte sich der Hamburger in vielen TV-Shows u.a. in der „Arena der Stars“ in Köln, bei „Zauber der Musik“ in Salzburg, bei „N3-Talkshows“, bei „Ein Platz an der Sonne“ und vielen mehr.
Auch 2002 fand das alljährliche zweimalig ausverkaufte Konzert in der Hamburger Musikhalle statt. Am 4. November 2002 erschien das Album „Joja Wendt – Live!“ (im Vertrieb von AL!VE), der ein atmosphärischer Konzertmitschnitt eben aus diesen Konzerten.
Scheinbar lässig steckt der Vollblutmusiker den Stress von über 100 Live-Auftritten pro Jahr weg. Joja Wendt gelingt 2003 und 2004 jeweils ein musikalischer Hattrick: Dreimal hintereinander spielt er in der ausverkauften Hamburger Musikhalle vor jeweils 2.000 Besuchern. Live-Konzerte sind ihm sein liebstes musikalisches Kind. So wird er in allen großen Konzerthäusern, der Alten Oper in Frankfurt, dem Prinzregenttheater in München oder dem Gewandhaus in Leipzig vom Publikum mit Standing Ovations gefeiert.
Die steigende Popularität ist ein Ergebnis von zahlreichen TV-Auftritten.
Als TV-Moderator (mit Co-Moderatorin Madeleine Wehle) beweist der Allroundkünstler erfolgreich in der populären NDR-Musik-Show „Wer kennt die Hits?” seine Qualitäten in der Improvisation. Spontan begleiten Joja Wendt und seine Band die Promi-Teams beim Raten und Singen der Hits und Evergreens. Die Staffeln werden reihum in allen 3. Programmen ausgestrahlt.
Joja Wendt nimmt nebenbei die Herausforderung an für Otto Waalkes die Musik für seinen Film „Sieben Zwerge – Männer allein im Wald” zu schreiben. In dieser Komödie mit hochkarätiger Star- und Zwergen-Besetzung (Otto Waalkes, Heinz Hönig, Cosma Shiva Hagen und Nina Hagen, Atze Schröder, Rüdiger Hoffmann, oder Mirco Nontschew sowie Gastauftritten von Harald Schmidt und Helge Schneider) bedient er das Märchen-Genre meisterhaft mit orchestralen Kompositionen, unterstützt vom Deutschen Filmorchester Babelsberg. Unvergessen seine pfiffige a capella Komposition ”Hey Zwerge ho”. Der Film sprengt alle Kassenrekorde und wird zu einem der erfolgreichsten deutschen Produktionen aller Zeiten.
In Kooperation mit dem NDR sowie der Produktionsfirma Werner Kimmig GmbH wurden seine Live-Programme „Joja Wendt – Der Pianist“ und „Showtime“ als 60-minütige TV-Specials einem stetig wachsenden Publikum präsentiert. Die Produktion eines weiteren TV-Specials mit seinem aktuellen Programm „Joja Wendt – The Grand Piano (Special Guests: Otto Waalkes, Bill Ramsey u.a.) ist das nächste große Projekt des Herbstes 2004. Die NDR-Aufzeichnungen fanden am 19. und 20. Oktober 2004 im Hamburger CCH statt. Vor einer fantastischen Kulisse präsentierte Joja gemeinsam mit seinen Musikern Christoph Buhse (Drums) und Thomas Biller (Kontrabass), unterstützt von den “Elbhorns” ein musikalisch anspruchvolles und sehr unterhaltsames Programm, das durch diverse eingespielte Sketche sowie die Präsentation seines weltweit einmaligen “Low-Rider”-Flügels von Steinway einen weiteren “Benchmark” seiner Karriere darstellte.
Der Mitschnitt davon ist auf der DVD „The Grand Piano“ ein Verkaufserfolg. Zu dieser DVD gibt es eine Bonus-DVD mit Sketchen, Interviews, Fotos etc. Musik-Highlights dieser erfolgreichen Konzerte im CCH sind auf der CD „The Grand Piano“ zu hören. Ausstrahlung im NDR-Fernsehen als TV-Special „The Grand Piano“ mit mehrmaliger Wiederholung (auch im Hessischen Fernsehen und im SWR). Nach dem enormen Erfolg des Filmes „7 Zwerge – Männer allein im Wald“ schreibt Joja auch die Musik zu dem ebenso erfolgreichen zweiten Teil: „7 Zwerge – der Wald ist nicht genug“.
Joja ist zu Gast auf internationalen Festivals, bei „CIRCUS MEETS CLASSIC“ im Circus Roncalli. In der Laeiszhalle gibt Joja vor jeweils 2.000 Zuschauern zwei Konzerte, Special Guest: Roger Cicero, der nach diesem Konzert seinen Durchbruch als Sänger hat. Weitere TV-Auftritte folgen.
Joja geht auf eine knapp halbjährige „Internationale Weltreise“. In 4 Kontinenten gibt er erfolgreiche Konzerte. Australien, Neuseeland, China, Japan, Korea, USA und Kanada. Der NDR macht Aufnahmen für die Sendung „Sommer, Sonne, Wind und mehr“. Wieder ist er zu Gast in Talk-Shows, und gibt Interviews über seine Weltreise. Erfolgreiche, ausverkaufte Konzerte in ganz Deutschland folgen. Doris Kaempfert, die Tochter des unvergessenen Pianisten, Komponisten und Bandleaders Bert Kaempfert, veranstaltet eine Konzertreihe: „Strangers in the Night“ in diversen Städten. Die Big Band des hr spielt. Joja Wendt ist Special Guest und führt als Moderator durch das Programm.
Veröffentlichung der neuen CD „Mit 88 Tasten um die Welt“ – eine musikalische Weltreise. Sie umfasst die musikalischen Einflüsse aus seiner Welttournee. In der Laeiszhalle-Musikhalle Hamburg ist dieses Mal die Nachfrage so groß, dass Joja über Pfingsten gleich 4 Konzerte gibt (über 7.000 Konzertbesucher!) – eine großartige Gelegenheit, die Künstler, die auf der CD „Mit 88 Tasten um die Welt“ mitwirken, zum Teil live seinem begeisterten Publikum vorzustellen.
Joja Wendt ist nicht nur ein Klavier-Virtuose, sondern begegnet seinem Publikum auch als Freund. Sein erklärtes Ziel ist es, die Hemmschwelle der Menschen, in ein Klavierkonzert zu gehen, herab zu setzen. Klavierspielen macht Spaß! ist die überzeugende Botschaft. Seine Musik ist für jedermann und jede Frau. „Meine ursprüngliche musikalische Heimat ist der Club“, erklärt er seinen Ansatz, „das hilft in vielen Situationen, die naturgegebene Distanz eines Konzertsaales zu verringern.“ Dazu gehört auch, dass er seine Konzerte interaktiv gestaltet und mit seinem Publikum redet.
Unterhaltung ist sicher eine Säule seines Programms, doch der Träger des „Louis Armstrong“ Preises ist mehr als bloßer Entertainer, er verbindet die Show mit Virtuosität und musikalischer Qualität. Bei der Frage nach dem Übe-Pensum stellt er den Vergleich mit einem Boxer an: „Man entdeckt das Talent auf der Strasse. Als Jugendlicher ackerst du rund um die Uhr, um es an die Spitze zu schaffen. Danach als Aktiver bereitet man sich gezielt auf die Kämpfe vor. In meiner Studienzeit, zwischen zwanzig und dreißig, habe ich ausdauernd Klavier geübt. Bestimmt acht bis zehn Stunden am Tag. Nicht mal bei der Abitursfeier meiner Klasse war ich dabei, weil ich am Klavier saß“, berichtet er. „Heute bereite ich mich intensiv auf die jeweilige Tournee vor.“
In den kommenden Konzerten kann man die Welt des Joja Wendt bereisen. Unterwegs wird er gekonnt mit dem Publikum kommunizieren, Wissenswertes zum Besten geben und schwierigste Klavierstücke auf ureigene Art und Weise intonieren. So heißt es nun: „Einsteigen und die Türen schließen!“ Der Joja-Wendt-Express verlässt unter Volldampf den Bahnhof, um in 88 Städten Station zu machen.
“A few days without a piano and I really get nervous’ asserts Joja Wendt. “I constantly hunger for the keys, five hours playing feels like only hour to me.” Joja Wendt is a pianist through and through, his concerts fill the largest concert halls. He is, without doubt, technically brilliant and driven when at his instrument. However, when he talks about his music, easily sitting back and yet elegant, it seems impossible that this man could ever get nervous. Even his small talk is ‚great entertainment’ – Joja Wendt is charming, attentive, articulate and quick-witted, in a word: poised. A characteristic that not only his audience appreciates. He has reached the point, where his name is used synonymously with that of his instrument: Joja Wendt = Piano.
The fascination of the singing keys grips the boy before he can even pronounce his own name “Johan” correctly. The name remains “Joja” and he stayed with the piano. But what started as a game, quickly turns into an all encompassing part of his life.
The parents are not thrilled that their son plays until late into the night and thus the boy lets himself be locked into the music room of the school by the janitor – secretly, of course, and well provided with sandwiches and something to drink. Joja Wendt even misses his ‚A’ Level graduation party, because he is playing and he finally goes to study in Hilversum (Netherlands) and afterwards in New York at the Manhattan School of Music.
At least since their honeymoon his wife knows that she has serious competition. Four weeks on a dream of an island in the South China Sea, with one drawback: No keyboard to be found for miles around. Salvation comes in the form of a 5-star hotel at the other end of the island. That means several hours of marching through dense jungle, following a guide. And all that for a mediocre keyboard, but at least the honeymoon can continue.
Today Joja Wendt lives in Hamburg with his wife and two children; obviously his love of the piano has not harmed his marriage. After all, Joja Wendt is not a grim nerd, he can easily distance himself from his work. For recreation he reads about evolution biology and he has been playing table-tennis in Hamburg’s highest class to keep body and mind in tune. And if he wants more thrills, the passionate free rider takes his skis to the best powder snow runs on the planet.
Numerous concert tours have taken Joja Wendt around the world. From Germany and Europe to the stages of glittering metropolis’, such as New York’s Carnegie Hall as well as out-of-the-way corners like a small music school in the Siberian peninsula of Kamtschatka, of which he likes to tell in his concerts. He played with icons like Jerry Lee Lewis and Chuck Berry, played as support for Fats Domino and Joe Cocker on stage, hosted TV shows, composed the music for one of Germany’s most successful cinema film and currently is part of the jury for the ambitious children TV project “Your Song”, in which the composition of children have the chance of being performed by stars.
In the year 2006 “Steinway-Artist” Joja Wendt was on a world tour with the “Steinway Family Tour” for nearly 6 months and played in sold out concerts before enthusiastic audiences on 4 continents, in Australia, New Zealand, China, Japan, Singapore, Korea, Indonesia, the USA and Canada.
Joja Wendt has done, seen and played many things, but his thirst for more is still unquenched: Whether he plays incognito with a false beard and hair piece at small festivals, works on a virtuoso electronic project named ‘Classic Reloaded’ or plans rock versions of classical pieces with the help of an alternative band – he never seems to run out of ideas. Where does this drive come from? Joja Wendt shrugs and laughs his youthful laugh: “I simply love doing it. I am a pianist.”
The unique range of his concerts has a simple reason: ‘As a child I have decided on an instrument, but until today I have not yet decided on a musical genre’, says Joja Wendt. ‚There is simply a lot I like as long as it is good.’ He doesn’t wear blinkers, his selection is not based on style or epoch, but on quality and uniqueness. After very successful concert tours with various members, Joja Wendt now comes alone with his piano, but certainly not with a dry piano concerto. ‘The Best Thing About a Piano’ is a virtuoso and humorous journey. It follows Joja Wendt’s personal milestones of piano music, seasoned with amusing anecdotes, artistic interludes and illustrative presentations. He asks questions, such as what the most-played jazz piece worldwide is, plays the boogie-woogie “Stomp”, the driving rhythm of which was the background to the destruction of the interior of the Carnegie Hall in 1938 by the enthusiastic audience, spends time on formative greats such as George Gershwin and his “Rhapsody in Blue” – but, of course, the party version of the classic that was developed by Gershwin later on and is partly played lying on one’s back. True to his motto ”Playing the piano is fun“ Joja Wendt now and again interrupts himself, explains and comments individual passages and facilitates entirely new, laughing, relishing insights into the piano and music. And once in a while, when it gets complicated, he doesn’t mince words: ‘I am sure, I will make a mistake here – and just as sure nobody will notice!’
Joja Wendt confirms the topic of the tour with immense technical difficulties: As the first German he is trying to play the infamous ‚Variations on Bizet’s Carmen” of the genius Vladimir Horowitz, Joja Wendt’s favourite classical pianist. The piece is considered one of the most demanding in the history of the piano, and making it more difficult is the fact that each note has to be transcribed individually, because no score exist. Originally it was idée fixe. As unconditional optimist I have made a bet with a daily newspaper in Hamburg – and now I have to see it through. It will cost me blood, sweat and tears, but I will get this almost unplayable piece ready for a concert some day.’
Even in such moments of utmost concentration, Joja keeps his sense of humour, the precondition for any of his appearances. A good concert is much more for him than simply a brilliant performance, it requires charisma and presence, in order to engage the audience: ‚I noticed that I play best, when the atmosphere in the audience is relaxed and not self-conscious or tense. For me the often rigid distance in so many classic concerts is counterproductive – I don’t need that: After all, I am no different from the people in the audience, I am interested in the same music, probably have a similar sense of humour. The only difference is that I play piano perhaps a little bit faster.’
Joja Wendt – THE SIGN OF THE LYRE
She is considered to be the mother of all string instruments and is the namesake of a constellation. The verses sung to her music later became known as “lyric poetry” – and even the pedal system of a concert grand piano is named after her: The LYRE is a symbol for music and its long history and has therefore become the perfect setting for Joja Wendt´s new project. Up until now, his concerts have usually circulated around a particular theme filling up concert halls all over the world. „Sehr schwer zu spielen“ (Very Hard to play), „Mit 88 Tasten um die Welt“ (Around the World in 88 Keys) or „Das Beste am Klavier“ (The Best of Piano) – these were the names of his programs in which he combines the art of piano playing with entertaining conversation, and this to the pure delight of his large audience. But now for the first time ever, Joja Wendt dares to musically arrange an entire story. „Im Zeichen der Lyra“ (The Sign of the Lyra) – A Story in Music is a parable from the world of music.
A ten year old girl loses interest and fun in playing the piano even before its desire is lit up: Constantly cramming for grades, the same old exercises – school alone is hard enough but now there´s added pressure in having to learn how to play an instrument! When complaining about these sufferings to her grandfather, he responds with a story which the child listens to, spellbound. The story is about a musical instrument – the organ – the queen of instruments, which resides in an ancient, petrified tower and reigns over the other instruments. She is a strict guardian of rules, rankings and sacred scores. Musical freedom is regarded as blasphemy. And so it comes as it must come: One day, the piano cannot keep itself under control any longer and starts improvising, it gets kicked out of the instrument family and blown out off the tower by the organ pipes – and with a sudden bang, lands in the middle of Joja Wendt’s concert stage.
This entrance marks the beginning of a concert journey across all styles and eras. Beginning with the Seikilos Epitaph, the oldest known inscription note AND spanning over to the greatest classics of music history, all of this very freely interpreted by Joja Wendt. In its search for spiritual brothers, the piano meets with numerous other instruments. Humorous and playful, Wendt weaves musical dialogues, making different colors and characters resound while gradually other instruments join in and unite in order to bring the 3D animated threatening tower, in the middle of the stage, to collapse.
„Im Zeichen der Lyra“ has become a kind of life project for Joja Wendt. “The longer I worked on the story and its implementation, the more I realized: This is my own story!” says the 47 year old, Hamburg-born artist. “I constantly deviated from the path that I was supposed to musically go, I often found myself caught between two chairs and even got kicked out every now and then. To the classics, I was too popular, to the jazz people, I was too classical and the Boogie-Woogie scene automatically disqualified me because of my interest in the other two varieties.” he says laughing. “But I also experienced a lot of solidarity, last but not least due to my success with my audience. And I’ve never worried – on the contrary, I feel very convinced with my music!”
“Im Zeichen der Lyra” not only is a passionate plea to burst open musical boundaries: By telling this story, the grandfather wants to show his granddaughter how important it is to find ones own way. “Heraclitus is credited with the statement: “To educate is to switch on a light and not to fill a barrel.” “And this is so true, even figuratively.” says Wendt, “…you must burn inside for something, then it’s right for yourself – no matter what others say.”
By no means is “Im Zeichen der Lyra“ a mere children’s program. “It is an entertaining concert that tells an exciting story – and it works generally without any age restriction. But unlike most piano concerts “Im Zeichen der Lyra“ is deliberately for children as well because it all begins with them.” Wendt emphasizes and smilingly adds after a short pause for reflection: “However, I know a few people who were 60 years old when decided to play the piano for the first time in their lives. It is never too late to find yourself in music – and experience lots of fun by doing so.”
The fascination of the singing keys grips the boy before he can even pronounce his own name “Johan” correctly. The name remains “Joja” and he stayed with the piano. But what started as a game, quickly turns into an all encompassing part of his life.
The parents are not thrilled that their son plays until late into the night and thus the boy lets himself be locked into the music room of the school by the janitor – secretly, of course, and well provided with sandwiches and something to drink. Joja Wendt even misses his ‚A’ Level graduation party, because he is playing and he finally goes to study in Hilversum (Netherlands) and afterwards in New York at the Manhattan School of Music.
At least since their honeymoon his wife knows that she has serious competition. Four weeks on a dream of an island in the South China Sea, with one drawback: No keyboard to be found for miles around. Salvation comes in the form of a 5-star hotel at the other end of the island. That means several hours of marching through dense jungle, following a guide. And all that for a mediocre keyboard, but at least the honeymoon can continue.
Today Joja Wendt lives in Hamburg with his wife and two children; obviously his love of the piano has not harmed his marriage. After all, Joja Wendt is not a grim nerd, he can easily distance himself from his work. For recreation he reads about evolution biology and he has been playing table-tennis in Hamburg’s highest class to keep body and mind in tune. And if he wants more thrills, the passionate free rider takes his skis to the best powder snow runs on the planet.
Numerous concert tours have taken Joja Wendt around the world. From Germany and Europe to the stages of glittering metropolis’, such as New York’s Carnegie Hall as well as out-of-the-way corners like a small music school in the Siberian peninsula of Kamtschatka, of which he likes to tell in his concerts. He played with icons like Jerry Lee Lewis and Chuck Berry, played as support for Fats Domino and Joe Cocker on stage, hosted TV shows, composed the music for one of Germany’s most successful cinema film and currently is part of the jury for the ambitious children TV project “Your Song”, in which the composition of children have the chance of being performed by stars.
In the year 2006 “Steinway-Artist” Joja Wendt was on a world tour with the “Steinway Family Tour” for nearly 6 months and played in sold out concerts before enthusiastic audiences on 4 continents, in Australia, New Zealand, China, Japan, Singapore, Korea, Indonesia, the USA and Canada.
Joja Wendt has done, seen and played many things, but his thirst for more is still unquenched: Whether he plays incognito with a false beard and hair piece at small festivals, works on a virtuoso electronic project named ‘Classic Reloaded’ or plans rock versions of classical pieces with the help of an alternative band – he never seems to run out of ideas. Where does this drive come from? Joja Wendt shrugs and laughs his youthful laugh: “I simply love doing it. I am a pianist.”
The unique range of his concerts has a simple reason: ‘As a child I have decided on an instrument, but until today I have not yet decided on a musical genre’, says Joja Wendt. ‚There is simply a lot I like as long as it is good.’ He doesn’t wear blinkers, his selection is not based on style or epoch, but on quality and uniqueness. After very successful concert tours with various members, Joja Wendt now comes alone with his piano, but certainly not with a dry piano concerto. ‘The Best Thing About a Piano’ is a virtuoso and humorous journey. It follows Joja Wendt’s personal milestones of piano music, seasoned with amusing anecdotes, artistic interludes and illustrative presentations. He asks questions, such as what the most-played jazz piece worldwide is, plays the boogie-woogie “Stomp”, the driving rhythm of which was the background to the destruction of the interior of the Carnegie Hall in 1938 by the enthusiastic audience, spends time on formative greats such as George Gershwin and his “Rhapsody in Blue” – but, of course, the party version of the classic that was developed by Gershwin later on and is partly played lying on one’s back. True to his motto ”Playing the piano is fun“ Joja Wendt now and again interrupts himself, explains and comments individual passages and facilitates entirely new, laughing, relishing insights into the piano and music. And once in a while, when it gets complicated, he doesn’t mince words: ‘I am sure, I will make a mistake here – and just as sure nobody will notice!’
Joja Wendt confirms the topic of the tour with immense technical difficulties: As the first German he is trying to play the infamous ‚Variations on Bizet’s Carmen” of the genius Vladimir Horowitz, Joja Wendt’s favourite classical pianist. The piece is considered one of the most demanding in the history of the piano, and making it more difficult is the fact that each note has to be transcribed individually, because no score exist. Originally it was idée fixe. As unconditional optimist I have made a bet with a daily newspaper in Hamburg – and now I have to see it through. It will cost me blood, sweat and tears, but I will get this almost unplayable piece ready for a concert some day.’
Even in such moments of utmost concentration, Joja keeps his sense of humour, the precondition for any of his appearances. A good concert is much more for him than simply a brilliant performance, it requires charisma and presence, in order to engage the audience: ‚I noticed that I play best, when the atmosphere in the audience is relaxed and not self-conscious or tense. For me the often rigid distance in so many classic concerts is counterproductive – I don’t need that: After all, I am no different from the people in the audience, I am interested in the same music, probably have a similar sense of humour. The only difference is that I play piano perhaps a little bit faster.’
Joja Wendt – THE SIGN OF THE LYRE
She is considered to be the mother of all string instruments and is the namesake of a constellation. The verses sung to her music later became known as “lyric poetry” – and even the pedal system of a concert grand piano is named after her: The LYRE is a symbol for music and its long history and has therefore become the perfect setting for Joja Wendt´s new project. Up until now, his concerts have usually circulated around a particular theme filling up concert halls all over the world. „Sehr schwer zu spielen“ (Very Hard to play), „Mit 88 Tasten um die Welt“ (Around the World in 88 Keys) or „Das Beste am Klavier“ (The Best of Piano) – these were the names of his programs in which he combines the art of piano playing with entertaining conversation, and this to the pure delight of his large audience. But now for the first time ever, Joja Wendt dares to musically arrange an entire story. „Im Zeichen der Lyra“ (The Sign of the Lyra) – A Story in Music is a parable from the world of music.
A ten year old girl loses interest and fun in playing the piano even before its desire is lit up: Constantly cramming for grades, the same old exercises – school alone is hard enough but now there´s added pressure in having to learn how to play an instrument! When complaining about these sufferings to her grandfather, he responds with a story which the child listens to, spellbound. The story is about a musical instrument – the organ – the queen of instruments, which resides in an ancient, petrified tower and reigns over the other instruments. She is a strict guardian of rules, rankings and sacred scores. Musical freedom is regarded as blasphemy. And so it comes as it must come: One day, the piano cannot keep itself under control any longer and starts improvising, it gets kicked out of the instrument family and blown out off the tower by the organ pipes – and with a sudden bang, lands in the middle of Joja Wendt’s concert stage.
This entrance marks the beginning of a concert journey across all styles and eras. Beginning with the Seikilos Epitaph, the oldest known inscription note AND spanning over to the greatest classics of music history, all of this very freely interpreted by Joja Wendt. In its search for spiritual brothers, the piano meets with numerous other instruments. Humorous and playful, Wendt weaves musical dialogues, making different colors and characters resound while gradually other instruments join in and unite in order to bring the 3D animated threatening tower, in the middle of the stage, to collapse.
„Im Zeichen der Lyra“ has become a kind of life project for Joja Wendt. “The longer I worked on the story and its implementation, the more I realized: This is my own story!” says the 47 year old, Hamburg-born artist. “I constantly deviated from the path that I was supposed to musically go, I often found myself caught between two chairs and even got kicked out every now and then. To the classics, I was too popular, to the jazz people, I was too classical and the Boogie-Woogie scene automatically disqualified me because of my interest in the other two varieties.” he says laughing. “But I also experienced a lot of solidarity, last but not least due to my success with my audience. And I’ve never worried – on the contrary, I feel very convinced with my music!”
“Im Zeichen der Lyra” not only is a passionate plea to burst open musical boundaries: By telling this story, the grandfather wants to show his granddaughter how important it is to find ones own way. “Heraclitus is credited with the statement: “To educate is to switch on a light and not to fill a barrel.” “And this is so true, even figuratively.” says Wendt, “…you must burn inside for something, then it’s right for yourself – no matter what others say.”
By no means is “Im Zeichen der Lyra“ a mere children’s program. “It is an entertaining concert that tells an exciting story – and it works generally without any age restriction. But unlike most piano concerts “Im Zeichen der Lyra“ is deliberately for children as well because it all begins with them.” Wendt emphasizes and smilingly adds after a short pause for reflection: “However, I know a few people who were 60 years old when decided to play the piano for the first time in their lives. It is never too late to find yourself in music – and experience lots of fun by doing so.”
Joja Wendt - Die Boogie Woogie Nacht
Death Ray Boogie... heute auch bekannt unter Sting Ray Boogie auf dem Album ...sehr schwer zu spielen.
Pelican Stomp
Honky Tonk Train Blues
Death Ray Boogie... heute auch bekannt unter Sting Ray Boogie auf dem Album ...sehr schwer zu spielen.
Pelican Stomp
Honky Tonk Train Blues
Kenny Burrell *31.07.1931
Kenneth Earl „Kenny“ Burrell (* 31. Juli 1931 in Detroit, Michigan) ist ein amerikanischer Jazzgitarrist. Seine Musik ist hauptsächlich Blues, Hard Bop und Post-Bop, er spielt aber ebenso gut andere Jazzstile.Burrell machte seine erste Aufnahme 1951 mit Dizzy Gillespie. Nachdem er 1956 von Detroit nach New York umzog, spielte er mit vielen bekannten Musikern, unter anderem mit John Coltrane, Benny Goodman, Bill Evans, Gil Evans (The Individualism of Gil Evans), Stan Getz, Billie Holiday, Milt Jackson, Quincy Jones, Oscar Peterson, Sonny Rollins, Jimmy Smith, Stanley Turrentine und Cedar Walton. Seit 1951 leitet er auch immer wieder eigene Gruppen, zu denen seit 1965 für zehn Jahre der Pianist Richard Wyands gehörte.
Ab 1973 arbeitete er vorrangig als Studiomusiker. Daneben begann er Seminare über Musik zu geben, vor allem über Duke Ellington. Burrell arbeitet derzeit als Leiter der Jazzstudien an der UCLA.
Er hat etwa 100 LPs resp. CDs aufgenommen, darunter Midnight Blue (1963), Blue Lights, Guitar Forms, Sunup To Sundown (1990), Soft Winds (1993), Then Along Came Kenny (1993) und Lotus Blossom (1995).
Kenny Burell wurde vier Mal in Folge von den Lesern und Kritikern des weltweit auflagenstärksten Jazzmagazins Down Beat zum Jazzgitarristen des Jahres gewählt (1968, 1969, 1970, 1971)[1]
2005 erhielt er die NEA Jazz Masters Fellowship.
http://de.wikipedia.org/wiki/Kenny_Burrell
Kenneth Earl "Kenny" Burrell (born July 31, 1931) is an American jazz guitarist known for his collaborations with Jimmy Smith, including the 1965 Billboard Top Twenty hit album Organ Grinder Swing. He has cited jazz guitarists Charlie Christian and Django Reinhardt as influences, along with blues musicians T-Bone Walker and Muddy Waters.[1][2][3][4][5] Burrell also serves as a professor and Director of Jazz Studies at the UCLA Herb Alpert School of Music.[6]
Biography
Burrell was born in Detroit, Michigan to a musical family (both of his parents played instruments), and began playing guitar at the age of 12. He went on to study composition and theory with Louis Cabara and classical guitar with Joe Fava. While a student at Wayne State University, he made his recording debut as a member of Dizzy Gillespie's sextet in 1951, followed by the "Rose of Tangier/Ground Round" single recorded under his own name at Fortune Records in Detroit. While at university, Burrell founded the New World Music Society collective with fellow Detroit musicians Pepper Adams, Donald Byrd, Elvin Jones, and Yusef Lateef.[1][2][3][6]
Burrell toured with Oscar Peterson after graduating in 1955 and then moved to New York City in 1956 with pianist Tommy Flanagan. Within months, Burrell had recorded his first album as leader for Blue Note and both he and Flanagan were sought-after as sidemen and studio musicians, performing with singers Tony Bennett and Lena Horne and recording with Billie Holiday, Jimmy Smith, Gene Ammons, and Kenny Dorham, among others. From 1957 to 1959, Burrell occupied the former chair of Charlie Christian in Benny Goodman's band. Since his New York debut Burrell has had a prolific recording career, and critics have cited The Cats with John Coltrane in 1957, Midnight Blue with Stanley Turrentine in 1963, and Guitar Forms with arranger Gil Evans in 1965 as particular highlights.[1][2][3]
In 1978, he began teaching a course at UCLA called "Ellingtonia," examining the life and accomplishments of Duke Ellington. Although the two never collaborated directly, Ellington called Burrell his "favorite guitarist", and Burrell has recorded a number of tributes to and interpretations of Ellington's works. Since 1996, Burrell has served as Director of Jazz Studies at UCLA, mentoring such notable alumni as Gretchen Parlato and Kamasi Washington.[3][6][7][8]
Awards
Burrell has won several jazz polls in Japan and the United Kingdom as well as in the United States. Burrell wrote, arranged, and performed on the 1998 Grammy Award-winning album Dear Ella by Dee Dee Bridgewater, received the 2004 Jazz Educator of the Year Award from Down Beat, and was named a 2005 NEA Jazz Master.
https://en.wikipedia.org/wiki/Kenny_Burrell
Kenneth Earl "Kenny" Burrell (born July 31, 1931) is an American jazz guitarist known for his collaborations with Jimmy Smith, including the 1965 Billboard Top Twenty hit album Organ Grinder Swing. He has cited jazz guitarists Charlie Christian and Django Reinhardt as influences, along with blues musicians T-Bone Walker and Muddy Waters.[1][2][3][4][5] Burrell also serves as a professor and Director of Jazz Studies at the UCLA Herb Alpert School of Music.[6]Biography
Burrell was born in Detroit, Michigan to a musical family (both of his parents played instruments), and began playing guitar at the age of 12. He went on to study composition and theory with Louis Cabara and classical guitar with Joe Fava. While a student at Wayne State University, he made his recording debut as a member of Dizzy Gillespie's sextet in 1951, followed by the "Rose of Tangier/Ground Round" single recorded under his own name at Fortune Records in Detroit. While at university, Burrell founded the New World Music Society collective with fellow Detroit musicians Pepper Adams, Donald Byrd, Elvin Jones, and Yusef Lateef.[1][2][3][6]
Burrell toured with Oscar Peterson after graduating in 1955 and then moved to New York City in 1956 with pianist Tommy Flanagan. Within months, Burrell had recorded his first album as leader for Blue Note and both he and Flanagan were sought-after as sidemen and studio musicians, performing with singers Tony Bennett and Lena Horne and recording with Billie Holiday, Jimmy Smith, Gene Ammons, and Kenny Dorham, among others. From 1957 to 1959, Burrell occupied the former chair of Charlie Christian in Benny Goodman's band. Since his New York debut Burrell has had a prolific recording career, and critics have cited The Cats with John Coltrane in 1957, Midnight Blue with Stanley Turrentine in 1963, and Guitar Forms with arranger Gil Evans in 1965 as particular highlights.[1][2][3]
In 1978, he began teaching a course at UCLA called "Ellingtonia," examining the life and accomplishments of Duke Ellington. Although the two never collaborated directly, Ellington called Burrell his "favorite guitarist", and Burrell has recorded a number of tributes to and interpretations of Ellington's works. Since 1996, Burrell has served as Director of Jazz Studies at UCLA, mentoring such notable alumni as Gretchen Parlato and Kamasi Washington.[3][6][7][8]
Awards
Burrell has won several jazz polls in Japan and the United Kingdom as well as in the United States. Burrell wrote, arranged, and performed on the 1998 Grammy Award-winning album Dear Ella by Dee Dee Bridgewater, received the 2004 Jazz Educator of the Year Award from Down Beat, and was named a 2005 NEA Jazz Master.
Roy Milton *31.07.1907
Roy Milton (* 31. Juli 1907 in Wynnewood, Oklahoma; † 18. September 1983 in Los Angeles, Kalifornien) war ein US-amerikanischer Schlagzeuger, Sänger, Songschreiber und Bandleader, der vor allem im Bereich des Rhythm & Blues hervortrat.Seine frühen Jahre verbrachte Milton in einem Reservat in Oklahoma; sein Großvater war Indianer. In den 1920er Jahren trat er als Sänger und Schlagzeuger in Tulsa auf. In den 1920er Jahren war Milton Mitglied des Ernie Fields Orchestra, in dem er zunächst als Sänger und schließlich Schlagzeuger tätig war. 1933 ging er nach Los Angeles und gründete seine Band The Solid Senders. Sängerin war Anfang der 1950er Jahre Lil Greenwood, musikalischer Direktor seiner Gruppe war Bobby Smith, ein ehemaliges Mitglied des Erskine Hawkins Orchestra, der den Hit „Tippin’ In” für Milton komponierte. Dieser war mit seinen Hits in dieser Zeit ein erfolgreicher Star in den Nachtclubs; 1946 hatten sie mit R.M. Blues einen Hiterfolg, dem weitere folgten, darunter Milton’s Boogie, True Blues, Hop, Skip and Jump, Information Blues, Oh Babe (im Original von Louis Prima), So Tired und Best Wishes.
Der Erfolg ließ nach, als der Rock ’n’ Roll den Rhythm and Blues in den Hintergrund drängte. Milton versuchte mit Albentiteln wie The Roots of Rock und Instant Groove am Rockboom teilzuhaben. Beim Monterey Jazz Festival 1970 spielte er Schlagzeug in der All-Star-Band von Johnny Otis und war auch als Sänger aktiv. Er blieb weiterhin bis zu seinem Tod im Jahr 1983 aktiv, u.a. arbeitete er an der Westküste in Jingles und hatte Fernsehauftritte, wie in der landesweit gesendeten Sanford and Son Show.
1991 wurde Roy Milton in die Oklahoma Jazz Hall of Fame, 2006 in die Blues Hall of Fame aufgenommen.
http://de.wikipedia.org/wiki/Roy_Milton
Roy Milton (July 31, 1907 – September 18, 1983)[2] was an American R&B and jump blues singer, drummer and bandleader.[1]
Career
Milton's grandmother was a Chickasaw. He was born in Wynnewood, Oklahoma, United States,[2] and grew up on an Indian reservation before moving to Tulsa, Oklahoma. He joined the Ernie Fields band in the late 1920s as singer and, later, drummer.[3]
Moving to Los Angeles, California, in 1933, he formed his own band, the Solid Senders, with Camille Howard on piano.[3] He performed in local clubs and began recording in the 1940s, his first release being "Milton's Boogie" on his own record label.[2] His big break came in 1945, when his "R.M. Blues", on the new Juke Box label, became a hit, reaching number 2 on the Billboard R&B chart and No. 20 on the pop chart.[3] Its success helped establish Art Rupe's company, which he shortly afterwards renamed Specialty Records.[4]
Milton and his band became a major touring attraction, and he continued to record successfully for Specialty Records through the late 1940s and early 1950s. He recorded a total of 19 Top Ten R&B hits, the biggest being "Hop, Skip And Jump" (# 3 R&B, 1948), "Information Blues" (# 2 R&B, 1950), and "Best Wishes" (# 2 R&B, 1951). He left Specialty in 1955. However, releases on other labels were unsuccessful, and the development of rock and roll had rendered him something of an anachronism by the middle of the decade.[3]
Nevertheless he continued to perform, appearing in 1970 as a member of Johnny Otis' band at the Monterey Jazz Festival, and resumed his recording career in the 1970s with albums for Kent Records (# KST-554), "Roots Of Rock, Vol. 1: Roy Milton" and the French label, Black & Blue (# 33.114), "Instant Groove".[3]
Roy Milton ("The Grandfather Of R&B") died in Los Angeles, California, on 18 September 1983, aged 76.
His song, "Reelin' And Rockin'" appears on the 1996 release Jump Shot! by the group, Rocket Sixty-Nine.
Career
Milton's grandmother was a Chickasaw. He was born in Wynnewood, Oklahoma, United States,[2] and grew up on an Indian reservation before moving to Tulsa, Oklahoma. He joined the Ernie Fields band in the late 1920s as singer and, later, drummer.[3]
Moving to Los Angeles, California, in 1933, he formed his own band, the Solid Senders, with Camille Howard on piano.[3] He performed in local clubs and began recording in the 1940s, his first release being "Milton's Boogie" on his own record label.[2] His big break came in 1945, when his "R.M. Blues", on the new Juke Box label, became a hit, reaching number 2 on the Billboard R&B chart and No. 20 on the pop chart.[3] Its success helped establish Art Rupe's company, which he shortly afterwards renamed Specialty Records.[4]
Milton and his band became a major touring attraction, and he continued to record successfully for Specialty Records through the late 1940s and early 1950s. He recorded a total of 19 Top Ten R&B hits, the biggest being "Hop, Skip And Jump" (# 3 R&B, 1948), "Information Blues" (# 2 R&B, 1950), and "Best Wishes" (# 2 R&B, 1951). He left Specialty in 1955. However, releases on other labels were unsuccessful, and the development of rock and roll had rendered him something of an anachronism by the middle of the decade.[3]
Nevertheless he continued to perform, appearing in 1970 as a member of Johnny Otis' band at the Monterey Jazz Festival, and resumed his recording career in the 1970s with albums for Kent Records (# KST-554), "Roots Of Rock, Vol. 1: Roy Milton" and the French label, Black & Blue (# 33.114), "Instant Groove".[3]
Roy Milton ("The Grandfather Of R&B") died in Los Angeles, California, on 18 September 1983, aged 76.
His song, "Reelin' And Rockin'" appears on the 1996 release Jump Shot! by the group, Rocket Sixty-Nine.
ROY MILTON Information Blues 1949
R.I.P.
Bull Moose Jackson +31.07.1989
Benjamin Clarence „Bull Moose“ Jackson (* 22. April 1919 in Cleveland, Ohio[1]; † 31. Juli 1989 ebenda) war ein US-amerikanischer Tenorsaxophonist, Sänger und Bandleader des Swing, Blues und Rhythm and Blues.
Kindheit und Jugend
Jackson wurde 1919 in Cleveland geboren und lernte als Kind Geige zu spielen, da seine Eltern es so wollten. Seinen Beinamen „Bull Moose“ (Elchbulle) erhielt er, da viele Freunde sagten, es sehen aus wie ein Elch.[2] Als Jugendlicher erlernte Jackson Saxophon, das er offensichtlicher auch viel besser beherrschte als die Geige.
Anfänge
Jackson begann seine Musikerkarriere in einer Formation namens The Harlem Hotshots, als er noch die High School besuchte. 1943 wurde er von dem Bandleader Lucky Millinder [1] als Saxophonist eingestellt, dessen Musiker gaben ihm wegen seines Aussehens den Spitznamen „Bull Moose“. Als Vertretung für Wynonie Harris begann er in einer Show in Texas zu singen. Schließlich überzeugte ihn Millinder, im Juli 1945 einen Plattenvertrag als Solist bei dem King Records-Tochterlabel Queen Records abzuschließen, um Rhythm and Blues-Titel aufzunehmen.
Erfolge
Seinen ersten Hitparadenerfolg hatte Jackson im Juli 1948 mit I Know Who Threw the Whiskey, der sich auf Millinders Song Who Threw the Whiskey in the Well? bezog und die überhaupt erste Single im Katalog von Queen Records war. Als Queen Records nach nur 75 Singles wieder eingestellt wurde, wechselte er zum Mutterlabel King Records, das im März 1948 seinen dortigen ersten Hit All My Love Belongs To You präsentieren konnte. Im August 1947 nahm er seinen größten Erfolg auf, die Henry Glover-Komposition I Love You, Yes I Do, die Platz Eins der R&B-Charts erreichte und von dem eine Million Kopien verkauft wurden. Hier ist auch die von ihm gerade gegründete eigene Band, The Buffalo Bearcats, zu hören, mit der er in den nächsten fünf Jahren zahlreiche Platten in verschiedenen Musikrichtungen aufnahm; so auch romantische Crooner-Songs und Jump Blues-Titel. Obwohl als B-Seite versteckt, notierte 1948 I Want A Bowlegged Woman einen fünften Platz, sowie sein größter R&B-Chart Hit, I Can't Go On Without You, der sich nach seiner Veröffentlichung im Mai 1948 acht Wochen auf Platz Eins der R&B-Charts hielt. Im selben Jahr trat er mit Millinder auch in den Film Boarding House Blues auf. Ende der 1940er und Anfang der 1950er Jahre ging Jackson auf zahlreiche Tourneen in den USA. Ab 1951 spielten in seiner Band auch einige Jazzmusiker, wie der Bebop-Komponist und Arrangeur Tadd Dameron als Pianist, der Tenorsaxophonist Benny Golson, der spätere Jazz Messengers-Bassist Jymie Merritt sowie Johnny Coles, Frank Wess und Philly Joe Jones.
Spätere Jahre
Jackson nahm noch bis 1955 Platten auf; als sich der Musikgeschmack veränderte, zog er sich eine Weile aus dem Musikgeschäft zurück und arbeitete in einer Cateringfirma in Washington, D.C.. 1961 nahm er erneut erfolgreich seinen Hit I Love You, Yes I Do bei dem kleinen Label Seven Arts auf.
Anfang der 1980er Jahre trat Jackson mit der Pittsburgher R&B-Revivalband The Flashcats auf, die seine Titel spielten und spielte mit der Band 1985 das Album Moosemania ein. Danach ging Jackson noch auf Tourneen; er starb in seiner Heimatstadt Cleveland 1989 an Lungenkrebs.
http://de.wikipedia.org/wiki/Bull_Moose_Jackson
Benjamin Clarence "Bull Moose" Jackson (April 22, 1919 – July 31, 1989)[1] was an American blues and rhythm and blues singer and saxophonist, who was most successful in the late 1940s.
Career
Born in Cleveland, Ohio, United States,[2] he played violin as a child, but quickly became drawn to the saxophone and started his first band, The Harlem Hotshots, while he was still in high school. In 1943, he was recruited as a saxophonist by bandleader Lucky Millinder,[2] and the musicians in Millinder's band gave him the nickname "Bull Moose" for his appearance.[1] He began singing when required to stand in for Wynonie Harris at a show in Texas.
Millinder encouraged Jackson to sign a solo contract with Syd Nathan of King Records to play rhythm and blues. The first recorded in his own right was in 1946, with "I Know Who Threw the Whiskey", an answer song to Millinder's "Who Threw the Whiskey in the Well".[1] The following year, his recording of "I Love You, Yes I Do" reputedly became the first R&B single to sell a million copies, holding the #1 spot on the R&B chart for three weeks and crossing over to the pop chart, where it made #24.
He formed his own group, The Buffalo Bearcats, and over the next five years recorded in a wide variety of musical styles, including both romantic crooning and bawdy jump blues. Other big hits in 1948 included the double-sided hit "All My Love Belongs to You" / "I Want a Bowlegged Woman", and his biggest R&B chart hit, "I Can't Go on Without You", which stayed at # 1 on the R&B chart for eight weeks. He also made an appearance in the 1948 film, Boarding House Blues, with Millinder.[1]
In 1949, he covered "Why Don't You Haul Off and Love Me" a song that been successful for Wayne Raney as well as several country and western performers.[3]
Jackson toured throughout the late 1940s and early 1950s. Around 1951, his band included bebop composer and arranger Tadd Dameron on piano, and another jazz musician, Benny Golson, on saxophone.
Some of Jackson's later risqué material, including "Big Ten Inch Record" and "Nosey Joe" (written by Leiber and Stoller), caused a sensation during live performances, but were too suggestive for the radio and few records of them were sold. However, his band faithfully played "Big Ten Inch Record" at every show.
By the mid-50s, Jackson got tired of touring and retired from music to work for a catering firm in Washington DC, although he occasionally still performed at private parties. In 1961, he re-recorded "I Love You, Yes I Do" with modernized high-fidelity and had a minor hit.
20 years later, The Flashcats, a blues band that performed in western Pennsylvania, Ohio, and West Virginia, were regularly featuring a cover of "Big Ten Inch Record" in their setlist, undoubtedly inspired by rock group Aerosmith covering the song on their 1975 album Toys In The Attic. A local DJ reputedly told The Flashcats that he knew Bull Moose Jackson and frontman Carl Grefensette found him catering at Howard University. Grefensette convinced Jackson to perform with them and they quickly became a sensation in the western Pennsylvania area. Jackson then made The Flashcats his official backing band and began a career revival. He also recorded a comeback album, Moosemania!.
During the 1980s, Jackson, now in his 60s, had an extremely successful run performing in the US and internationally. However, he fell ill with lung cancer in 1987 and retired from the touring circuit during the spring of 1988. An old girlfriend of his came back to care for him during his final illness and he died in Cleveland on July 31, 1989.
Career
Born in Cleveland, Ohio, United States,[2] he played violin as a child, but quickly became drawn to the saxophone and started his first band, The Harlem Hotshots, while he was still in high school. In 1943, he was recruited as a saxophonist by bandleader Lucky Millinder,[2] and the musicians in Millinder's band gave him the nickname "Bull Moose" for his appearance.[1] He began singing when required to stand in for Wynonie Harris at a show in Texas.
Millinder encouraged Jackson to sign a solo contract with Syd Nathan of King Records to play rhythm and blues. The first recorded in his own right was in 1946, with "I Know Who Threw the Whiskey", an answer song to Millinder's "Who Threw the Whiskey in the Well".[1] The following year, his recording of "I Love You, Yes I Do" reputedly became the first R&B single to sell a million copies, holding the #1 spot on the R&B chart for three weeks and crossing over to the pop chart, where it made #24.
He formed his own group, The Buffalo Bearcats, and over the next five years recorded in a wide variety of musical styles, including both romantic crooning and bawdy jump blues. Other big hits in 1948 included the double-sided hit "All My Love Belongs to You" / "I Want a Bowlegged Woman", and his biggest R&B chart hit, "I Can't Go on Without You", which stayed at # 1 on the R&B chart for eight weeks. He also made an appearance in the 1948 film, Boarding House Blues, with Millinder.[1]
In 1949, he covered "Why Don't You Haul Off and Love Me" a song that been successful for Wayne Raney as well as several country and western performers.[3]
Jackson toured throughout the late 1940s and early 1950s. Around 1951, his band included bebop composer and arranger Tadd Dameron on piano, and another jazz musician, Benny Golson, on saxophone.
Some of Jackson's later risqué material, including "Big Ten Inch Record" and "Nosey Joe" (written by Leiber and Stoller), caused a sensation during live performances, but were too suggestive for the radio and few records of them were sold. However, his band faithfully played "Big Ten Inch Record" at every show.
By the mid-50s, Jackson got tired of touring and retired from music to work for a catering firm in Washington DC, although he occasionally still performed at private parties. In 1961, he re-recorded "I Love You, Yes I Do" with modernized high-fidelity and had a minor hit.
20 years later, The Flashcats, a blues band that performed in western Pennsylvania, Ohio, and West Virginia, were regularly featuring a cover of "Big Ten Inch Record" in their setlist, undoubtedly inspired by rock group Aerosmith covering the song on their 1975 album Toys In The Attic. A local DJ reputedly told The Flashcats that he knew Bull Moose Jackson and frontman Carl Grefensette found him catering at Howard University. Grefensette convinced Jackson to perform with them and they quickly became a sensation in the western Pennsylvania area. Jackson then made The Flashcats his official backing band and began a career revival. He also recorded a comeback album, Moosemania!.
During the 1980s, Jackson, now in his 60s, had an extremely successful run performing in the US and internationally. However, he fell ill with lung cancer in 1987 and retired from the touring circuit during the spring of 1988. An old girlfriend of his came back to care for him during his final illness and he died in Cleveland on July 31, 1989.
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